JeSúS Club :: Closed

[DES] Breves notas tras el cierre de JeSúS Club.

2009-04-12T17:00:00.001+02:00

“Luego dice que tiene que irse ya,
que sólo iba de paso.
Nos despedimos con melancolía.
Y se va para siempre.
“Oir la luz”. Eloy Sánchez Rosillo.

Supongo que todo en la vida llega y de diferentes maneras suele irse. A veces todo eso se va sin hacer ruido, dejando atrás bagaje de huellas que generalmente se dirigen hacia ninguna parte. También ocurre que se van sin desaparecer del todo, más que nada porque no es posible de un plumazo hacer como que nada pasó. Supongo, porque me paso los años suponiendo, no me queda otra alternativa, digo que supongo que para todas las idas y venidas hay razones sobradas como para dejarlas reposar en el devenir de los tiempos.

Se va aprendiendo con el paso de las estaciones ha tomarse los principios y finales, los adioses y despedidas y toda esa mierda literaria, como el que se toma el camino largo y pesado recorriendo una carretera secundaria.

No resulta sencillo, así todo, levantar una mano en la que uno no se reconoce para simbolizar que algo ha terminado, o está a punto de terminar. De todas maneras, los hilos telefónicos de la memoria muestran su cara para privilegiar en los escalones del recuerdo a todas esas cosas que un buen día deciden emprender un nuevo rumbo.

¿Dónde quiero fijas mis ojos, dónde dejar plasmado mi agradecimiento existencial ahora que los pliegos que han sostenido un sueño engendrado hace quince años se evaporan en la noche? Decididamente no lo tengo claro, pero como todo en la vida, sin claridad suficiente la luz duele, pero a veces se llega casi a oír si uno presta atención.

Sólo puedo recordar, pues son luminosas las horas del recuerdo, fogonazos de aeropuertos, de viajes y calor, todos ellos iluminados por algo parecido a un polígono industrial. Pero ojo, que vuelvo a desviarme y quiero por una vez aterrizar este discurso.

Hubo un tiempo, en el que Denver soñaba despierto, con todo un mundo por delante, en el que June comenzó a reconocer los astros, en el que Apollon hizo lo posible por buscar aquello que no le contaron. En ese tiempo, todos ellos hicieron un esfuerzo por mantener el estandarte de la libertad con dignidad ante los vientos cambiantes. Esa libertad que simbolizaba la juventud, la crítica haciendo uso de la palabra, la revolución encabezada por los besos y la pasión de unos jóvenes que empezaban a serlo. Hubo un tiempo de cambio, de encarar la edad con gallardía, un tiempo que se resistía a morir en medio de un desierto.

En esos años primeros uno se imaginaba las despedidas desde la oportunidad de comenzar algo nuevo, distinto, esperanzador y cargado de futuro. En esos años primeros uno no podía ni por un momento imaginar como los adioses pueden desterrar de un plumazo los sueños de los hombres. En esos años primeros, Denver dijo que te dejaría entrar en sus sueños si le dejabas entrar en los tuyos. Y como no podía ser de otra manera, cumplió con su palabra.

Muchas gracias.

© Gabriel Esmero

[Cine] Casino

2009-04-06T07:41:00.002+02:00

Cuando se quiere a una persona, hay que confiar en ella. No hay otra forma. Tienes que darle la llave de todo lo que posees. Si no, ¿de qué sirve tu amor?

Durante un tiempo, yo creí vivir un amor de esa clase.

Después de haber hablado de “Uno de los Nuestros”, era sólo cuestión de tiempo que Martin Scorsese nos visitara de nuevo con su otra gran película sobre la mafia.

Muchas son las películas que tienen por protagonistas a uno o varios perdedores. De hecho, es uno de los temas favoritos de algunos cineastas, como por ejemplo John Huston, que dio buena muestra de ello con películas como “El Halcón Maltés” o “El Hombre Que Pudo Reinar”. Y al igual que en esta última, el principio de “Casino” nos adelanta el trágico final de la historia, en palabras de uno de sus protagonistas:

La verdad es que nadie conocía todos los detalles, pero era una situación perfecta. Él me tenía a mí, Nicky Santoro, su mejor amigo, para guardarle las espaldas, y tenía a Ginger, la mujer que amaba, colgada de su brazo. Pero al final lo jodimos todo. Pudo haber sido perfecto, pero fue la última vez que a gente de la calle como a nosotros se le dio el puto control de algo tan valioso.

Retrocedemos diez años. Estamos a principios de la década de los 70. Sam “Ace” Rothstein es probablemente el mejor apostador de los Estados Unidos, y los grandes capos han pensado en él para dirigir uno de sus casinos en Las Vegas, el Tangiers. Tras aceptar el trabajo, Sam pone su cerebro a disposición de la organización, y hace honor a la confianza en él depositada, revelándose como un gerente excepcional, perfectamente consciente del objetivo de su trabajo:

Las Vegas es un lugar que limpia los pecados de los tipos como yo. Es un túnel de lavado para la moral. Hace por nosotros lo que Lourdes hace por los jorobados y paralíticos. Y además de convertirnos en legales, genera dinero. Toneladas de dinero.

A pesar de que el negocio es legal, al menos en la parte que a él le toca, Sam no se ha caído de un guindo, y sabe muy bien qué clase de gente mueve los hilos de la ciudad:

En aquella época, Las Vegas era el lugar al que llegaban millones de pardillos cada año en avión para dejarse cerca de mil millones de dólares. De noche no se veía el desierto que rodea la ciudad, pero en aquel desierto se solucionaban muchos de los problemas de Las Vegas.

Su amigo Nicky Santoro es más explícito:

Hay muchos agujeros cavados en ese desierto, y muchos problemas enterrados en ellos. Pero hay que hacer bien las cosas. Hay que haber cavado el agujero antes de llegar con el paquete en el maletero. Si no, tienes que tirar de pala durante treinta o cuarenta y cinco minutos. ¿Y quién te asegura que en ese tiempo no aparece alguien? Eso te obligaría a cavar unos cuantos agujeros más. Vamos, que te puedes pasar allí toda la puta noche.

En ese ambiente, Sam y Nicky se mueven como pez en el agua. Combinando el cerebro de uno con los músculos del otro, cuidan las relaciones con la clase política local y consiguen mantener a raya a los tramposos y a los miembros de bandas rivales. De este modo, los dos compañeros empiezan a prosperar en el negocio, ganando mucho dinero y haciendo ganar todavía más a sus jefes. Pero siempre hay un pero. Y en este caso es muy cinematográfico, ya que se trata de una mujer. Cuando Ginger entra en la vida de Sam (o mejor dicho, cuando Sam se empeña en meter a Ginger en su vida), su mundo perfecto no tardará en empezar a desmoronarse.

Gran parte del equipo de “Uno de los Nuestros” vuelve a reunirse un lustro después, con Robert de Niro encabezando el reparto en el papel de Sam y Joe Pesci dando vida a Nicky Santoro, un personaje parecido al Tommy DeVito que le valió el Oscar años antes. Una guapísima Sharon Stone completa el trío protagonista interpretando a Ginger, y entre los secundarios podemos ver a James Woods, Don Rickles y Kevin Pollak. Dirige Martin Scorsese, que vuelve a colaborar con Nicholas Pileggi en la escritura del guión, nuevamente basado en una historia real.

Desde el primer momento, no parece haber dudas sobre la condición de protagonista del personaje de Sam, pero la complejidad del entorno que le rodea es tal que después de varios visionados se pueden seguir descubriendo nuevos detalles en la trama, atribuyendo a cada personaje su cuota de responsabilidad en el derrumbe del negocio. Una primera impresión, si no hemos estado muy atentos, nos puede llevar a echarle la culpa de todo a Ginger, que en el fondo no deja de ser una prostituta de lujo, aunque esto no se mencione explícitamente en la película. Y en efecto, Ginger es el más claro factor desestabilizador en la vida de Sam.

Pero no es menos cierto que es Sam quien se niega a reconocer la realidad, y comete la imprudencia de, según sus propias palabras, darle a Ginger la llave de todo lo que posee. En el fondo, el mejor apostador del país sabe dónde se mete, y lo sabe desde el primer momento, pero aun así sigue adelante, hasta el punto de casarse y tener una hija. Sam intenta engañarse a sí mismo, reduciendo el asunto a una mera cuestión de dinero: mientras los billetes sigan fluyendo del bolsillo de Sam a las manos de Ginger, no habrá problema. No, señor, no puede haberlo. ¿Quién es ahora el culpable? ¿Ginger, que en el fondo nunca ha intentado ocultar cómo es, o Sam, que ha negado siempre el problema? Aquí dejamos de ser injustos con Ginger y empezamos a culpar a Sam de todas sus desdichas.

Para acabar de complicar las cosas, observando más de cerca de Ginger se puede apreciar su relación de dependencia con Lester, una especie de novio/chulo que la exprime continuamente, sin que podamos entender qué es lo que la ata a él. Se completa así un atípico triángulo amoroso. Bien, esto no deja de ser una extensión de lo que Sam siente por Ginger, quien comete con Lester el mismo pecado que Sam con ella. Aquí podemos pensar que nos hemos pasado un poco con Sam, y volvemos a cargar parte de las culpas sobre Ginger. Ah, y Lester nos cae mal.

La relación entre Sam y Ginger, con todos sus tira y afloja, se convierte así en el motor de la película, y en el aparente epicentro del terremoto que sacudirá el negocio. Pero las cosas siguen sin ser tan simples. Por un lado, Sam desata las iras de un concejal cuando despide a uno de sus parientes por inepto y se niega posteriormente a readmitirlo. Esto le causará problemas en su trabajo, ya que desembocará en la revisión y denegación de su petición de licencia para trabajar en el casino. Lejos de darse por vencido, Sam monta un circo que convierte la Marbella de Jesús Gil en un chiste. Todo esto sucede en una etapa tranquila de su relación con Ginger, así que es demasiado pronto para echarle la culpa a su esposa.

Por otra parte, Nicky ha empezado a montar su propio chiringuito en la ciudad, y poco a poco va perdiendo el control, cometiendo más y más excesos:

- Escucha, Nicky. Ya hemos hablado de esto. Te expliqué muy claramente que existía la posibilidad de que sufrieras algunas pérdidas.
- Ya… Quiero que me devuelvas mi dinero.
- ¿Qué vas a hacer? ¿Retorcerme un brazo?
- ¿Sabes? Creo que tienes una imagen equivocada de mí, y lo menos que puedo hacer es explicarte exactamente cómo funciono. Por ejemplo, mañana me levantaré pronto y me daré un paseíto hasta tu banco. Luego entraré a verte, y si no tienes preparado mi dinero, delante de tus empleados te abriré tu puta cabeza, y cuando cumpla mi condena y salga de la cárcel, con suerte tú estarás saliendo del coma. ¿Y qué haré yo? Te volveré a romper la puta cabeza, porque yo soy idiota, y a mí lo de la cárcel me la suda. A eso me dedico. Así funciono yo.

Por no hablar del punto de paranoia que tiene el trabajo diario en el Tangiers:

En Las Vegas, todo el mundo se vigila mutuamente. Los jugadores sólo están pendientes de ganar al casino. Los croupiers vigilan a los jugadores. Los jefes de mesa vigilan a los croupiers. Los encargados vigilan a los jefes de mesa. Los jefes de planta vigilan a los encargados. Los managers vigilan a los jefes de planta. El gerente del casino vigila a los managers. Yo vigilo al gerente del casino. Y el ojo de la cámara nos vigila a todos nosotros.

Caray, que estrés. Y no acaba ahí la cosa. Por ejemplo, tenemos a un lugarteniente mafioso que lleva un libro de gastos para poder reclamar a sus jefes que le paguen las dietas de sus viajes a Las Vegas, y que encima habla abiertamente de su trabajo en un local pinchado hasta la saciedad por los federales. En fin, yo diría que es la confluencia de varias circunstancias la que mata la gallina de los huevos de oro. Las tensiones entre Sam y Ginger son sólo uno de los ingredientes de la receta del fracaso. El propio Sam lo insinúa hacia el final de la historia.

Desde luego, “Casino” es una película parecida a “Uno de los Nuestros”. Ambas se basan en una historia real ambientada en el mundo de la mafia, y cuentan cómo la idílica vida de sus protagonistas se acaba viniendo abajo. La presencia de Scorsese, Pileggi, De Niro y Pesci contribuye a acentuar aún más estas semejanzas, pero “Casino” posee sus propios matices, que hacen de ella una película diferente. Mientras Henry Hill se complicaba la existencia con un negocio de tráfico de drogas que sus jefes le habían prohibido terminantemente, Ginger es en cierto modo la “droga” de Sam, pero no es el único motivo del desastre. Nicky Santoro nos recuerda a Tommy DeVito, pero este último era, recordando su primera gran escena en “Uno de los Nuestros”, un tipo más gracioso, mal que le pese. Por cierto, la escena en la que Nicky tortura a un matón metiendo su cabeza en una prensa se corresponde totalmente con un hecho real.

Quizás la diferencia más clara respecto a “Uno de los Nuestros” sea la existencia de una línea argumental más definida, ya que en esta ocasión el protagonista no es un matón, sino un “empresario”. Así como Henry Hill construía su historia recordando anécdotas de multitud de “trabajos”, la historia de Sam Rothstein gira siempre en torno a su actividad en el casino, lo que da una sensación de mayor continuidad a lo largo de la película. Recordemos que los detractores de “Uno de los Nuestros” veían aquí un gran defecto. Yo sólo veo dos historias distintas que requieren dos estilos distintos. No hay más que ver el vestuario que usa Robert de Niro. Si es que esta gente de Las Vegas…

En lo que estamos (casi) todos de acuerdo es en que Scorsese volvió a conseguir un gran éxito cinco años después, recuperando a un guionista y dos actores en plena forma e incorporando a una Sharon Stone que borda el mejor papel de su carrera. Desgraciadamente, los años no pasan en balde, y poco queda de aquel equipo: Scorsese ha ganado por fin el tan ansiado Oscar por “Infiltrados”, de forma más honorífica que merecida; De Niro no recuerda cuál fue su última película verdaderamente buena; Joe Pesci lleva años retirado, salvo su breve participación en “El Buen Pastor”, dirigida precisamente por De Niro; y la Stone ya ha cumplido la cincuentena, así que sus días de sex symbol han pasado. En fin, menos mal que nos queda el DVD.

© Zineman

[CINE] Encuentros en la Tercera Fase

2009-03-30T09:08:00.002+02:00

Primera fase. Avistamiento de un OVNI.

Segunda fase. Existencia de pruebas físicas de una visita extraterrestre.

Tercera fase. Contacto.

En 1977, años antes de reventar las taquillas de todo el mundo con “E.T. el Extraterrestre”, Steven Spielberg hizo su primera incursión en el mundo de la ufología, planteando la posibilidad de una visita alienígena con intenciones absolutamente pacíficas. Me estoy refiriendo, por supuesto, a “Encuentros en la Tercera Fase”.

Desierto de Sonora, México. Cinco aviones de combate del ejército estadounidense han aparecido en el lugar de la noche a la mañana (literalmente). El misterio aumenta cuando se descubre que se trata del Vuelo 19, desaparecido a finales de 1945 en el Triángulo de las Bermudas; que los aviones se encuentran en perfecto estado, prácticamente como nuevos; y que no hay rastro alguno de los tripulantes. Según un anciano que ha sido testigo del suceso, “el sol salió anoche y me cantó”.

Centro de Control de Tráfico Aéreo, Indianapolis. El vuelo Air East 31 solicita información acerca del tráfico existente en su zona, ya que ha detectado un objeto luminoso muy extraño aproximándose a gran velocidad. Tras provocar una situación de riesgo de colisión, el objeto desaparece sin dejar rastro. El piloto descarta presentar un informe, confesando que no sabría qué decir en él.

Desierto de Gobi, Mongolia. Al igual que el escuadrón del Vuelo 19, ha surgido entre las dunas el S.S. Cotopaxi, un buque desaparecido en 1925 en el Triángulo de las Bermudas.

Dharmsala, Norte de la India. Durante la noche, una multitud ha podido escuchar unos sonidos procedentes del cielo. Aparentemente, se trata de una serie de cinco notas musicales.

Multitud de sucesos como estos se han venido produciendo durante los últimos días, desbordando a los integrantes del Proyecto Mayflower, una iniciativa del gobierno estadounidense que se encarga de estudiar el fenómeno OVNI con el mayor secreto. Liderados por el ufólogo francés Claude Lacombe, los miembros de Mayflower se desplazan por todo el mundo, investigando las misteriosas apariciones.

En Muncie, Indiana, varios lugareños han tenido su tropiezo particular con una serie de extrañas luces. Uno de ellos es Roy Neary, que a partir de ese momento empieza a desarrollar una extraña obsesión con lo que parece una formación rocosa, hasta el punto de ser capaz de representarla en forma de escultura, a pesar de serle totalmente desconocida. Su caso no es único: mucha gente alrededor del mundo está sintiendo el mismo impulso, y al ver en la tele la noticia de un grave accidente ferroviario en Wyoming, descubren que el objeto de su visión no es otro que la Torre del Diablo, situada en dicho estado. A pesar de que el ejército ha clausurado la zona por un supuesto escape de gas tóxico que estaba siendo transportado en el tren, los “contactados” no pueden resistirse y acuden a la zona, donde esperar descubrir qué está pasando. Neary y Jillian, otra vecina de Muncie cuyo hijo ha sido abducido, serán los únicos que logren burlar el cerco militar y alcanzar la cima de la Torre del Diablo, donde les aguarda la experiencia más impactante de sus vidas.

El reparto está encabezado por Richard Dreyfuss en el papel de Roy Neary, del que oyó hablar a Spielberg durante el rodaje de “Tiburón”, comenzando desde entonces una campaña de acoso y derribo para conseguirlo. La espera fue larga, ya que sólo lo obtuvo después de la negativa de Steve McQueen, Al Pacino, Jack Nicholson y Gene Hackman. El primero no se consideraba capaz de llorar en pantalla, como requería el guión, el segundo no estaba interesado, el tercero creía que los efectos especiales eclipsarían a cualquier actor, y el cuarto estaba atravesando problemas matrimoniales y no podía concentrarse en el trabajo. Antes de recurrir a Dreyfuss se llegó a negociar con James Caan, pero sus pretensiones económicas eran francamente elevadas.

En el bando femenino tenemos a Melinda Dillon en el papel de Jillian, y Teri Garr (la ayudante de “El Jovencito Frankenstein”) interpreta a la sufrida señora Neary. El gran secundario es François Truffaut, uno de los cineastas franceses más respetados, al que Spielberg veía como su Claude Lacombe ideal, aunque tenía muy pocas esperanzas de que aceptara el papel. Razones no le faltaban: el cine intimista de Truffaut chocaba radicalmente con la naturaleza de “Encuentros en la Tercera Fase”, y además el francés sólo actuaba en películas dirigidas por él mismo (de hecho, esta sería la excepción que confirmaría la regla). Así las cosas, la sorpresa y alegría de Spielberg fueron mayúsculas cuando Truffaut se sumó al proyecto.

“Encuentros en la Tercera Fase” nos cuenta, a grandes rasgos, el desarrollo de un primer encuentro entre nuestra especie y una civilización alienígena que visita la Tierra en son de paz, y lo hace desde dos puntos de vista: el de una persona corriente, en este caso Roy Neary, cuya vida cambia de la noche a la mañana cuando los alienígenas, en cierto modo, lo eligen; y el científico-gubernamental, representado por el Proyecto Mayflower y el profesor Lacombe. Alternando una trama con otra, Spielberg nos muestra la creciente obsesión de Neary, que le lleva a abandonarlo absolutamente todo (familia incluida) a fin de responder a la llamada, y la minuciosa preparación del encuentro con los alienígenas, coordinada por el equipo de Lacombe. Al final, los acontecimientos se van precipitando de tal modo que los caminos de Neary y Lacombe confluyen en la Torre del Diablo.

A pesar de ser claramente una película de ciencia-ficción, Spielberg cultiva mucho la faceta más humana de sus personajes, empezando a mostrar algunos de los vicios que lo han caracterizado durante toda su carrera, como la ruptura familiar, representada por Neary abandonando a su familia, y por la implícita maternidad soltera de Jillian. El hecho de ser hijo de padres divorciados lo marcó profundamente, y esta marca se ha reflejado desde siempre en su cine. El propio Spielberg ha reconocido recientemente que ve el final de la película como uno de sus pecados de juventud, ya que hoy en día no habría permitido que Neary abandonase a su familia para unirse a los alienígenas. Lógicamente, hay una gran diferencia entre ser un joven de treinta años y un sesentón padre de varios hijos.

Sin embargo, si lo pensamos con un poco de calma, el objetivo del protagonista no es abandonar a su familia, sino descubrir qué está ocurriendo. Dejar atrás a su mujer e hijos es una consecuencia (durísima, eso sí) de su elección, pero no su deseo. Además, todo el mundo ha pasado por alto una pequeña compensación a la partida de Neary. Me estoy refiriendo al personaje de Jillian, que emprende también el viaje a la Torre del Diablo para intentar recuperar a su hijo, lo que en este caso sí es un objetivo manifiesto. Pero supongo que ser un treintañero soltero y sin hijos me hace ver las cosas de un modo similar al Spielberg de entonces. Seguramente los que seáis padres de familia estaréis pensando que no tengo ni idea de las barbaridades que puedo estar diciendo. En fin, menos mal que es sólo una película.

En el apartado ci-fi puro y duro, cabe destacar que Spielberg quiso dar un estilo verosímil a la historia, y consultó a varios ufólogos mayormente serios (bastante más que Iker Jiménez, vaya). Uno de ellos fue Joseph Allen Hynek, creador de la clasificación que da título a la película y prólogo a esta crítica, al que podemos ver entre los científicos de la Torre del Diablo (el señor con gafas, perilla y pipa). Asimismo, el personaje de Lacombe se basa en el ufólogo francés Jacques Vallée. No obstante, queda espacio para bromas como la presencia del androide R2-D2 de “La Guerra de las Galaxias” en la superficie de la nave nodriza, o de algunas notas musicales del tema central de “Tiburón” durante el diálogo con la misma.

Precisamente la música de John Williams es la gran protagonista del clímax de la película, el tan ansiado encuentro con los extraterrestres. Esta parte de la banda sonora se consideró de enorme importancia, hasta el punto de que fue compuesta y grabada antes del rodaje, y el montaje acomodado al ritmo de la melodía. La secuencia de las cinco notas es mundialmente famosa, y Williams intercaló algunos fragmentos fácilmente reconocibles de “When you wish upon a star” para despedir a la nave nodriza durante su despegue, que coincide con el final de la historia.

La idea de la música como método de comunicación surgió como una manera de dotar de mayor humanidad a los alienígenas, dadas las limitaciones existentes para conseguir una apariencia física que no cantase a muñeco. Los extraterrestres pequeñitos son en realidad niñas disfrazadas, filmadas con luz de fondo y algo desenfocadas para difuminar la imagen y disimular sus máscaras. También tuvo que ver la urgencia que Columbia transmitió a Spielberg, obligándolo a adelantar el estreno casi un año (del verano de 1978 al otoño de 1977) ante el inminente riesgo de bancarrota que sufría el estudio. Suprimiendo varias escenas que tenía en mente, el director se adaptó a tan exigente cambio en el plan de trabajo, y la película se convirtió uno de los mayores éxitos del año y saneó las maltrechas cuentas de la Columbia. Meses después, Spielberg pudo rodar las escenas anteriormente sacrificadas y reestrenar la película, pero él mismo reconoció que no aportaban gran cosa a la historia, vistas a posteriori.

Treinta años más tarde, “Encuentros en la Tercera Fase” ha envejecido muy bien, sobre todo en lo referente a unos efectos visuales que por aquel entonces eran revolucionarios, hoy en día siguen siendo muy dignos y, por encima de todo, están al servicio del guión y no al contrario. Quien más acusa el paso de los años es Steven Spielberg, pero eso es algo que sucede en las mejores familias y es difícil de evitar. Al menos nos quedan sus grandes películas, en especial las de su juventud, de las que “Encuentros en la Tercera Fase” es una buena muestra.

© Zineman

[Cine] Gran Torino

2009-03-23T05:47:00.002+01:00

Hace cuatro años, Clint Eastwood se retiró del mundo de la actuación tras regalarnos una joya llamada “Million Dollar Baby”. Hoy abandona provisionalmente la jubilación para volver a alegrarnos la vista.

Walt Kowalski es un veterano de la Guerra de Corea, jubilado de la Ford y eterno cascarrabias que acaba de enviudar. Con el fallecimiento de su esposa, pocos motivos de alegría le quedan: sus hijos intentan ingresarlo en una residencia para heredar la casa familiar, sus nietos pasan olímpicamente de él (salvo la mayor, que intenta convencerlo torpemente para que le deje en herencia su coche), su salud es cada día más delicada y, para colmo, el vecindario se está llenando de inmigrantes asiáticos.

Así las cosas, los únicos placeres que se permite son la compañía de su perra Daisy y el cuidado de su coche, un Ford Gran Torino del 72. El resto del tiempo lo emplea odiando al resto del mundo, en especial a los vecinos, y a sí mismo más que a nadie, hasta que una noche sorprende al hijo de su vecina intentando robar su Gran Torino. Contra todo pronóstico, este suceso le brindará a Walt una última oportunidad de reconciliarse con la vida, y sobre todo de perdonarse a sí mismo.

La película esta protagonizada por Clint Eastwood en el papel de Walt Kowalski, rodeado por actores aficionados escogidos a propósito, con alguna licencia para improvisar. Desde la silla de director, en la que morirá con las botas puestas (esperemos que dentro de muchos años y todavía más películas), Eastwood nos regala otro de sus personajes derrotados por la realidad de la vida, continuamente amargados:

- Estuve casi tres años en Corea. Pegábamos tiros, apuñalábamos con bayonetas, matábamos a críos de diecisiete años a palazos… Cosas que recordaré hasta el día que me muera. Cosas horribles, pero con las que tengo que vivir.

“Gran Torino” es, en definitiva, la historia de un hombre que consigue una inesperada redención de última hora, venciendo sus prejuicios gracias a las personas a las que más creía odiar, y pasando de ser temido por todos a integrarse con sus nuevos vecinos, formando prácticamente parte de la familia. Tomando a su vecino bajo su tutela, intentará convertirlo en alguien de provecho, evitando que se una a una banda del vecindario.

- ¿Qué tal, Martin? Capullo italiano zumbado…
- Tacaño cabrón… Tenías que venir hoy. Ya decía yo que me iba muy bien el día.
- ¿Y eso? ¿Qué has hecho? ¿Has timado a un pobre ciego? ¿Le has dado mal el cambio?
- ¿Quién es el japo?
- Ah, es un mariquita vecino mío. Quiero ver si lo hago un hombre.

Rehuyendo la inevitable comparación con “Million Dollar Baby” (por mucho que se intente, no se puede mejorar lo perfecto), “Gran Torino” se revela como otra excelente película, en esta ocasión totalmente centrada en el protagonista y en sus relaciones con los demás, en especial el vecino y el joven sacerdote del barrio (un personaje algo intermitente, pero antagonista necesario de Kowalski para algunas escenas fundamentales). El único pero es el deficiente doblaje de varios personajes, en especial los asiáticos, que desentonan completamente con Constantino Romero (como siempre, estupendo) y con la calidad general de la película.

Ello no empaña el nuevo éxito de Clint Eastwood, que a punto de cumplir 79 años sigue conservando las ganas y el gusto por el buen cine, y compartiéndolos con todos nosotros.

© Zineman

[Cine] Watchmen

2009-03-16T06:58:00.001+01:00

Nosotros, en este país, en esta generación, somos, por destino más que por elección, los vigilantes de la libertad mundial.

Extracto del discurso que JFK iba a pronunciar en Dallas el 22 de noviembre de 1963

Quis custodiet ipsos custodes?
(¿Quién vigila a los vigilantes?)

Sátira VI, Juvenal, siglo II

1985. Nos encontramos al borde de la III Guerra Mundial. La tensión entre los Estados Unidos y la Unión Soviética ha alcanzado su punto álgido, en gran parte por la agresiva política exterior del presidente Nixon, y todo el mundo cree que la contienda es algo inevitable.

Sí, Nixon. Nuestra historia es una ucronía cuyo punto de inflexión se sitúa en 1959, cuando un accidente ocurrido en unos laboratorios militares transforma al científico Jonathan Osterman en el Dr. Manhattan, cuyos superpoderes incluyen la capacidad de reestructurar la materia a nivel atómico, la teleportación, una ligera clarividencia y creerse el pitufo nudista. Gracias a él, los Estados Unidos ganaron fácilmente la guerra del Vietnam, y la balanza mundial de poder quedó claramente inclinada hacia su lado, lo que permitió a Richard Nixon gozar de unos índices de popularidad sin precedentes, hasta el punto de poder revocar la limitación de mandatos presidenciales y ocupar la Casa Blanca en un tercer y cuarto mandatos. ¿Que qué fue de Woodward y Bernstein? Al parecer, Nixon hizo que los asesinaran, así que el asunto del Watergate no llegó a trascender a la opinión pública.

En este mundo alternativo destaca la figura de los vigilantes, justicieros enmascarados que en el momento de la acción van por su segunda generación: Búho Nocturno, el Dr. Manhattan, Laurie Juspeczyk, Rorschach y Ozymandias. Llama la atención el hecho de que ninguno de ellos posee superpoderes (a excepción del Dr. Manhattan), y de que en el año 1977 fueron obligados a retirarse o trabajar para el Gobierno, en virtud de la aprobación del denominado Acta de Keene. Sin embargo, vuelven a reunirse cuando el Comediante, uno de los vigilantes de la primera generación, es asesinado.

Este es el escenario en el que se ambienta “Watchmen”, la novela gráfica de Alan Moore (insisto, el tío da verdadero miedo) y Dave Gibbons, ganadora en 1988 del Premio Hugo, que viene a ser algo así como el Nobel de la literatura de ciencia-ficción. Al comité le sentó bastante mal que un cómic ganase el premio, y cambió las normas para evitar que semejante hecho se volviera a producir. Para entonces ya era tarde, porque la crítica se había deshecho en elogios, al igual que los rivales de DC Comics (con Marvel a la cabeza, que no ahorró un solo aplauso para la “Distinguida Competencia”). Por su parte, los frikis habían empezado a referirse a “Watchmen” como “’El Señor de los Anillos’ del mundo del cómic”.

“Watchmen” es una desmitificación absoluta de la figura del superhéroe tradicional, narrada con un estilo muy innovador en su día, ya que recurre a métodos claramente cinematográficos (como los flashbacks), en detrimento de herramientas clásicas de los cómics, como las onomatopeyas o los bocadillos de pensamiento. Alan Moore se aproxima a sus personajes intentando potenciar su vertiente más humana (y por lo tanto más frágil), en un mundo que se desmorona por momentos. De este modo, el autor plasma en su obra temas tan dispares como el fin de la civilización (al menos, tal como la conocemos), las teorías de la conspiración, la autoridad, la megalomanía, el maniqueísmo, el determinismo, la lógica (por aplastante, dura e injusta que ésta resulte) y, por último, la moral. Cada uno de los vigilantes enfoca la situación de manera distinta, en función de sus principios, sus intereses y sus expectativas, lo que permite a Moore reflexionar sobre todo ello.

No se puede negar la tremenda influencia de “Watchmen” en el mundo del cómic, ya que después de su publicación empezaron a surgir historias de temática y estética sombrías, algunas de ellas protagonizadas por personajes ya clásicos. Sirva de muestra el Batman de “El Señor de la Noche”, guionizado por Frank Miller, el mismo de “Sin City” y “300”. El ejemplo más reciente lo tenemos con Marvel y su saga Civil War, en la que los superhéroes deben registrarse y abstenerse de hacer uso de sus dones, a no ser que trabajen para el Gobierno, recordando enormemente al ya mencionado Acta de Keene. Una premisa parecida sirve también de base para la primera película de la saga “X-Men”. Y ya que nos metemos en el mundo del cine, tendremos que hablar de la largamente esperada aunque inevitable adaptación cinematográfica de “Watchmen”.

El proyecto para llevar “Watchmen” a la pantalla se inicia en 2001, por obra y gracia de la Universal, a la que la Warner, poseedora de los derechos para el rodaje de cualquier adaptación de DC Comics, cede semejante honor. El primer ocupante de la silla de director es Terry Gilliam, con el que se baraja vagamente la idea de rodar una miniserie de televisión. Sea como fuere, Universal pierde interés y la Sony, a través de su filial Revolution Studios, toma el relevo. Ya ha quedado claro que se rodará una película para la gran pantalla, y empiezan a sonar nombres de actores como Sigourney Weaver y Daniel Craig, tras haber sustituido a Terry Gilliam por Darren Aronofsky. El proyecto se vuelve a trabar, Aronofsky pide la cuenta, y la Paramount recoge el testigo de Sony. Paul Greengrass, el director de “United 93”, coge el toro por los cuernos, y alguien menciona el nombre de Jude Law para el papel de Ozymandias. Estamos en 2005 ya, y la Paramount se para a echar cuentas. Uffffff… Mira, que no, que no seguimos adelante. “Mu” caro. Paul Greengrass dimite, y nos plantamos en 2006. La Fox entra en escena, pero se raja enseguida.

Cinco años y un párrafo después, los derechos regresan a la Warner (vivir para ver), que decide esperar al estreno de “V de Vendetta” para evaluar si debe o no embarcarse en el rodaje de “Watchmen”. Tras el éxito de la película, la prioridad es encontrar un nuevo director, labor en la que invierten otro año para decidirse finalmente por Zack Snyder, artífice de uno de los mayores éxitos de 2007 con “300” (de hecho, Snyder “coló” una prueba de imagen del vigilante Rorschach en uno de los trailers de esta película). El rodaje comienza por fin en el segundo semestre de ese mismo año, para concluir a principios de 2008 y dar paso al proceso de post-producción, que dura aproximadamente un año, durante el que se nos ha ido abriendo el apetito con una serie de trailers bastante esperanzadores. Ahora estamos en 2009 y, tras ocho años de laberinto y un pleito de última hora Fox vs. Warner resuelto en los despachos, “Watchmen” llega por fin a nuestras pantallas.

El reparto está compuesto por Malin Akerman, Billy Crudup, Matthew Goode, Jackie Earl Haley, Jefrrey Dean Morgan y Patrick Wilson en los papeles de Laurie Juspeczyk, Dr. Manhattan, Ozymandias, Rorschach, el Comediante y el Búho Nocturno. En un papel secundario, como madre de Laurie, podemos ver a Carla Gugino. Dirige Zack Snyder, el mismo de “300”.

En esta sección hemos hablado más de una vez del rechazo perenne que muestra Alan Moore hacia todas las adaptaciones cinematográficas de sus obras. Viendo las más vulgares, “La Liga de los Hombres Extraordinarios” y “Desde el Infierno”, uno tiende a comprenderle. “Constantine” es una película normalita, así que ni suma ni resta, y “V de Vendetta” es una adaptación fiel hasta cierto punto, pero una excelente película, así que llegados a este punto dejamos de hacerle mucho caso al autor.

Sin embargo, “Watchmen” supera a todas las anteriores con holgura, siendo la más fiel adaptación de las obras de Moore, y una de las más fieles de la historia del cine, a la altura de “Sin City” o “300”. Bien es cierto que, a pesar de las dos horas y media largas de película, no queda más remedio que meter la tijera por algún lado, de modo que algunas subtramas se aligeran bastante, como la relación entre Laurie y su madre, o la del psiquiatra que estudia el caso de Rorschach. También se queda fuera el relato metaficticio del Navío Negro, y se altera ligeramente el final del cómic, pero hay aportaciones muy interesantes, como la estupenda secuencia de los créditos iniciales, o el acertado uso de canciones míticas, como “Unforgettable”, “The times they are a-chagin’”, “The sound of silence” y “All along the watchtower”.

Tanto esmero en la recreación del cómic puede pasar factura a algunos espectadores, sobre todo a aquellos que no hayan leído la historia original, quedando despistados ante la continua sucesión de hechos y flashbacks (a veces con un uso posiblemente abusivo de la cámara lenta), pero no por ello van a tener la sensación de encontrarse ante una mala película. De hecho, el trabajo de Jackie Earl Haley en el papel de Rorschach es impresionante, aunque gran parte de culpa le corresponde al perfecto doblaje de Salvador Aldeguer (el Murdock de “El Equipo A”), ya que el actor oculta su rostro tras una inquietante máscara que parece tener vida propia.

En resumen, estamos ante una de las películas más esperadas de la temporada, que para variar (¡por fin!) responde a las expectativas creadas y sigue la senda abierta el verano pasado por “El Caballero Oscuro”, demostrando que, digan lo que digan, se puede hacer cine comercial de calidad.

© Zineman

[Cine] El Tren

2009-03-09T07:40:00.002+01:00

Uno de los episodios históricos que más avergüenza a los franceses es la ocupación alemana de su país durante la Segunda Guerra Mundial, después de una rápida derrota en su propio terreno. Su dolor se incrementa si hablamos del colaboracionismo del gobierno de Vichy, o de la testimonial participación de las tropas de la “Francia Libre” en el desarrollo de la contienda, a las que cierto oportunista llamado De Gaulle afirmaba dirigir sin moverse de su despacho en el exilio. El único papel digno de reconocimiento fue el del movimiento de resistencia, cuyos miembros hostigaban constantemente al invasor.

Tras el desembarco de Normandía, y en vísperas de la liberación de París, los aliados estaban casi más preocupados por no tener que soportar las rabietas de De Gaulle que por perseguir a los alemanes en su retirada, motivo por el cual tuvieron gestos como permitir que una división francesa (la del general Leclerc, compuesta mayoritariamente por republicanos españoles exiliados) fuera la primera en entrar en la ciudad. En cuanto le confirmaron que no había riesgo, De Gaulle corrió a hacerse la foto.

Mientras se preparaban todos estos acontecimientos, los nazis desvalijaron los museos parisinos, despojándolos de sus obras de arte más importantes, que fueron embarcadas en un tren con destino a Alemania. En una última misión, los ferroviarios franceses que formaban parte de la resistencia hicieron que el viaje del tren discurriese en círculos alrededor de París, hasta que los aliados llegaron a la ciudad. La película de la que hablamos hoy se basa en la historia de este tren.

“El Tren” comienza en esos últimos días de la ocupación alemana, cuando un coronel alemán, fanático del arte, ordena el traslado de una selección de las mejores pinturas conservadas en los museos de París, motivo por el que solicita a sus superiores la asignación de un tren que las transporte hasta Alemania. A petición de la encargada del museo, el inspector ferroviario Labiche y sus hombres intentarán retener el tren en suelo francés hasta que se produzca la liberación de la capital, ya que la llegada de los aliados es cuestión de días.

El reparto está encabezado por Burt Lancaster en el papel de Labiche. Junto a él podemos ver al recientemente fallecido Paul Scofield, dos años antes de ganar el Oscar por “Un Hombre para la Eternidad”, que interpreta al coronel von Waldheim. Dirige John Frankenheimer, escogido personalmente por Burt Lancaster después de trabajar con él en “Siete Días de Mayo”.

Aunque “El Tren” es fundamentalmente una película de acción, plantea una cuestión de fondo claramente trascendental: tanto esfuerzo, tanto sacrifico y tanta muerte… ¿por unas pinturas? Ya en las primeras escenas, von Waldheim tiene que enfrentarse a sus superiores, que no comparten su entusiasmo por el arte, y rebajarse a jugar la baza del dinero que valen los cuadros (lo que para un apasionado del arte es prácticamente un pecado) para convencer a su general de que firme la autorización del transporte.

Paradójicamente, la única persona que comparte su pasión y le comprende de verdad es la encargada del museo, causante de sus desgracias al provocar la intervención de la resistencia, que tampoco ve con buenos ojos correr semejante riesgo por unos simples cuadros. Como se puede ver, hay un claro paralelismo entre estas dos situaciones. Por su parte, Londres pide que se haga lo posible por salvar los cuadros, dentro de su campaña diplomática-mediática con De Gaulle, pero tampoco lo considera obligatorio, seguramente porque tampoco entiende a los dos amantes del arte, y porque en una guerra las cuestiones que priman son aquellas de índole puramente militar. Lo primero es bombardear los trenes de suministro, y luego ya habrá tiempo de jugar con acuarelas. Llegado el momento, von Waldheim se despacha a gusto con todos aquellos que no le comprenden, el mundo en general y Labiche en particular:

- Aquí tiene su premio, Labiche. Algunas de las mejores pinturas del mundo. ¿Está satisfecho, Labiche? No siente ninguna emoción al estar cerca de ellas. Un buen cuadro significa para usted lo mismo que un collar de perlas para un mono. Le ha acompañado la suerte. Me ha vencido sin saber qué estaba haciendo ni por qué. No es usted nada, Labiche. Un simple bruto.

Con todo, “El Tren” se revela como un excelente espectáculo de intriga y acción, con David y Goliat peleando por la posesión del “orgullo de Francia”, en una operación ficticia carente de valor militar a corto plazo, pero con una repercusión económica tremenda. Si los alemanes hubieran tenido éxito, seguramente estas obras formarían hoy parte de colecciones privadas clandestinas (como si eso no pasara ahora), y el III Reich habría contado con varios cientos de millones de marcos adicionales en sus arcas, con los que financiar una prolongación de las hostilidades y la posterior huida de varios jerarcas nazis. ¿Habría merecido esto el sacrificio de varios ciudadanos franceses? La realidad no fue ni mucho menos tan dramática como la historia que se narra en la película, pero la pregunta no deja de ser buena.

© Zineman

[VASCO] Aupa Athletic

2009-03-06T07:18:00.002+01:00

AUPA ATHLETIC!!! ESTAMOS EN LA FINAL!!! ENHORABUENA Y SOBRE TODO MUCHISIMAS GRACIAS

Dedicado a Del Nido:

En Euskadi ya sabéis que no se folla pero seguramente el miércoles más de uno y de una supo lo que es el orgasmo:

Y está dedicada a nuestra bendita afición, porque ellos también han sido participes de este sueño. Y ahora, a disfrutar de la final!!!

© txefas

[BPR] Prólogos - Aldebarán

2009-03-05T07:45:00.003+01:00

En los cristales de puertas y ventanas, en los espejos de los lavabos, en la superficie de las mesitas, en la moqueta del suelo, con lápiz labial, con bolígrafo, con rotulador, con chocolate, muchas manos, ancianas, maduras, infantiles, han escrito la palabra Aldebarán. (José María Merino)

Aldebarán

Mi nombre es Apollon. Sé que es un nombre exagerado como mi padre, enorme y pendenciero, que es quien insistió en que así me llamara. Mi madre cedió, como en muchas otras cosas, aunque el nombre no le agradara. Siempre consentía a desgana y cuando mi padre le daba la espalda decía en voz muy baja: como tú quieras, amor. Ni siquiera opuso fuerzas a la muerte cuando vino a por ella, después de un resfriado mal curado. De mi padre nada más supe. Nunca logré preguntarle por qué me llamó Apollon.

Hay pocos detalles que recuerde de entonces, de la casa en la que vivíamos o de ellos. Ni si esta obsesión de ahora por el arroz y la comida china tiene algo que ver con el pasado. Quizá sean las pastillas, las que me hacen comportarme de este modo. Pienso que deben ser las azules. No creo que sean las otras, las blancas o las grises. Debería preguntárselo a los médicos. Aunque sea uno de los pocos caprichos que me conceden en el sanatorio y pueda perderlo si piensan que el arroz o la comida china me sientan mal. No se lo diré. No pueden permitirse otra muerte más.
Los otros caprichos son sencillos, una pequeña nevera y un televisor en blanco y negro. Detesto el color, aunque antes me fascinaba. En la nevera guardo la comida china. Sólo la tomo cuando está fría, y la salsa, antes líquida, se ha convertido en gelatina. No soporto la comida caliente. Es una manía como otra cualquiera y dudo que esto me convierta en un bicho raro. Algunos piensan que lo soy. Que lo hagan si quieren. Del televisor poco tengo que decir, si acaso que me ayuda a concentrarme y que no soy capaz de cortarme las uñas de los pies si no lo tengo encendido. No creo que los médicos toquen nada de esto. Es lo que me mantiene vivo.

Dicen que la vejez ya me alcanzó, pero yo me siento como siempre. Nada ha cambiado desde la última vez que vi a June, en la isla, y dio por zanjada nuestra relación. Entonces me gustaban los colores. Sobre todo los del bosque en otoño. Sigo en aquel día como si de un único surco de vinilo se tratara. Un vinilo que resuena de manera continua dentro de mi cabeza, igual que el zumbido de la nevera o el extraño sonido que sale del televisor y que intento una y otra vez descifrar mientras me corto las uñas de los pies.

Quizá mañana vuelva a intentarlo, me digo al irme a la cama. Lo repito todas las noches. Pero por las mañanas, lo he olvidado todo. Será por las pastillas, las azules, no las blancas o las grises.

La última vez que lo intenté fue en febrero. Había nevado, pero no me importó. Me abrigué bien, dos pantalones, dos camisetas y un jersey grueso de lana, me puse el gorro de orejeras y unas buenas botas de montaña. Desayuné un gran tazón de arroz con salsa de soja y pepinillos. Salí temprano, casi de madrugada, pues se tardaba unas horas en llegar, y más si el camino estaba nevado. Primero tuve que alejarme del pueblo, dejar atrás el cementerio donde está mamá, y seguir el camino que bordea el río en dirección a la montaña. Tras media hora de caminata, abandoné el cauce y me adentré en el bosque. Un bosque frondoso, lleno de arbustos y rodeado de pinos. Continué por un pequeño sendero que hacía zigzag entre la espesura hasta escuchar la música. Luego sólo tuve que seguir su rastro, el del violín. El sonido te guía hasta el centro del bosque, donde los pinos se retiran y se forma una hermosa isla de hierba verde, no muy alta. Pero aquel día todo estaba cubierto por la nieve, no se veía ni una brizna de hierba. June no había llegado aún. Esperé un buen rato. Unos extraños pájaros negros volaron muy cerca de donde yo estaba. Emitieron un agudo sonido mientras daban un giro pronunciado y se perdían tras la montaña. June no vendría hoy. Regresé cansado, auque no me daba por vencido. Volvería a intentarlo.

Esta mañana me he levantado con el recuerdo exacto de lo que pensé anoche. Quizá sea una señal. Me he mirado en el espejo, antes de salir, y por fin me he reconocido. Ni rastro de ese otro rostro envejecido que me ha devuelto la mirada todos estos años. He caminado más ligero que nunca. Hoy no está nevando. El sol está ya alto y el cielo limpio de nubes. Me ha costado escuchar la música. Sonaba más lejana, como si algo la impidiera llegar a mí. He llegado a la isla, pero no he podido acceder a ella. Un grueso muro de piedra la circunvala ahora y no hay ninguna puerta que me permita entrar. Me he subido a uno de los jóvenes pinos, cerca del muro de piedra, y desde allí he podido ver la isla de hierba agostada. Y también una sencilla casa en el centro, rodeada de gravilla. Puedo observarla bien, pues no estoy demasiado lejos. Es una casa blanca, con una sola puerta y una ventana de color añil. He permanecido encima del árbol mucho tiempo. Tengo las piernas entumecidas y el sol ha desaparecido tras las moradas montañas. Creo que hay alguien dentro de la casa, pues se ve el humo saliendo por la chimenea. No me muevo, no puedo o no quiero. La noche cae completamente y entonces se observa una sombra reflejada en la ventana. Es la sombra de una mujer. Permanece largo tiempo junto a la ventana. Sin duda, espera a alguien. Tiene el reflejo del fuego en sus ojos. Acerca el rostro al cristal de la ventana y se forma sobre él una tenue capa de vaho. Un dedo nacarado comienza a trazar despacio unos signos sobre la superficie. Todos ellos juntos forman una palabra. Una extraña palabra que se repite insistente sobre la ventana como si fuera un mensaje apremiante. La palabra que leo una y otra vez es Aldebarán.

Es de noche. La casa ha desaparecido. Sólo se intuye el grueso muro que la circunvala. Ahora sé que puedo bajarme del árbol y regresar al sanatorio. Y que no es necesario que vuelva mañana a la isla, ni pasado ni al otro día tampoco. No tengo porque volver más, pues ya he llegado a mi destino.

© Aarón Pérez-Bolívar(texto), Ricard Clupés (fotografía)

[Cine] Slumdog Millionaire

2009-03-01T00:02:00.000+01:00

Jamal Malik está a una pregunta de ganar 20 millones de rupias. ¿Cómo lo ha logrado?

A: Ha hecho trampa
B: Tiene suerte
C: Es un genio
D: Estaba escrito

Este año, nuestra cobertura de los premios Oscar se reduce a la crítica de la flamante ganadora, “Slumdog Millionaire” (algo así como “chabolista millonario”), una de las sorpresas más agradables del año y gran triunfadora de la gala.

Con casi mil cien millones de habitantes, la India es el segundo país más poblado del planeta, y una de las mayores amalgamas culturales y religiosas que existen. Gran parte de la población vive en la más absoluta pobreza y hacinamiento, especialmente en las grandes ciudades, donde existen vastísimas barriadas de chabolas.

En Bombay se encuentra Jamal Malik, un joven huérfano musulmán que participa como concursante en la versión hindú de “¿Quién quiere ser millonario?”. Contra todo pronóstico, Jamal ha conseguido llegar a la última pregunta, optando a un premio de 20 millones de rupias (casi 300.000 euros al cambio actual). Dada su nula formación académica, las sospechas de fraude no tardan en aflorar, y Jamal da con sus huesos en comisaría:

- Catedráticos, abogados, médicos, tipos con conocimientos... Nunca pasan de las 60.000 rupias. Él va por diez millones. ¿Cómo cojones un don nadie puede saber más?
- Las respuestas. Sabía las respuestas.

A lo largo del interrogatorio, Jamal repasa su corta pero intensa vida, narrando las distintas experiencias y situaciones que, a modo de carambola, le han llevado a conocer las respuestas a todas las preguntas que el Carlos Sobera indio ha ido formulando a medida que avanzaba el concurso: la difícil relación con su hermano, los delitos que ha tenido que cometer para sobrevivir, y sobre todo el amor perdido.

La película está protagonizada por Dev Patel, británico de origen hindú, en su primera incursión en la pantalla grande, y Freida Pinto, una de las grandes bellezas de Bollywood, que ya ha firmado su participación en la próxima película de Woody Allen. El guión de Simon Beaufoy se basa ligeramente en la novela “Q & A”, del diplomático indio Vikas Swarup. Dirige Danny Boyle, el mismo de “Trainspotting”, al que teníamos intención de no perdonar jamás el haber perpetrado “La Playa”, pero ahora mismo nos lo estamos pensando.

“Slumdog Millionaire” es una de esas películas que de vez en cuando nos sorprende con su perfecta sencillez, una simpática historia que tiene absolutamente de todo pero que, sin embargo, resulta muy ligera y agradable para el espectador. Ello explica la gran acogida que ha tenido por parte de crítica y público, y su triunfo absoluto en la gala de los Oscar, con ocho estatuillas: película, director, guión adaptado, banda sonora, canción original, edición de sonido, montaje y fotografía.

No obstante, tan amplia victoria puede jugar en su contra a corto plazo, elevando en exceso las expectativas del público que aún no ha visto la película. Es un riesgo que aparece en este tipo de situaciones, por lo que si no estáis muy convencidos os recomiendo que esperéis a que se disipe la nube post-Oscar, o a que le deis una segunda oportunidad en caso de que la veáis y resultéis algo decepcionados, porque probablemente es la justa vencedora.

© Zineman

[Blog] De Compras por el Centro

2009-02-28T16:37:00.010+01:00

Esta mañana volví al centro de Santander con el objetivo de comprar un regalo a mi novia. Sabía lo que quería y cómo lo quería... pero no dónde encontrarlo. Hacía muuuuucho tiempo que no callejeaba por allí... y madre mía cómo ha cambiado!!!!!

Llegué muy pronto, a eso de las 9:30 y lo único que encontré fueron suramericanos, negros, mendigos, putas y borrachos. Incluso alguna que lo tenía todo: puta, negra, borracha y pidiendo dinero para su chulo suramericano...

Después de semejante panorama y sin haber desayunado, opté por entrar en el café que hay al lado de uno de los supermercados del centro, en el que la gente ya hacía cola para comprar, ¿¿¿pero no estamos en crisis??? También estaba por allí una viejecilla que andaba de un lado para otro con un minicarro de la compra que supongo que se la conozca como "la loca del carro" o algo así.

Cogí un café con leche grande para llevar porque sabía que iba a ser una mañana de mucho andar y me agobia tomarme algo o comer solo por ahí...

Recordaba una tienda en el centro que tiene otra "sede" en el Sardinero: La Rústica. Lo que no recordaba era su ubicación en el centro, bueno miento, no sé por qué extraña perturbación de mi mente tenía asociado que estaba cerca del puerto, así que me tiré mis 15 minutos tranquilamente en ir hasta allí y comprobar que la tienda que yo pensaba que era no estaba!! Pues nada, otra vuelta absurda hacia más o menos el punto de partida, caminando entre mendigos, negros, suramericanos y bohemios soñadores atados con bufandas haga frío o calor (y eso que no me encontré con el de las Vísceras Industriales)... Las putas se ve que o ya estaban descansando a esas horas o igual estaban con los borrachos, pero para el caso...

Después de otra hora y media de andar en círculos, entrando en tiendas que no sabía ni que existían y en otras en las que yo creo que estuve varias veces (es que joder, no lo ponen nada fácil porque hay algunas que tienen entrada por dos calles distintas) conseguí encontrar La Rústica del centro... pero oohohoh estaba cerrada por reforma!!!! Genial!!!

En ese momento todas las perfumerías de las que había estado huyendo desde primera hora me empezaron a susurrar: "no sigas dando vueltas, vete a lo seguro, compra un colonia y no te compliques". Además ya me había salido una preciosa ampolla por donde Aquiles tenía la flecha... Pero justo cuando me dirigía a coger el tester del "She de Emporio Armani" me acordé de la tienda de la que me había hablado mi Meñique (a quien aprovecho para dedicar este artículo). Y vi la luz... no porque en esa tienda encontrase lo que buscaba, sino porque lo hallé en la tienda de al lado. Bueno, en realidad no era justo lo que buscaba, pero después de dos horas y pico dando vueltas sin sentido como un pollo sin cabeza me pasó como cuando estás ya de madrugada y bebido, que ya te parece guapa/guapo hasta la/el del bigote...jojo.

Luego fui a una óptica y me dió por probar mi teoría de que cuando dices que tienes "pareja" en lugar de decir novio o novia es porque eres homosexual, o hay unas altas probabilidades de ello. Así que ni corto ni perezoso le dije al dependiente que quería mirar unas gafas de sol para mi "pareja"... Lo primero que me preguntó... es ¿hombre o mujer? y eso que yo no tengo precisamente pintas de "lila" como diría mi amigo el Vasco ...jojo. En este caso sí que me quedé realmente satisfecho con la compra, primera óptica en la que entro y un modelo que me gusta y que creo que le va a encantar a mi pareja, digo a mi novia...jajaja!! Eso sí, a estas alturas de la película ya estaba en un Centro Comercial... y es que yo creo que muchos ya somos carne de ellos y no de Centro de Ciudad...

Bueno, nada más por hoy, un saludo a todos, y si queréis un consejo, no vayáis nunca solos de compras... y menos al Centro de la Ciudad si ya sois CentroComercianos como yo...jeje.

PD: "Little Finger", la próxima vez te llamo, nos tomamos un café tranquilamente y luego de compras. Y si algún día quieres que te acompañe yo a tí, encantado!!! Muchas Gracias por todo!!! ;-)

© JeSúS

[BPR] Vísceras - Entrega XXIII

2009-02-26T07:53:00.004+01:00

Denver y June (XI)

Se juraron que morirían juntos. Claro que la playa y el sol del mediodía animaban a esas manifestaciones categóricas. Pero cuando se lo dijeron parecía que no había nada más sobre la faz de la tierra. A lo lejos unos perros hacían hoyos en la arena de una playa que gritaba su nombre y se perdían sus palabras en la costa. June no era amiga de atarse para siempre y mucho menos de achacar los juramentos a despistes de verano. Denver sin embargo sostenía las manos de ella igual que la banda sonora de otros tiempos mantiene alerta la memoria. Si se miraron a los ojos nadie lo supo, ni siquiera ellos. Se juraron que morirían juntos en el mismo momento en que dejaron de besarse.

Horizonte Ceniza (X)

Cuando te sientas cerca a las vías del tren, comprenderás que el viaje no acaba aquí, que siempre está empezando.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[CINE] La Chaqueta Metálica

2009-02-23T07:35:00.002+01:00

Dentro del género bélico, la Guerra del Vietnam ha supuesto un auténtico filón para el cine estadounidense, que ha intentado durante décadas utilizar la pantalla para obtener una victoria moral, ya que en el campo de batalla no pudo ser.

Durante los años 60 y 70, la contienda generó una gran controversia en el seno de la sociedad yanqui. A raíz del sistema de reclutamiento, descaradamente clasista (recuérdese la estupenda canción “Fortunate Son”, de Creedence Clearwater Revival), y del conocimiento público de algunas atrocidades cometidas por el ejército estadounidense, se creó un creciente clima de rechazo, con continuas movilizaciones en contra de la guerra, en ocasiones encabezadas por veteranos que habían combatido en primera línea y habían vivido los horrores del Nam. Básicamente, los estadounidenses exigían que se les explicara qué se les había perdido en un país tan lejano, y por qué sus hijos tenían que ir allí a luchar y a morir.

En pleno Ecuador de la Guerra Fría, uno de los platos de la balanza sostenía la ya tradicional lucha contra el comunismo, pero en el otro empezaban a acumularse las vidas de muchos miles de jóvenes. Si a esto le sumamos que la guerra se complicaba cada vez más y los Estados Unidos veían acercarse su primera derrota militar, años después de un “empate” en Corea, la cuenta estaba hecha. Entre perder y morir o sólo perder, los padres yanquis escogieron sólo perder, y tener a sus hijos de vuelta en casa.

Era sólo cuestión de tiempo que literatura y cine se contagiaran de este espíritu, y los productos propagandísticos dieran paso a otros más críticos con el país, con la guerra e incluso consigo mismos. De este modo, películas como “Los Boinas Verdes” (más famosa por el gazapo final, en el que el sol se pone sobre el este, que por su valor cinematográfico) cayeron en el olvido y dejaron su lugar, aparte de a multitud de historias de catástrofes, a una serie de historias que tuvieron su máximo exponente en “Apocalypse Now”.

En cuanto a la literatura, empezaron a aparecer libros y novelas que trataban sin tapujos el tema del Vietnam. Una de ellas era “The Short-Timers”, a la que su autor, el marine Gustav Hasford, dio tintes autobiográficos recogiendo parte de sus vivencias en el frente (de hecho, comenzó a escribirla durante su estancia en Vietnam). “Short-timer” es el término que se empleaba para designar a los soldados que esperaban cumplir el tiempo mínimo de servicio (un año, más veinte días adicionales en el caso de los marines) y después regresar a casa.

“The Short-Timers” nos cuenta tres episodios de la vida del recluta James T. Davis, apodado “Bufón” por su sargento instructor. El primer relato corresponde precisamente a sus ocho semanas de instrucción en la Isla Parris; el segundo narra algunas de sus aventuras como corresponsal para la revista de los marines; y el tercero relata una misión en la que participa con un antiguo compañero de la Isla Parris. Existe una segunda parte, titulada “The Phantom Blooper”, que consta de otros tres relatos y fue publicada en 1990, a raíz del éxito de la adaptación cinematográfica de “The Short-Timers”. Estamos hablando, por supuesto, de la penúltima película de Stanley Kubrick, “La Chaqueta Metálica”.

“La Chupa de Chapa”, como es conocida coloquialmente en España, se divide en dos partes que recogen los sucesos narrados en los tres relatos de “The Short-Timers”. Los primeros tres cuartos de hora se dedican al periodo de instrucción del recluta Bufón, para después trasladarse a un Vietnam en el que Bufón lleva algún tiempo sirviendo como corresponsal de la revista “Barras y Estrellas”:

- Ann-Margret y sus acompañantes llegan la semana próxima. Quiero que alguien la reciba en el aeródromo y no se separe de ella en dos o tres días. Rompetechos, te ha tocado.
- Muy bien, señor.
- A ver si le pillas un buen ángulo. Que no quede muy obvio, pero que se le vea el matojo. Y unas gotitas de rocío.

Este segundo segmento funde el segundo y tercer relatos de “The Short-Timers”. A pesar del cambio radical entre uno y otro, que permite considerar la película como la suma de dos mediometrajes (como demuestra el hecho de que podrían funcionar perfectamente por separado), lo cierto es que ambos se complementan muy bien, hasta el punto de que ninguno de ellos destaca sobre el otro.

La historia de la Isla de Parris se apoya en tres personajes: el sargento Hartman, protagonista indiscutible del segmento; el recluta Leonard “Patoso” Lawrence, un pobre paleto que tiene problemas para asimilar la instrucción y se convierte en el blanco favorito de las iras y putadas del sargento; y Bufón, que hace las veces de testigo y narrador. El objetivo de Hartman no es otro que destruir el espíritu de los jóvenes asignados a su cargo, y convertirlos en máquinas de matar carentes de voluntad que obedezcan sin rechistar las órdenes de sus superiores. Lo cierto es que el cabrón es bueno en su trabajo, y sus métodos pueden llegar a resultar, además de impresionantes, graciosos para el espectador. Al menos hasta que llevan a Patoso a perder la cordura, matar a Hartman y suicidarse después.

El servicio de Bufón en Vietnam coincide con la Ofensiva del Tet, la operación planeada por el gobierno de Vietnam del Norte que sorprendió a la coalición del Sur y cambió el sentido de la guerra. Tras un ataque cuidadosamente planeado y ejecutado, las tropas del Norte penetraron ampliamente en el Sur, lo que le dio a los Estados Unidos la excusa perfecta para desplegar todo su poderío militar. En pocos meses se había recuperado todo el terreno perdido, pero a fuerza de destruirlo todo mediante intensos bombardeos, como se puede apreciar en la película. Las bajas del enemigo fueron numerosísimas, lo que desde el punto de vista militar convertía la operación en una victoria, pero dejar el país como un solar supuso una derrota moral tremenda para el pueblo estadounidense. A partir del Tet, la sociedad yanqui empezó a pensar que la guerra no se podía ganar, y a la postre así fue:

- El enemigo ha aprovechado, por medio de engaños, el alto el fuego del Tet para emprender una ofensiva por todo el país. Hasta ahora aquí lo hemos tenido fácil, pero esto parece ser la excepción. Los Charlies han atacado todos los objetivos principales de Vietnam con dureza. En Saigon, comandos suicidas han ocupado la embajada de los Estados Unidos. La ciudad de Khe Sanh está a la espera de una invasión, y tenemos informes de que una división del ejército norvietnamita ha ocupado la ciudad de Hue al sur del río Perfume. En términos estratégicos, los Charlies han cortado en dos el país. La prensa civil se caga de miedo, y hemos oído que hasta Cronkite va a decir que la guerra ya no se puede ganar. En otras palabras, una buena ración de mierda que todos tenemos que probar.
- Señor... ¿quiere eso decir que Ann-Margret ya no viene?

“La Chaqueta Metálica” nos muestra varias experiencias de Bufón durante estos días: el ataque norvietnamita, la contraofensiva estadounidense, el reencuentro con su amigo Cowboy (antiguo compañero en la Isla Parris), y la participación en una misión de reconocimiento durante la que se tropiezan con un francotirador que mata a varios de sus compañeros. En ese momento, la formación militar de los marines se revela inadecuada, ya que se enfrentan a un enemigo invisible, sin frente ni retaguardia.

El reparto está encabezado por Matthew Modine en el papel de Bufón, acompañado por Lee R. Ermey y Vincent D’Onofrio en los papeles de Hartman y Patoso. En la segunda mitad de la película podemos reconocer a Adam Baldwin, en el papel del soldado “Animal”. Dirige Stanley Kubrick, también autor del guión en colaboración con el antiguo corresponsal de guerra Michael Herr y con el propio Gustav Hasford, que debió tener sus más y sus menos con el director, ya que no declinó la invitación para acudir a la gala de los Oscar, aun siendo candidato en este apartado.

No cabe duda de que “La Chaqueta Metálica” es una película muy dura, ya que constituye un retrato absolutamente descarnado del proceso de alienación que sufren los marines, primero durante su periodo de instrucción y después en el frente. Kubrick construye su película como una recopilación de anécdotas vividas o presenciadas por Hasford y Herr, utilizando a Bufón como hilo argumental para dar a la historia el mínimo de cohesión necesario. Se trata del mismo estilo que Martin Scorsese emplearía tres años más tarde en “Uno de los Nuestros”, y con idéntico resultado: hoy en día recordamos “La Chaqueta Metálica” como una película estupenda, rememorando una escena tras otra.

Por encima de todo destaca, sin duda alguna, la figura del sargento Hartman encarnado por Lee Ermey, un antiguo sargento de marines que inicialmente había sido contratado como asesor técnico de producción (supervisó personalmente los decorados que recreaban la Isla Parris) y entrenador de Tim Colceri, el actor que inicialmente iba a interpretar el papel. Después de impresionar a Kubrick con una grabación de quince minutos en la que no cesaba de proferir maldiciones e insultos (y que dejaba la escena inicial de la película a la altura de un episodio de Pocoyó), Ermey consideraba que ninguno de los actores daba la talla para interpretar a Hartman, así que pidió al director que le diera el papel. Cuando éste se negó y se dio la vuelta para marcharse, Ermey le ordenó que no le diera la espalda mientras él le hablaba, y lo hizo con tanta autoridad que Kubrick obedeció instintivamente. En ese momento tuvo claro que Ermey era su sargento Hartman, y el resultado final le dio la razón. La escena inicial en el barracón (en su mayor parte improvisada por Ermey) se basta por sí sola para justificar su elección, pero lo cierto es que toda su interpretación es perfecta, haciendo de Hartman un tipo duro que prácticamente no tiene una sola línea de diálogo que no sea un grito, que apenas pestañea, y que nunca aparece sin su sombrero. Para estimular la dureza del personaje, Kubrick mantuvo a Ermey separado del resto del reparto, y le prohibió confraternizar con sus compañeros durante los descansos entre tomas. En cuanto al pobre Tim Colceri, Kubrick le ofreció como compensación el papel del artillero de helicóptero que se dedica a disparar a todo lo que ve, otra de las escenas más impactantes de la película, basada en una experiencia real de Michael Herr. Desde luego no es lo mismo que interpretar el papel de Hartman, pero al menos no pasó desapercibido, ya que todos nos acordamos de él:

- ¡Cárgate a unos cuantos! ¡Cárgate a unos cuantos! ¡Cárgatelos! ¡Vamos! ¡Así! ¡Eso! ¡Así, así! ¡Cárgatelos! ¡Cárgatelos! ¡Vamos, vamos! ¡Cárgate a unos cuantos! ¡Cárgate a unos cuantos, bonita! ¡Cárgatelos, cárgatelos, cárgatelos! ¡Eso! ¡Vamos! ¡Cárgate a unos cuantos! ¡Cárgatelos! ¡Así! ¡Ya, ya, ya! ¡Ya te tengo, hijoputa! ¡Todos los que corren son vietcongs! ¡Todos los que se paran son vietcongs obedientes! Tendríais que escribir algo sobre mí un día de estos.
- ¿Y por qué tendría que escribir sobre ti?
- Porque soy cojonudo, y no es ningún farol. Yo tengo 157 caras amarillas cargados, y 50 búfalos también. Todos con certificado.
- ¿También mujeres? ¿Y niños?
- Algunos.
- ¿Y cómo has podido matar a mujeres y niños?
- Fácil. Sólo hay que apuntarles un poco mejor, jejejeje… Qué puta es la guerra, ¿eh?

En la segunda parte destacan, aparte de la recién mencionada del artillero del helicóptero, escenas como el encuentro de Bufón con un coronel que le pregunta por qué lleva una chapa con un símbolo de paz en la solapa, las entrevistas a los marines durante el rodaje de un documental, y sobre todo la secuencia del francotirador, con una espectacular recreación de la destrucción causada por la contraofensiva estadounidense. La impresión causada por el sargento Hartman se diluye un poco, ya que en este segmento el protagonismo se reparte entre los distintos actores. Se trata por lo tanto de una trama más convencional, pero indiscutiblemente igual de demoledora, a pesar de que Kubrick descartó algunas escenas muy crudas en la sala de montaje. En una de ellas, los soldados jugaban al fútbol utilizando una cabeza humana como pelota.

Treinta años después de que el joven Kubrick presentara su primer alegato antibélico con “Senderos de Gloria”, el Kubrick maduro volvió a la carga con otra guerra, otro país y otros soldados, pero con la misma fuerza. Han pasado otros veinte años desde entonces y diez desde su fallecimiento, pero “La Chaqueta Metálica” sigue siendo una de sus películas más admiradas, tanto por la crítica como por el público. Y lo que le queda.

Por hoy ya hemos inscrito de sobra nuestros nombres en las páginas de la Historia. Nos largamos hacia el río Perfume para pasar allí la noche. Mi cabeza vuelve a estar ocupada por los sueños eróticos, pensando en el sucio chumino de la chavala y fantaseando con volver a casa para follar todo el día. Estoy tan feliz de seguir vivo, de una pieza y a punto...

Este mundo es una puta mierda, sí... Pero estoy vivo y no tengo miedo.

© Zineman

[BPR] Vísceras - Entrega XXII

2009-02-19T10:17:00.002+01:00

Denver (IX)

Debían de ser poco más de las cinco de la tarde. Estaba ojeando despreocupado escritos de juventud y cartas de otros tiempos. Se preguntaba si esa caligrafía temblorosa y apenas inteligible alguna vez había nacido de entre sus manos. Pensaba qué hacer con todo ese material caduco, con esa memoria que no le parecía haber vivido. A veces Denver necesitaba mirar atrás para darse cuenta de que todo abismo que uno supera al final acaba apareciendo de nuevo. Debían de ser poco más de las cinco de la tarde cuando Denver apuró su cubalibre pensado en todas las paredes que contemplaron cada verso que ahora no entendía. Suele ocurrir que cuando se recita la vida, pensaba, no hay un sólo espectador dispuesto a ocupar los primeros asientos del anfiteatro.

Horizonte ceniza (IX)

¿Dónde te encuentras ahora elegante Denver?.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[Cine] La Cena de los Idiotas

2009-02-16T08:12:00.002+01:00

El teatro ha sido siempre una fuente muy interesante de guiones para la industria cinematográfica. No son pocas las películas basadas en obras de teatro, en ocasiones adaptadas por sus propios autores, como la que hoy nos ocupa.

Pierre Brochant es un triunfador. Su trabajo como editor le permite disfrutar de una vida acomodada, en compañía de una esposa guapísima que le robó al que hasta entonces era su mejor amigo. Sí, amigos, Brochant es un cabrón con pintas. Tanto que su afición favorita es una cena que organiza cada miércoles con un grupo de amigos, en concreto una cena de idiotas. Cada miembro del grupo debe buscar e invitar a un idiota, con el objetivo claro y manifiesto de reírse del pobre infeliz.

Esta semana, Brochant anda algo nervioso porque no consigue encontrar ningún “ejemplar” competitivo, pero todo cambia cuando se cruza en su camino François Pignon, un funcionario divorciado que mata sus horas de soledad construyendo maquetas con cerillas. A pesar de haber sufrido una lesión de espalda durante un partido de golf, Brochant cita a Pignon en su casa. Allí empieza a darse cuenta del “potencial” de su invitado:

- Se llama Solo Leblanc.
- ¿No tiene nombre de pila?
- Ya se lo he dicho: Solo Leblanc.
- ...
- Leblanc es el apellido, y Solo es el nombre.
- Ah...
- Señor Pignon, su nombre es François, ¿cierto?
- Sí.
- Pues el de Leblanc es Solo.
- Ah...

Grave error. En pocas horas, el señor Pignon convierte la idílica vida de Brochant en una catástrofe, después de armar un lío tremendo en el que implica a su esposa, a su amante, a su antiguo mejor amigo y a un inspector fiscal.

El reparto está encabezado por Jacques Villeret y Thierry Lhermitte en los papeles de Pignon y Brochant. Francis Huster es Solo Leblanc, el antiguo mejor amigo, Daniel Prévost es el avieso inspector fiscal y Alexandra Vandernoot y Catherine Frot son la esposa y la amante de Brochant, respectivamente. Dirige Francis Veber, también autor de un guión basado en su propia obra de teatro.

“La Cena de los Idiotas” es una de las mejores comedias de la década de los 90, pero su mayor virtud es, desde cierto punto de vista, su mayor fallo. El objetivo claro y manifiesto del autor es criticar duramente la crueldad de Brochant y sus amigos, que disfrutan ridiculizando a los incautos que aceptan sus invitaciones para cenar. Sin embargo, esta crítica se ve casi totalmente eclipsada por la comicidad del señor Pignon, que acapara el protagonismo y apenas permite que el espectador deje de reír. No en vano, Villeret había realizado para entonces unas seiscientas representaciones de la obra en los escenarios franceses, y eso se nota en la película.

Sólo en la parte final, cuando la película se pone seria por primera vez, la crítica se antepone a la comedia y se hace patente el poso de amargura que se ha ido acumulando durante algo más de una hora de proyección. En esos momentos nos damos cuenta fugazmente de que, por mucho que nos hayamos reído, Brochant es un miserable. Digo fugazmente porque una comedia no puede despedirse sin un último golpe de risa, y éste no tarda en llegar y disipar el momento de reflexión.

De cualquier modo, “La Cena de los Idiotas” es una excelente adaptación que no intenta disimular en ningún momento su origen teatral, y que nos permite disfrutar de la vis cómica del ya fallecido Jacques Villeret, en el que fue probablemente el mejor trabajo de su carrera.

© Zineman

[BPR] Vísceras - Entrega XXI

2009-02-12T07:32:00.001+01:00

Apollon (V)

Alguien dijo una vez que follarse a la luna era la mejor manera de saldar las cuentas pendientes. Apollon deseaba con todas sus ganas eyacular en pleno cuarto menguante. Sin embargo se limitaba a mirarse en el espejo, descorchar una botella de vino y delimitar la distancia que le separaba de Ella. Apollon pensaba en June, mientras se masturbaba contemplando el cielo desde su terraza. Pesan demasiado los astros del pasado como para negarse a aceptar un cielo desierto de estrellas y satélites luminosos.

Horizonte ceniza (VIII)

Sólo aquellos que forman parte del mundo de los ceros a la izquierda son capaces de construir un astro.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[Cine] El Diablo Sobre Ruedas

2009-02-09T07:38:00.002+01:00

Meses después de su estreno, aún sigo arrastrando la decepción por “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal”, y mantengo a Steven Spielberg en régimen de libertad condicional. El camino del perdón pasa inevitablemente por recordar su valiosa contribución al mundo del cine, de la que nos hemos hecho eco en varias ocasiones. Por esta sección han pasado algunas de sus mejores películas, como “La Lista de Schindler”, “En Busca del Arca Perdida”, “Indiana Jones y el Templo Maldito”, “Indiana Jones y la Última Cruzada”, “E.T. el Extraterrestre” y “Salvar al Soldado Ryan”. También hemos hablado de algunos de sus trabajos menores, como “La Guerra de los Mundos”, “Munich” y “La Terminal”. Sin embargo, hoy nos remontamos a sus orígenes.

Los años 60 fueron testigos del nacimiento de una interesante generación de cineastas que habían crecido entre muchas joyas del cine clásico y las primeras series de televisión. Su cariño por el cine los llevó a ingresar en la universidad para cursar los estudios de ciencias y artes cinematográficas, y con el tiempo han pasado a formar parte de la leyenda que tanto admiraban desde su infancia. Francis Ford Coppola, Martin Scorsese y George Lucas son sólo algunos ejemplos.

A finales de aquella década, la MCA, compañía propietaria de los estudios Universal (algunos recordaréis el subtítulo “An MCA Company” que se podía ver en la versión sesentera de su logo), está dirigida por Sid Sheinberg. En el transcurso de una búsqueda de nuevos talentos, este señor toma la arriesgada decisión de fichar a un joven universitario que aún no ha concluido sus estudios, y que responde al nombre de Steven Spielberg. Su trabajo consiste en dirigir episodios sueltos de diversas series, debutando con un capítulo de “Night Gallery” protagonizado nada menos que por Joan Crawford.

Paramos un momento, y retrocedemos al 22 de noviembre de 1963. El escritor Richard Matheson regresaba a casa después de jugar al golf con su colega y amigo Jerry Sohl. Mientras viajaban en coche e intentaban digerir la noticia del asesinato de Kennedy, sufrieron el acoso de un camionero durante un par de horas. Tras llegar a poner en peligro sus vidas, el camión desapareció sin dejar rastro, y ninguno de los dos escritores volvió a verlo jamás. El suceso le sirvió a Matheson de base para escribir un relato breve, “Duel”, en el que el conductor de un turismo narraba cómo un gran camión articulado intentaba matarlo. Al principio intentó venderlo como guión para una serie de televisión, pero todos los estudios a los que acudió desecharon la idea por considerarla pobre. Finalmente, se publicó en la revista “Playboy”, en forma de novela corta.

Volvemos a donde estábamos. Spielberg sigue dirigiendo episodios sueltos de unas cuantas series, e intentando superar los inconvenientes que le crea su juventud. La cosa no es fácil: la media de edad de la gente que trabaja en televisión supera los cincuenta años, y algunos de ellos han trabajado en Hollywood con algunos de los mejores actores y directores de la historia del cine, así que no toleran muy bien a los jóvenes, especialmente si son “el capricho de Sheinberg” y se han convertido, con veinte años, en la persona más joven que firma un contrato con la Universal.

En esas estamos cuando la ayudante de Spielberg le recomienda un relato que ha leído en “Playboy” (no, no sé qué hacía esta mujer leyendo “Playboy”), sobre un coche perseguido por un camión que intenta acabar con él. A Spielberg le encanta la historia, y la compara con una película de Hitchcock, algo así como “Psicosis” o “Los Pájaros”, pero sobre ruedas. Su ayudante le informa entonces de que hay un proyecto para convertir el relato en un telefilme, que será rodado por la Universal y emitido en “La Película de la Semana” de la ABC. De hecho, Richard Matheson está trabajando ya en el guión, y la producción corre a cargo de George Eckstein. Sin explicarle qué hace leyendo “Playboy”, su ayudante le recomienda que hable con Eckstein, ya que aún no tienen director y ella cree que Spielberg es el hombre ideal.

Ni corto ni perezoso, Spielberg llama a Eckstein para interesarse por el puesto de director, y consigue una cita con él, a la que se le pide que lleve muestras de algún trabajo suyo. Spielberg coge un montaje de “Asesinato según el libro”, primer episodio de la nueva temporada de “Columbo”, que aún no se ha emitido en televisión, y se presenta en el despacho de Eckstein. La cita concluye con el tradicional “Ya te llamaré”. Tres días más tarde recibe la llamada, el guión de Matheson y el encargo de ponerse a trabajar inmediatamente.

El proceso de casting es, para qué engañarnos, corto. Sólo hay un papel significativo y es el del protagonista, David Mann. Cuando Spielberg ve el nombre de Dennis Weaver en la lista de candidatos, insiste en contratarlo cuanto antes, confesándose impresionado por su trabajo en “Sed de Mal”. A pesar del acuerdo verbal, su tranquilidad no será completa hasta la tarde anterior al comienzo del rodaje, cuando Weaver estampa su firma en el contrato. Mmmmm… Tal vez deba corregir lo que he dicho antes, ya que hay otro papel muy importante, que corresponde al camión. En este apartado se realiza otro casting en toda regla, y de entre todos los modelos que se le ofrecen, Spielberg escoge un Peterbilt 281 de 1950.

La siguiente pelea de Spielberg es para conseguir rodar la película íntegramente en exteriores, ya que la intención del estudio es filmar la mayor parte de los primeros planos de Dennis Weaver en plató, con pantalla al fondo. Sí, una pantalla de esas que nunca se corresponde con el movimiento del volante y que canta más que los Rolling Stones. El diseñador de producción recoge el guante y se compromete a consentir un rodaje íntegro en exteriores si Spielberg cumple escrupulosamente los objetivos de los tres primeros días del plan de rodaje, que consta de un total de diez jornadas. Como el chico cumple con su parte, se le permite completar su película en las carreteras del estado de California, aunque al final se excede un poco y termina su trabajo tras trece días de filmación.

No acaba ahí la presión. La fecha de estreno en la ABC se acerca peligrosamente, así que se contrata un equipo de cinco montadores para poder cumplir con la fecha designada. El resultado final son 73 minutos que cosechan un enorme éxito de audiencia, tanto que la Universal decide rodar diez minutos adicionales para alargar el metraje y estrenarlo en cines, tanto estadounidenses como europeos. Pero lo más importante es la presentación en sociedad de un nuevo talento: Steven Spielberg.

“El Diablo Sobre Ruedas” recuerda, efectivamente, al mejor Hitchcock. Comienza de forma muy original, con una por entonces novedosa cámara subjetiva que nos muestra el recorrido del automóvil desde el garage de la casa de David Mann hasta la llegada a la carretera. Durante esta escena no se escucha más que la radio, cuya insustancial programación sirve en cierto modo de adelanto, antes de que conozcamos el rostro y la forma de ser del protagonista. Lo cierto es que David Mann da la impresión de ser un piltrafilla de cuidado, que se deja pisotear por cualquiera con tal de evitar meterse en líos.

Pero todo cambia cuando un camionero decide jugar al ratón y al gato con él, intentando que se estrelle con un coche que se aproxima en dirección contraria, para empezar. Luego pasa a tácticas más agresivas, intentando echarlo de la carretera una y otra vez. Al principio, Mann intenta adelantarlo y olvidarse de él. Cuando reaparece, intenta dejarle ganar metros para que desaparezca de su vista. Como esto tampoco funciona, decide parar a comer en una cafetería, donde descubre que el camionero también se ha detenido. Ante esta situación, intenta deducir cuál de los clientes es su perseguidor para buscar una solución a tan absurdo conflicto. Después intenta denunciarlo a la policía, pero no llega a terminar la llamada telefónica porque la cabina sufre “un pequeño percance”. Al final llega a la conclusión de que se trata de una pelea a muerte, de que sólo hay una forma de terminar con tanta locura y de que, por primera vez en su vida, va a tener que echarle un par de bemoles.

La película se beneficia mucho del rodaje íntegro en exteriores tan perseguido por Spielberg, ya que le da mucha verosimilitud a la historia y contribuye a aumentar el suspense de cara al espectador. El uso de planos de baja altura incrementa la sensación de velocidad, y la maestría de los especialistas nos permite disfrutar de escenas en las que los vehículos se aproximan de manera bastante inquietante. Cuando Carey Loftin, que interpreta al conductor del camión, preguntó a Spielberg cuál era la motivación de su personaje, el director fue bastante conciso: “Eres un sucio, podrido y malvado hijo de puta”. Loftin sonrió: “Muchacho, has contratado al hombre idóneo”. Años más tarde, Spielberg fue más explícito, comentando en una entrevista que el camionero es un asesino en serie, y su objetivo es acabar con un coche en cada estado (si os fijáis, ha ido colocando las matrículas de sus víctimas en la parte delantera del camión).

Casi cuarenta años más tarde, “El Diablo Sobre Ruedas” sigue conservando toda su fuerza, y se ha convertido en materia de estudio obligatorio en las escuelas de cine, recordándonos que teniendo talento se pueden hacer auténticas virguerías con unos pocos medios. Spielberg cogió un coche, un camión y una carretera, y fabricó una obra maestra del suspense (cuatro años más tarde repetiría la jugada con un tiburón, un barco y el océano). Sin embargo, hoy en día es difícil encontrar películas como esta. Supongo que los estudiantes de hoy se esfuerzan bastante menos que los de entonces.

Para terminar, y a modo de curiosidad, os comentaré que el camión aún existe. Debido a que el motor del Peterbilt comenzó a dar problemas a mitad de rodaje, el estudio compró un segundo vehículo, un modelo de 1960 que a simple vista parecía idéntico al primero. Con él se rodaron algunas escenas, y se convirtió en el único superviviente después de que su compañero protagonizara la escena final, en la que se despeñaba por el barranco. Actualmente es propiedad de un friki de Missouri que se lo compró a otro friki de California allá por 2004, y lo mantiene en buen estado por cortesía de su propio bolsillo. No puedo evitar sentir cierta simpatía por él. Supongo que de haber sucedido en España, el camión habría sido expropiado por el Ministerio de Incultura (por cortesía del Sr. Público, de nombre Erario) y estaría guardado en algún garaje, cogiendo polvo y criando óxido. Y eso siendo mejor actor que otros muchos…

© Zineman

[VASCO] Juegos Infantiles

2009-02-06T06:29:00.002+01:00

Lo primero de todo pediros perdón por no haber publicado nada la semana pasada, pero la verdad es que últimamente ando bastante atareado y no tengo mucho tiempo para pensar de qué voy ha hablaros y preparar los artículos. Además de estar atareado, últimamente no dan más que partidos del Athletic en La Sexta. Porque, por si alguno de vosotros no lo sabe, el Athletic está en semifinales de la Copa del Rey. Ya se ha disputado el partido de ida en el Sanchez Pizjuán con resultado 2 a 1 en contra del Athletic pero bueno, en la vuelta en San Mamés todo puede ocurrir.

Pero bueno no es exactamente de esto de lo que quiero hablar, de lo que quiero hablar es de los juegos infantiles antiguos, claro está…, porque los actuales con el rollo ese del Facebook y las consolas se pasan todo el día en casa, y metidos en su cuarto. Bueno metidos en el cuarto también estábamos nosotros bastante tiempo pero era para otras cosas de la juventud ¿verdad?…

A lo que vamos, antigüamente teníamos más imaginación, fijaos que con una tiza y un par de tapones de los botellines de coca-cola nos imaginábamos que estábamos en la vuelta ciclista. Algunos tenían tanto aprecio a su tapón que lo tuneaban y todo poniéndole plastilina para que pesara más la foto de algún ciclista famoso.

Por otro lado había veces que no sabías a qué jugar y te encontrabas un bote y decías, joder, por qué no jugamos al bote-bote y de pronto se apuntaba todo el mundo a jugar. Yo tenía un amigo que cada vez que se enfadaba se subía el bote para casa, así que tendría que tener un arsenal de ellos de la hostia.

Ahora, también éramos burros de cojones, porque me estoy acordando ahora mismo del paredón. No sé si sabrán ustedes jugar, pero el juego es muy fácil, una pared y un balón de estos de cuero, cuanto más duela mejor! y venga, básicamente te dedicabas a darte pelotazos.

Por no hablar de cuando jugábamos a la trompa (que la diversión era romperle la trompa a los demás), y muchísimos más juegos que ahora mismo no recuerdo, pero lo que sí sé, es que estábamos en la calle de sol a sol, bueno de sol a sol, o hasta que salía tu madre por la ventana chillándote para que subieras para casa ya de una vez. Por eso es por lo que creo yo que en nuestra época no hacía falta el Actimel ni tonterías de esas para coger defensas. Si nosotros éramos inmunes a todo, ¿cuántas veces habremos estado jugando en algún charco con las rodillas llenas de heridas? En fin, que yo creo que la especie habrá mejorado en cosas, pero en esto, la verdad que les está haciendo más débiles.

Ale, os dejo que me voy a echar una partidita al Prince of Persia...

© txefas

[BPR] Vísceras - Entrega XX

2009-02-05T07:15:00.001+01:00

June (VII)

Todas las noches, en la cocina, medía con cuidado sus dedos al trasluz junto a la ventana. Los observaba con sumo cuidado, como buscando una estación que se escapó del calendario. Se extrañaba de la ausencia de manchitas blancas en sus uñas, se detenía en los pellejos doloridos y en las yemas, como buscando alguna pista que indicara la dirección a seguir. June no temía a la penumbra, pero sí a unos dedos que no fueran dignos de agarrar con fuerza los pedacitos de unas vidas que apenas reflejaban importancia.

Horizonte ceniza (VII)

No hay guerras sin batallas, pero sí batallas sin guerras capaces de acabar con cualquier imperio.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[Cine] La Cosa

2009-02-02T07:18:00.003+01:00

John Carpenter es uno de los directores más interesantes de la serie B de finales del siglo XX. Él es el artífice de películas como “Halloween”, “Golpe en la Pequeña China”, “Asalto a la Comisaría del Distrito 13”, “1997: Rescate en Nueva York”, “Están Vivos”, “La Niebla” o “En la Boca del Miedo”, entre otras. Hoy hablamos de la que muchos consideramos su mejor película.

La vida en un campamento científico estadounidense situado en plena Antártida puede ser tremendamente aburrida. Eso piensan sus ocupantes, o al menos lo hacen hasta el día en que averiguan que sus colegas de la base noruega han descubierto una nave extraterrestre enterrada en el hielo. Es más, todo indica que una forma de vida alienígena ha sido liberada, tras permanecer congelada durante miles de años, y que su comportamiento es claramente hostil. Hostil y letal.

Resulta que el “bisho” en cuestión posee la habilidad de imitar cualquier otra forma de vida, y además tiene la manía de eliminar después al sujeto original para disimular. Los científicos se dan cuenta inmediatamente del peligro que esto supondría si la “cosa” consiguiera abandonar la Antártida y alcanzar territorios poblados. Obviamente, estaría en juego la supervivencia de la raza humana, pero lo que más les preocupa es el primer punto del plan enemigo: eliminar a todo el equipo de la base estadounidense.

La película está protagonizada por el actor fetiche de Carpenter, Kurt Russell, que interpreta a MacReady, piloto del helicóptero. El resto de los actores son francamente desconocidos, a excepción de Keith David, que interpreta a Childs. Dirige John Carpenter, también autor de un guión basado en la película de los años 50 “El Enigma de Otro Mundo”. En contra de su costumbre, renuncia a componer la banda sonora y pasa el testigo a Ennio Morricone.

“La Cosa” es una de las mejores mezclas de terror, suspense y ciencia-ficción que ha dado la historia del cine. Desde el momento en que se descubre el desastre producido en la base noruega, se genera una tensión que no deja de crecer hasta el final de la película, y que se basa fundamentalmente en la desconfianza que surge entre los científicos y en la claustrofobia provocada por su confinamiento en la base. Con una total economía de medios (un puñado de actores, mobiliario básico, algo de armamento, etc), Carpenter construye una intriga que recuerda por momentos al mejor Hitchcock, destacando escenas como la de los “análisis” de sangre.

El director disfrutaba tanto explotando la ambigüedad de cada situación que los miembros del reparto reconocen que hoy en día, veintitantos años después, siguen sin tener claro qué personajes estaban infectados y en qué momento habrían sido atacados por la “cosa”. Las escenas eliminadas en la sala de montaje no sirven de mucho, ya que se rodó el material necesario para poder confirmar cualquier interpretación del final, tanto la muerte del “bisho” como su supervivencia, en caso de que la reacción del público durante los pases de prueba no fuese buena.

En el capítulo de curiosidades, cabe destacar que el perro lobo bajo el que se camufla la “cosa” cambiaría radicalmente de registro años después, dando vida a “Colmillo Blanco”. Otra anécdota bastante divertida es la presencia de dos personajes llamados Mac y Windows, aunque se trata de algo totalmente casual (no olvidemos que estamos hablando de 1982). Y para aquellos que hayan apreciado un notable parecido entre los campamentos estadounidense y noruego, que Santa Lucía les conserve la vista, porque en efecto se trata del mismo decorado. Por razones de presupuesto, las escenas de la base noruega se rodaron después de la voladura de la base estadounidense, aprovechando los restos de la misma.

Casi treinta años después, no son pocos los intentos de plagio sufridos por un argumento que tuvo su continuación en el mundo del cómic, pero que afortunadamente el cine ha sabido dejar donde debe estar. Al menos de momento, porque en los últimos años se ha metido cierto ruido con la posibilidad de rodar un remake, sobre todo después de los de “Asalto a la Comisaría del Distrito 13”, “La Niebla” y “Halloween”. Desde entonces, se ha hablado de nuevas versiones de “1997: Rescate en Nueva York” y “La Cosa”, pero en el momento de escribir estas líneas ambos proyectos (afortunadamente, creo) están parados. Visto el panorama actual, es mejor que de momento sigan así.

© Zineman

[BPR] Astros - Entrega XIII

2009-01-27T07:29:00.001+01:00

Deudas

Un cero a la izquierda debe algo
lo mismo que el astro que contemplas
en un balcón imaginario.

Un cero a la izquierda debe algo
de la misma manera que tus palabras
dormidas.

Un cero a la izquierda debe algo
más grande que las últimas huellas
que dejaron de marcar nuestro camino.

© Fernando Llorente

[Cine] Uno de los Nuestros

2009-01-26T08:13:00.003+01:00

Para mí, ser gangster era muchísimo mejor que ser Presidente de los Estados Unidos. Antes de acudir por primera vez a la parada de taxis buscando un trabajo para después del colegio, sabía que quería ser uno de ellos. Sabía que allí estaba mi futuro. Para mí, ser uno de ellos significaba ser alguien en un barrio lleno de don nadies. Ellos eran distintos a todos. Me refiero a que hacían lo que les daba la gana.

Que Martin Scorsese es un excelente director de cine es una cuestión que no admite duda. Que su mejor época ha pasado, tampoco. Y que de entre todas las películas de su carrera sólo hayamos hablado de “El Aviador” e “Infiltrados”, dos trabajos más bien menores, es algo que hay que remediar cuanto antes. Por ejemplo hoy, y por ejemplo con la que para muchos de nosotros es su mejor película.

La década de los 70 nos regaló películas como las dos primeras entregas de “El Padrino”, de incalculable valor cinematográfico pero discutible veracidad. Esto lo sabía bien un joven Martin Scorsese, que había crecido en barrios dominados por esos ambientes y discrepaba del retrato tan “romántico” que Coppola había hecho de la mafia a través de la familia Corleone. Él sabía que el negocio de la mafia no era el asesinato, y que en modo alguno se regía por el honor, sino por la ley del mínimo esfuerzo. En otras palabras, vivir del cuento gracias al miedo y a la extorsión:

- Para nosotros, vivir de otra manera era impensable. La gente honrada que se mataba en trabajos de mierda por unos sueldos de miseria, que iba a trabajar en metro cada día y pagaba sus facturas, estaba muerta. Eran unos gilipollas. No tenían agallas. Si nosotros queríamos algo, lo cogíamos, y si alguien se quejaba dos veces le dábamos tal paliza que jamás volvía a quejarse. Era una simple rutina. Ni siquiera lo pensábamos.

Durante años, Scorsese buscó una historia realista digna de ser llevada a la pantalla, con el fin de desmitificar los personajes tan brillantemente interpretados por actores como James Cagney, Edward G. Robinson o Marlon Brando. Por suerte para él, su camino se cruzó con el de Nicholas Pileggi, autor de un libro sobre un gangster real, Henry Hill, y le llamó por teléfono:

- He estado esperando un libro como este durante toda mi vida.
- Y yo he estado esperando una llamada como esta durante toda mi vida.

Acababa de nacer “Uno de los Nuestros”. Para el papel de Henry Hill, Scorsese tuvo muy claro desde el primer momento que recurriría a un por entonces joven y desconocido Ray Liotta. El estudio respetó su decisión, pero exigió la presencia de una gran estrella en el cartel, para proteger su inversión. El director cogió su agenda y llamó a su actor fetiche, Robert de Niro, para ofrecerle el papel de Jimmy Conway, socio de Henry Hill, cuyas escenas terminó en un plazo record de tres semanas. El trío protagonista se completó con Joe Pesci, que daría vida al inestable Tommy DeVito, una bomba de adrenalina con patas. En cuanto a los secundarios, Lorraine Bracco consiguió el papel de Karen Hill, y Paul Sorvino, especialista en papeles de mafioso, se encargaría de interpretar al jefe de la familia, Paul Cicero. También quedaba sitio para los padres de Scorsese, que interpretarían a uno de los ancianos de la familia y a la madre de Tommy, respectivamente.

“Uno de los Nuestros” es una película construida a base de historias y anécdotas, con el personaje de Henry Hill como hilo conductor de las mismas, ya sea haciendo las veces de protagonista, participante o mero espectador. Digamos que en cierto modo es como si Woody Allen se hubiera lanzado a rodar una película de gangsters: empieza a contar historias y más historias, y la peli puede durar perfectamente dos días. Aquí radica el enfrentamiento entre los que critican la película, alegando que en el fondo no cuenta nada, y los que la consideramos una película muy ágil y entretenida.

Por supuesto, con este planteamiento queda patente desde el primer momento que “Uno de los Nuestros” es una película de escenas. Especialmente famoso es el plano secuencia en el que Henry y Karen entran por la puerta del servicio del restaurante y llegan hasta el escenario atravesando todo el local. La idea de esta escena surgió por accidente, ya que la productora no consiguió la autorización para utilizar la entrada principal, y Scorsese tuvo que recurrir a una solución alternativa que acabaría convirtiéndose en uno de los planos más estudiados en las academias de cine. Hubo que repetirlo alguna que otra vez, ya que al humorista del final le costaba recordar sus diálogos (que ya le manda narices…), pero ahí queda el resultado final, al ritmo del “Then He Kissed Me” de The Crystals.

Sin embargo, el verdadero filón es el personaje de Tommy DeVito. Según el auténtico Henry Hill, Joe Pesci clavó el personaje en un 90-99%, siendo la única diferencia notable el hecho de que el verdadero Tommy era un gigantón y Pesci es bastante humilde de talla. Su contribución a la película es notable: destacan la escena en la que le pregunta a Henry qué quiere decir al llamarle “gracioso” (improvisada en su totalidad por el propio Pesci a petición de Martin Scorsese), o la cena en casa de la señora DeVito (también improvisada por el trío protagonista):

- Hijo, ¿por qué no te buscas una buena chica?
- Me busco una casi cada noche, mamá.

Mención especial merece la partida durante la que Tommy dispara al camarero por haberle mandado “a hacer puñetas”. En esta última, Michael Imperioli, futuro miembro de la familia Soprano y por entonces en el papel del infortunado camarero, se cortó con un vaso mientras filmaba su “muerte” y tuvo que ser trasladado a urgencias, donde intentaron atenderlo inmediatamente al ver lo que parecían varias heridas de bala en el pecho. Cuando pudo aclararlo todo, lo hicieron pasar a la sala de espera, donde tuvo que aguardar tres horas.

El hecho de que exista un gran componente de improvisación no implica que Scorsese no velase por la veracidad de la historia. No sólo colaboró estrechamente con Nicholas Pileggi en la escritura del guión, sino que además hizo que Ray Liotta pasara mucho tiempo con el verdadero Henry Hill, y pidió la constante presencia en el plató de gente que había conocido a los auténticos protagonistas, a fin de contar con su consejo. De hecho, el fiscal con el que Henry negocia su entrada en el Programa de Protección de Testigos, Edward McDonald, se interpreta a sí mismo, reviviendo la conversación que mantuvo en su día con el verdadero Henry Hill. Por cierto, éste fue expulsado del PPT tras el estreno de la película, ya que no puedo resistir la tentación de desvelar su verdadera identidad.

Este compensado cóctel de realidad e improvisación tiene una etiqueta de película violenta que, bien mirado, se concentra fundamentalmente en sus diálogos. Mientras el recuento de cadáveres se queda en 10 (cifra no precisamente elevada para una película de gangsters), la palabra “joder” y sus derivados se escuchan un total de 296 veces, aproximadamente la mitad de ellas en boca de Joe Pesci. Cuando su madre vio la película le pareció estupenda, pero preguntó a su hijo si era necesario que jurara tanto. Quizá se olvidase de ello cuando Joe Pesci recibió el Oscar al mejor actor de reparto, protagonizando el tercer discurso de agradecimiento más breve en la historia de estos premios (“Es un honor y un privilegio, gracias”) y alegando que no había preparado nada porque no esperaba ganar.

Casi veinte años después de su estreno, “Uno de los Nuestros” se ha consolidado como una de las mejores películas de mafia de la historia del cine, con varias escenas de obligado estudio en las escuelas de cinematografía y una interpretación memorable de su reparto al completo, en especial del trío protagonista, en el que brilla con luz propia un insuperable Joe Pesci. Todo ello bajo la dirección de un Martin Scorsese en estado de gracia, que supo ver el potencial de una historia de historias y no dudó en luchar por ella, por suerte para nosotros.

© Zineman

[BPR] Astros - Entrega XII

2009-01-20T07:10:00.001+01:00

Cenizas
A la foto de la playa

No hay seña
o unas huellas
ni tan siquiera un faro
que oriente
lo que en ti
la pérdida ha posado.

Hay ceniza sin embargo
sobre tu rabia
y los brillos de otro tiempo.

Hay ceniza que no vuelve
a ser como fuiste
ante otros ojos.

Hay cenizas, es verdad,
que gritan tu nombre
y no te encuentran.

© Fernando Llorente

[CINE] Los Cañones de Navarone

2009-01-19T07:19:00.003+01:00

Después de unos cuantos meses de ausencia (considerando “El Niño del Pijama de Rayas” como una película más dramática que bélica), la Segunda Guerra Mundial regresa a nuestro rincón cinematográfico, y lo hace con una de las mejores películas del género.

1943. Tras el fracaso alemán en Stalingrado, las tornas han cambiado y los aliados están empezando a pasar a la ofensiva. Incluso se habla de hacer planes para un desembarco en el continente europeo. Hitler sabe que, si Alemania quiere ganar esta guerra, tiene que volver a llevar la voz cantante de la contienda, pero para ello necesita nuevos aliados. En el caso del frente mediterráneo, el mejor candidato es la todavía neutral Turquía.

Por supuesto, los turcos no van a abandonar su cómoda posición de neutralidad así como así, por lo que Hitler decide realizar una demostración de fuerza. El plan consiste en atacar la isla de Kheros, carente de valor militar pero situada cerca de la costa turca, y aplastar a las tropas británicas allí destacadas, compuestas por unos dos mil soldados. Lógicamente, el alto mando aliado no puede permitir que eso suceda, pero estas tropas sólo pueden ser evacuadas por mar, y todos los barcos enviados a Kheros han sido hundidos por dos cañones alemanes, estratégicamente situados en una formación rocosa que los protege de cualquier ataque aéreo. Se trata de los cañones de Navarone.

En un último intento desesperado, a seis días para el ataque alemán, los británicos envían un comando de seis hombres a la zona, con el objetivo de destruir estos cañones y permitir el paso de los buques de la Royal Navy. La misión incluye la llegada por mar a Kheros, una escalada imposible en un acantilado, el contacto con la resistencia griega, la infiltración en las fortificaciones alemanas, la voladura de los cañones y, en caso de que haya supervivientes, la huida a lo sálvese quien pueda.

El comando británico está encabezado por Gregory Peck, que interpreta al capitán Keith Mallory, y Anthony Quinn, en el papel del coronel griego Andrea Stavros. Junto a ellos podemos ver al mayor Franklin, al cabo Miller, y a los soldados Spyros Pappadimos y Brown, alias “el Carnicero”, interpretados por Anthony Quayle, David Niven, James Darren y Stanley Baker. En la resistencia griega tenemos a Maria Pappadimos, hermana de Spyros, y Anna, a las que dan vida Irene Papas y Gia Scala. Richard Harris tiene un pequeño papel al principio de la película, como líder de un escuadrón de la RAF. Dirige J. Lee Thompson, con guión de Carl Foreman (productor de la película), adaptado a partir de la novela de Alistair MacLean. Aviso: a pesar del estilo histórico que se le da a la película (sobre todo en el prólogo), la trama es completamente ficticia, ya que nunca existieron los cañones de Navarone.

“Los Cañones de Navarone” pertenece a esa élite de películas sobre la Segunda Guerra Mundial que se rodaron a finales de los 50 y principios de los 60, como “El Puente Sobre el Río Kwai”, “El Día Más Largo” o “La Gran Evasión”, y que figuran por derecho propio entre las mejores de la historia del cine bélico. Al igual que en todas ellas, sobre todo en “El Puente Sobre el Río Kwai”, los personajes están muy desarrollados: Mallory y Franklin son oficiales muy disciplinados que velan por el cumplimiento de la misión, cueste lo que cueste; Stavros es un resentido que convive con el dolor por la muerte de su esposa e hijo; Miller es un geniecillo de los explosivos que intenta eludir cualquier tipo de responsabilidad, motivo por el cual ha rechazado varias oportunidades de ascenso; Brown ha elegido el peor momento para sufrir una crisis nerviosa; y a Pappadimos le gusta demasiado su trabajo.

Con personajes tan dispares, a las escenas de acción y a los giros argumentales se le añaden interesantes enfrentamientos entre los miembros del grupo, que contribuyen a enriquecer la historia, de modo que las más de dos horas y media de película se hacen muy llevaderas. También ayuda el excelente trabajo del reparto, destacando sobre todo Gregory Peck y Anthony Quinn, que años después de “El Mundo en Sus Manos” demostraron nuevamente la estupenda química existente entre ellos. En tercera posición tenemos a David Niven, que realiza una de las mejores interpretaciones de su carrera.

En resumen, al hablar de “Los Cañones de Navarone”, no nos queda más remedio que concluir con uno de los grandes tópicos del cine: afirmar que, desgraciadamente, ya no se hacen películas como esta.

© Zineman

[VASCO] Mi Primer Dia de Trabajo

2009-01-16T06:16:00.002+01:00

Después de este largo parón navideño, ya es hora de empezar a escribir otra vez regularmente. Como seguramente no os acordaréis, os recuerdo que solamente había escrito un articulo sobre mi primer contacto en Cantabria. Bueno, simplemente relatar que después de ese contacto, como es de suponer hubo bastantes más. Al principio era una vez al mes, luego era un día del fin de semana, pasando a ser que venia todos los fines de semana. Lo único reseñable de esta época de mi vida en la que sin querer estaba haciendo incursiones en territorio contrario, es que me di cuenta de que la gente del País Vasco viene o pasa por Cantabria todos los domingos (sobre todo en verano). Hay unos atascos grandísimos a cualquier hora del día para volver a Bilbao, así que los pasaba escuchando el fútbol en la radio y comiéndome las palmeras que me compraba mi suegra. Algún día os hablaré de las mega palmeras que compra mi suegra que luego la fama de burros la tienen los vascos, pero en alguna cosa los cantabros se llevan la palma.

Después de este periplo me compre casa en Cantabria, e incluso me trasladaron el trabajo allí, y ahí era donde quería llegar yo, a mi primer día de trabajo en Cantabria. Imaginaos el plan: empiezas a trabajar en un sitio nuevo, en una ciudad nueva y encima no conoces a nadie, todo el mundo que haya ido a trabajar fuera de su ciudad natal me entenderá. Además, no sé si es porque los cántabros son así, o solo son los de mi nueva empresa pero la verdad que un poco cerrados ya eran!! Yo me acuerdo de estar sentado en mi sitio y todo el mundo que pasaba no decía ni buenos días…., alguno lo sigue haciendo hoy en día también, pero bueno son los que menos.

Además, los que se suponía que eran de mi equipo se iban a desayunar fuera y no eran capaces de decir ni un simple "vamos a desayunar, os venís……". Os podéis imaginar mi situación... Menos mal que a la vez que entre yo, entró también otro chico que era nuevo en la empresa y el comportamiento con él era el mismo, así que nunca pensé que este tipo de comportamiento era porque soy vasco. Además, con este chico hice buenas migas y por lo menos los dos juntos pasamos el duro trago de conocer a la gente y conseguir amigos en el trabajo.

Bueno, pasado el tiempo vas conociendo a la gente y ahora puedo decir que la verdad es que estoy súper a gusto en esa empresa (más vale que diga esto, que si no, más de uno seguro que me pega un capón :-). Unos ejemplos de compañeros:

Bueno yo creo que para la vuelta de las vacaciones ya está bien, me ha quedado un poco aburrido pero la verdad es que no estoy nada inspirado. Ahhh antes de que se me olvide un saludo a todos mis compañeros de trabajo.

© txefas

[BPR] Vísceras - Entrega XIX

2009-01-15T10:45:00.002+01:00

Apollon (IV)

Solía llamar a su representante. No le gustaban las mañanas para entablar conversaciones sobre sus pinturas. Para eso reservaba las tardes de luz y olor a urbe en plena actividad. Se recogía el pelo, buscaba el número en su libreta y cruzaba los dedos sin demasiado convencimiento. Apollon se sabía carne de cañón, el perfecto objetivo del arte camuflado en la Historia. Sin embargo, no sentía el final del camino en sus intentos por alcanzar una exposición, un hueco donde plasmar sus láminas que siempre reflejaban a June. Solía llamar a su representante como quien llama al cerrajero cuando las puertas se vuelven inservibles.

Horizonte ceniza (VI)

Resulta que una vez que llegas al destino, es cuando empiezas a correr.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[CINE] Siete Días de Mayo

2009-01-12T06:52:00.002+01:00

Hoy comenzamos el curso 2009 volviendo en cierto modo a los orígenes. Hace algo más de cuatro años abrimos las puertas (o mejor dicho, ventanas) de esta sección de cine. Por aquel entonces, en nuestras dos primeras críticas salió a relucir el nombre de John Frankenheimer, y comenté que algún día tendría que hablaros un poco más de este señor. Hoy cumplo con aquel compromiso, recordando la que para mí es una de sus mejores películas.

Los Estados Unidos son un país de lo más interesante. A pesar de tener poco más de dos siglos de historia, pueden enseñarnos mucho en varios campos. Uno de los más importantes es la política, en el que nos llevan una ventaja tremenda. No estoy diciendo que no cometan errores, pero sí que han aprendido de los nuestros, y por lo menos cometen errores nuevos, que ya es algo. Al otro lado del charco, se valora mucho más a la persona que al partido al que pertenece, de modo que el político se lo tiene que currar a base de bien, porque responde personalmente ante su electorado, y los votantes se lo demuestran en cuanto tienen ocasión.

En pocas palabras, los yanquis se toman la política mucho más en serio que nosotros, y dentro de sus fronteras la democracia es sagrada. Digo dentro porque fuera se lo toman de otra manera: si hay que derrocar un gobierno extranjero, se derroca; si hay que apoyar a un dictador, se le apoya (y si dentro de unos años se pone tonto, se aplica el supuesto anterior); si hay que invadir un país, se invade; si hay que bombardear, se bombardea; etc. Pero eso es harina de otro costal, hoy hablamos de política interior. ¿Qué pasaría si esa democracia, tan ejemplar y orgullosa de sí misma, se tambaleara?

1970. El presidente Jordan Lyman no atraviesa su mejor momento. En plena Guerra Fría, acaba de culminar con éxito su iniciativa más ambiciosa en materia de política exterior: un tratado de desarme nuclear con la Unión Soviética. Sin embargo, esta firma le ha pasado factura a la Administración Lyman, ya que ha dividido al país en dos bandos. La facción contraria al tratado ha encontrado a su cabecilla ideal en la persona del general James Mattoon Scott, Jefe del Estado Mayor. Explotando hábilmente el miedo a un ataque nuclear soviético, el general está ganando cada vez más adeptos.

Con el país en tan delicada situación, uno de los ayudantes del general, el coronel Martin “Jiggs” Casey, detecta varios detalles extraños en los círculos militares. Tras juntar las piezas de las que dispone, Casey llega a una aterradora conclusión, lo que le lleva a pedir urgentemente una cita con el presidente Lyman:

- ¿Le asusta llamar a las cosas por su nombre?
- No, señor.
- Pues hable claro, se lo ruego.
- Creo, señor Presidente, que se trata de una conspiración para apoderarse del gobierno, y que el próximo domingo es el día elegido para ello.

Tonto el último. A partir de ese momento, el Presidente reúne un equipo de personas de confianza para investigar la hipótesis de Casey, y tomar las medidas necesarias para impedir el golpe de estado, en caso de que el coronel esté en lo cierto. Todo ello con unos pocos días de margen.

El reparto está encabezado por Kirk Douglas y Burt Lancaster en los papeles de Casey y Scott, estupendamente acompañados por Fredric March como el presidente Lyman. Entre los secundarios podemos ver a Martin Balsam y Edmond O’Brien, que interpretan a dos de los hombres de confianza del Presidente. Ava Gardner tiene un pequeño papel como antigua amante del general Scott. Dirige John Frankenheimer.

“Siete Días de Mayo” es un ejemplo excelente de cómo un buen guión puede mantener la tensión a lo largo de casi dos horas de película, sin necesidad de disparar ni un solo tiro. Destacan sobre todo los primeros cuarenta minutos, centrados en el coronel Casey y en el conflicto de lealtades al que le conducen sus sospechas. A partir de ese momento, Kirk Douglas cede gran parte de su protagonismo a Fredric March, que borda su papel de Presidente, culminando con la discusión entre Lyman y Scott en el Despacho Oval. Por supuesto, Burt Lancaster es el otro punto fuerte de la película, aunque sus apariciones en pantalla estén bastante dosificadas.

Cierto es que el paso de los años y el final de la Guerra Fría han quitado algo de fuerza a la trama. En la época de su estreno aún estaba caliente el cadáver de Kennedy, cuyas discrepancias con el general Curtis LeMay, de las Fuerzas Aéreas, hicieron correr ríos de tinta, sobre todo a raíz de la crisis de los misiles de Cuba. De hecho, hay quien afirma que el general, indignado por la negativa de Kennedy a emplear armas nucleares para destruir los silos cubanos, llegó a plantear la idea de derrocar al Presidente. “Siete Días de Mayo” podría haberse inspirado en esta hipótesis. La novela en la que se basa la película echaba un poco más de leña al fuego, situando la acción en 1974, poco después del final de una guerra con Irán que ha terminado en empate, un conflicto muy similar a la Guerra de Corea.

Lógicamente, el escenario ha cambiado por completo, ya que han pasado más de cuarenta años desde entonces. Sin embargo, “Siete Días de Mayo” no deja de ser una excelente historia de política-ficción, protagonizada por algunos de los mejores actores del momento y rodada con mucha sobriedad. Lástima que los productores de hoy en día hayan perdido la costumbre de leer un poco de vez en cuando.

© Zineman

[VASCO] La Lotería de Navidad

2008-12-19T06:33:00.002+01:00

Sí, ya sé que esto no tiene nada que ver con ser un vasco y vivir en Cantabria, pero como también dije en la presentación, voy a usar estas líneas para hablar de lo que me apetezca, y no podía dejar pasar la oportunidad de hablar de la Lotería de Navidad, más que nada porque para mí, la Navidad comienza ese día.

A este día también le podemos denominar el día la salud Española, sí, sí, de la salud porque ese día en cualquier parte de España escuchas la siguiente conversación:

.- ¿Qué?, ¿Te ha tocado la lotería?
.- ¡¡¡Que bah!!!, ni la aproximación tío
.- Bah, mientras haya salud...

Cojones!!! Parece que ese día todo el mundo está sano y tiene una salud de la ostia!! O es que solamente toca a los enfermos?? Porque otra apreciación mía es que el sorteo es mentira, no le toca a nadie. Esos que salen en la tele descorchando las botellas de champán y diciendo que les ha tocado, es mentira! Yo creo que son actores y que todos los años ponen a los mismos. Además, en la tele de Cantabria, por ejemplo, ponen que ha tocado en Sevilla y en la de Sevilla ponen que ha tocado en Cantabria, porque yo os lanzo una pregunta: ¿Alguien conoce a alguien que le haya tocado la lotería de Navidad? Se tiene que conocer personalmente, no vale tener un amigo que conoce a alguien.

Otra cosa que me hace gracia de este día, es que por ejemplo este año que se supone que estamos en crisis (seguramente ZP todavía lo niegue), es cuando más lotería de Navidad se ha vendido. ¡¡Qué ilusos somos todos!! Y digo todos, porque yo me meto en el bote ehhhh!!! Que vas a comprar un décimo y antes de que te toque ya estás pensando en lo que vas a hacer con el dinero. Vale sí, soñar es gratis, pero en este caso son 20€ lo que te ha costado no????.

Por otro lado, también se vende muchísima lotería por envidia. Si, porque compra uno y dices, "dame a mí el mismo número, no vaya a ser que le toque a este y no a mi". Además, en la lotería de Navidad, no sé por qué, pero casi todos los establecimientos tienen participaciones de lotería. Se podrían ir todos a tomar por c…, porque por la envidia nos obligan a comprar. Al final, cuando se ha hecho el sorteo y te pones a contar lo que te has gastado en la lotería, bien te podrías haber comprado el capricho ese que llevabas todo el año deseando y no te lo habías comprado porque era demasiado caro. Al final va a pasar como el chiste este:

“Se encuentran dos bilbaínos por la calle y le dice el uno al otro:
.- Joder Patxi, que me he enterado que te han tocado 100 millones en la Lotería
.- ¡Aiva la ostia! lo que jugaba….”

Así que muchas veces, más nos valdría comprar menos loterías y hacerle ese regalo a la mujer, que con eso igual salimos ganando algo….

Bueno, os dejo que tengo que ir a comprar el décimo de la empresa, no vaya a ser que les toque a todos y a mí no...

MUCHISIMAS SUERTE A TODOS Y QUE TOQUE EL MIO

PD: Un saludo a mi mujer y a mi futuro hijo (es que luego me echa la bronca mi mujer porque no la saludo).

© txefas

[CINE] El Hijo de la Novia

2008-12-18T06:14:00.000+01:00

Hoy volvemos la vista unos pocos años atrás para comprobar, semanas después de la final de la Copa Davis, que España y Argentina también saben remar juntos. En el año 2002, una coproducción hispanoargentina se coló en la lista de nominados para el Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Aunque no consiguió el premio, supuso uno de los mayores éxitos de crítica y público del cine latino de los últimos años.

“El Hijo de la Novia” no es otro que Rafael Belvedere, propietario del restaurante que lleva por nombre el apellido de su familia, y que consume las 24 horas de cada uno de sus días. Por supuesto, llega el momento en que tanta tensión le pasa factura, en forma de infarto de miocardio. En ese preciso instante, Rafael descubre que la vida le ha pasado de largo: el trabajo en el restaurante le ha costado el divorcio, le ha hecho perderse la infancia de su hija, y le impide avanzar en la relación con su novia, que le exige un mayor compromiso. Por si esto fuera poco, su madre padece el mal de Alzheimer, y está entrando en la peor etapa de la enfermedad.

- ¿Sabés lo que no entiendo? Por qué te peleaste con tu vieja, Rafa. Si es divina, tu vieja. ¿Te mandaste alguna cagada?
¬- No… Las normales, qué sé yo. Anduve medio perdido algunos años, pero nada. No, la cagada fue cuando largué la abogacía. Ahí sí se vino la guerra. Yo no sé qué tenía soñado ella para mí, pero parece que no le cubrí las expectativas. Fue terrible, como si le arruinara la vida. Como si fuera el responsable… qué sé yo de qué. Anduvimos no sé cuánto tiempo sin hablarnos. Yo saltaba de laburo en laburo, mal con Sandra, mal con todo, no me gustaba nada. Al final agarré el restaurante porque no me quedaba otra. Y ahí medio como que empecé a asentarme un poco, a armar algo. Bah, me terminó de cagar el matrimonio, pero me fue bien. Me fue bien. Lo levanté, porque estaba medio caído. Eso me hizo bien. Muy bien. Ahí, justo ahí, cuando podía empezar a mostrarle algo, algo que podía hacer, para tirárselo en la jeta y que me deje de joder para siempre con que no era nadie… Bah, qué sé yo, para que se quede contenta… Viene esta puta enfermedad de mierda… Y ahora no lo puede ver. No lo puede ver. Ahora no lo puede ver.

La impotencia de Rafael es compartida por su padre, Nino, que ante el progresivo deterioro de su esposa Norma decide concederle su deseo de toda la vida: casarse por la Iglesia. Comienza así la historia de un complicado casamiento, que servirá de hilo conductor para repasar la vida de Rafael, conocer y comprender sus problemas, y empezar a poner un poco de orden.

El reparto está encabezado por Ricardo Darín (que se dio a conocer en nuestro país con “Nueve Reinas”), Héctor Alterio y Norma Aleandro en los papeles de Rafael, Nino y Norma Belvedere. Natalia Verbeke es Naty, la novia de Rafael, y Eduardo Blanco interpreta a Juan Carlos, un amigo de la infancia de Rafael. Dirige Juan José Campanella, también coautor del guión.

A pesar de la crudeza del punto de partida, “El Hijo de la Novia” es una película que sorprende agradablemente al espectador. En efecto se trata de un drama en toda regla, pero evita la tentación de centrarse en el problema del Alzheimer, lo que le permite eludir la lágrima facilona. La enfermedad actúa como mera raíz de la idea de la boda, y el verdadero protagonista de la película, tal como avanza su perfecto título, es Rafael, cuyo infarto hace que despierten sus sentidos. El susto no sirve para resolver sus problemas, pero sí para que abra los ojos y se dé cuenta de que tiene que hacer algo con su vida, pudiendo ser la boda de sus padres un buen comienzo. En ellos, Rafael ve finalmente el reflejo de lo que él desea llegar a ser algún día.

- Yo venía por lo de mi papá.
- Ah, sí. Sí, hablé con la Curia, y llegué a hablar con la Suprema Corte del Derecho Canónico.
- ¿Y?
- Quedaron todos sumamente conmovidos con la historia de sus padres. Es más, le cito textualmente lo que sobre su padre me dijo el Doctor-barra-Obispo Monseñor Colombo. Me dijo: “Este hombre no necesita a Dios. Este hombre es Dios.” ¿Qué le parece?
- Que no nos dan el permiso.
- Con todo el dolor del alma, le garantizo. Rafael, el matrimonio, además de ser un sagrado sacramento, es un contrato, y como todo contrato tiene tres condiciones: discernimiento, intención no espuria y libertad. Y bueno, lamentablemente, su madre no tiene discernimiento.
- No, no, no, no, yo no le puedo decir esto a mi papá. Es un hombre mayor. Escúcheme, Dios tiene que entender. Él también es un viejo.
- Dios no es viejo ni joven, ni hombre ni mujer, ni blanco ni negro…
- No, ese es Michael Jackson, Padre. Escúcheme, lo tendría que ver a mi papá. Parece que tuviera veinte años de nuevo.
- Bueno, si quiere puedo hablar con él…
- ¿Pero qué le va a decir? ¿Qué le va a hablar de discernimiento a un hombre que sigue enamorado después de cuarenta y cuatro años? Honestamente, Padre, ¿usted cree que las siete parejas que se vienen acá a casar por sábado tienen discernimiento? ¿No le da ganas a veces de decirles: “Bueno, chico, tu pareja no es lo maravillosa que vos creés que es”, “Este tiene una cara de chanta infernal”, “Ella no va a ser tan comprensiva dentro de tres años”? ¿Por qué no me pidieron discernimiento a mí cuando me casé? ¿Sabe la mala sangre que me hubiera ahorrado? No, cuando me casé, totalmente víctima del amor, algo que ustedes trafican hace dos mil años, me recibieron con los brazos abiertos. Diez años después, ya totalmente en mis cabales y con un discernimiento espantoso, me quiero separar y me dicen: “No, ahora no se puede”. ¡Por favor, Padre, ahora resulta que para ser católico hay que razonar! Mi mamá no razonaba cuando la bautizaron, pero en ese momento no importó. Había que aumentar la clientela, ¿no? El primero te lo regalan, el segundo te lo venden y después se borran.
- Nadie se borra, y mucho menos la Iglesia. Dios te acompaña a todas partes.
- Sí, pero siempre pago yo, Padre. Alguna vez podría invitar la casa.
- Hay una opción. Se llama sanamiento en raíz. Es un trámite que consiste en considerar la fecha del civil como comienzo de la unión.
- Mi papá no quiere un trámite, Padre. ¿No se da cuenta? Él lo único que quiere es cumplirle el sueño a mi mamá, que era casarse por la Iglesia. ¿Cómo no se da cuenta, Padre? ¡Es un acto de amor del que yo no soy capaz! ¡Mire qué flor de eslogan se están perdiendo: cuarenta y cuatro años de amor! ¡Lo tendrían que poner en un poster en vez de darle la espalda!

Por supuesto, como se puede ver, el proceso es largo y duro. Al principio, Rafael opta por la solución radical. Culpa de todo al restaurante, y decide venderlo. Incluso piensa en mudarse a México para criar caballos, sin darse cuenta de que eso es un auténtico disparate. Según va avanzando la historia, Rafael va tomando conciencia de que no tiene un problema sino varios, y de que el restaurante no era ninguno de ellos, sino una excusa. Gracias al apoyo de los suyos, y a su implicación en la aventura nupcial de sus padres, se irá dando cuenta de que él es la raíz del problema, y por lo tanto también de la solución.

- Lo hice todo mal. Todo mal. Nunca te escuché, nunca te di bola a todo lo que me dijiste. Pero parece que lo vi, el problema, y dicen que si lo ves, eso es parte de la solución. La cagada es que no te dicen qué parte es: el cincuenta por ciento, el dos por ciento, no lo sé. Pero yo creo que me hizo bien la terapia. La intensiva, digo. No es verdad que no quiero tener más problemas. Lo que yo no quiero son los problemas con las cuentas, los proveedores, todo eso, pero quiero los tuyos, quiero los de Vicky, los de mi viejo…Te lo juro. Son mi familia, yo los quiero ayudar, ¿entendés? Mirá, yo quiero vivir toda una vida con vos, llena de problemas, los tuyos y los míos, porque esos son problemas, y el que no tiene esos problemas… Bueno, ese es el mayor problema que puede tener.

Todo esto hace de “El Hijo de la Novia” una película muy tierna de principio a fin, que huye en todo momento de sentimentalismos baratos gracias a un guión muy trabajado y con unos personajes muy bien definidos, interpretados magníficamente por un reparto muy compensado, que sale airoso de un reto francamente difícil.

- Antonio Belvedere, ¿acepta por esposa a Norma Pellegrini, para amarla y cuidarla, en salud y enfermedad, hasta que la muerte los separe?
- Y después también.

Aquí cerramos el año cinematográfico 2008, que para mí ha sido muy difícil (jodido es en realidad la palabra) en el terreno profesional por varios motivos, algunos de los cuales he compartido con vosotros en esta web. A lo largo del año me lo han ido quitando todo, y ahora ya no me queda nada más que tristeza, rabia y odio. Tristeza por la oportunidad perdida, rabia por los sucios motivos que han provocado esta situación, y odio hacia sus responsables, cuya talla humana y profesional ha quedado demostrada desde hace tiempo, en especial la del sujeto de las treinta monedas de plata. Al menos Judas tuvo la decencia de ahorcarse.

Durante más de un año he estado luchando contra los molinos, perdiendo una batalla tras otra, y contemplando, sin poder hacer nada para evitarlo, cómo se desmantelaba uno de los mejores equipos de trabajo que ha existido y existirá jamás. Cuando sabes que tu trabajo no va a servir para nada, cada día que pasa te resulta más difícil levantarte por la mañana (de dormir ni hablamos). Lógicamente, esto me ha afectado enormemente en el aspecto laboral y se ha ido abriendo paso en el terreno personal.

Al igual que en malas épocas pasadas, esta sección de cine ha vuelto a ser refugio durante la tempestad, y espero que siga siéndolo, al menos hasta que la marea cambie.

Muchas gracias por la parte que os toca, y feliz Año Nuevo 2009.

© Zineman

[BPR] Astros - Entrega XI

2008-12-16T07:14:00.001+01:00

A destiempo

Un lago en las montañas,
los bolos de la bolera,
las páginas de algún libro,
palabras en mostradores
transmitiendo lo que queda,
la guitarra del amigo,
decenas de cervezas en la oscuridad
de la noche,
las páginas del periódico,
una cena que siempre es la última,
los padres y las madres,
sentadas en Mendoza
protestando por los otros,
los finales que se confunden
con principios,
los reproches de los jefes,
camas desechas,
todo lo que a destiempo
dejamos en el camino.

© Fernando Llorente

[Cine] Appaloosa

2008-12-15T06:26:00.002+01:00

- Nos dedicamos a un trabajo poco habitual.
- ¿Desde cuándo se gana la vida matando?
- No mato. Hago cumplir la ley.

No es raro el caso en el que una película se gesta durante el rodaje de otra. En el plató de “Una Historia de Violencia”, allá por 2005, Ed Harris mataba los tiempos muertos (valga la redundancia) pensando en llevar a la pantalla una novela que había leído recientemente. Además de reservarse la silla de director y el papel protagonista, encontró en su compañero de reparto Viggo Mortensen al actor ideal para interpretar al socio de su personaje.

Después vino lo más difícil: conseguir la financiación. Tras estudiar localizaciones, vestuario y viejos grabados de la época, el presupuesto llegó hasta los veinte millones de dólares, cifra no muy elevada pero bonita suma en tiempos de crisis, sobre todo teniendo en cuenta que el western es un género prácticamente abandonado en la actualidad. Aunque el cartel contara con actores de la talla de Viggo Mortensen, Jeremy Irons y el propio Harris, la luz verde no se encendió hasta que se conocieron los buenos resultados de la serie “Deadwood” o del remake de “El Tren de las 3:10”.

Appaloosa es un pequeño pueblo del Oeste dominado por el ricacho del lugar, Randall Bragg (y no Flagg, fans de Stephen King), cuyos excesos han culminado con el asesinato del sheriff y de sus dos ayudantes. En un intento por recuperar el control de Appaloosa, los vecinos contratan los servicios de Virgil Cole, un pistolero a sueldo que asume el puesto de sheriff y trae consigo al ayudante perfecto, Everett Hitch.

- Nosotros llevamos armas porque sabemos utilizarlas mejor que la mayoría.

A partir de ese momento, Cole y Hitch buscan la manera de detener a Bragg y llevarlo ante un tribunal, aunque por el camino tengan que llevarse por delante a unos cuantos:

- Disparó a tres de mis hombres.
- En realidad sólo disparé a dos. El señor Hitch disparó al otro.

Y las cosas se complican cuando Cole se encapricha de la señora Allison French, una viuda recién llegada a Appaloosa:

- ¿Trabaja en algo?
- Toco el órgano y el piano.
- Entonces no es puta.

Algunos no pensarían lo mismo… En fin, a partir de ese momento Cole intentará conseguir un difícil equilibrio entre su trabajo y su vida amorosa, lo que afectará a Hitch, a Allison y por supuesto a la persecución de Bragg.

El reparto está encabezado por Ed Harris y Viggo Mortensen en los papeles de Virgil Cole y Everett Hitch. Jeremy Irons es el malvado Randall Bragg, y Renée Zellweger interpreta a Allison. En un pequeño papel aparece Ariadna Gil, a la que no veíamos desde los tiempos de “Alatriste” y “El Laberinto del Fauno”, y que regresa a las pantallas por partida doble, con “Sólo Quiero Caminar” además de “Appaloosa”. Según Ed Harris, la fichó tras apreciar su química con Viggo Mortensen en Alatriste.

“Appaloosa” es una película sencilla, que recuerda por momentos a “El Jinete Pálido”, “El Hombre de las Pistolas de Oro”, y sobre todo a la reciente “El Tren de las 3:10”, ya que se centra mucho en el aspecto humano de los personajes, dejando a un lado la espectacularidad de los posibles duelos (de hecho, los pocos que hay son muy breves). Es curioso ver a un pistolero más duro que el salpicadero del troncomóvil metido en un aprieto cuando su novia le pide que elija unas cortinas, o comprobar cómo recurre a su compañero cuando no consigue dar con la palabra apropiada.

En resumen, tenemos otra película entretenidilla, cuyo mayor valor reside en las interpretaciones de Ed Harris y Viggo Mortensen. Jeremy Irons está correcto (su personaje no da para mucho más, la verdad), pero reconozco que no puedo con Renée Zellweger, sobre todo con esas sonrisas forzadas que se marca y que son más falsas que un billete de madera. Qué se le va a hacer…

© Zineman

[BPR] Astros - Entrega X

2008-12-09T07:33:00.001+01:00

Lo que queda

A los raros de corazón

Palomitas y refrescos
una sala vacía con subtítulos
junto a las butacas
antes del "the end"
una pareja que se quiere.

Lo que queda del asunto.

© Fernando Llorente

[VASCO] RS vs. AB

2008-12-05T06:02:00.012+01:00

RACING DE SANTANDER vs. ATHLETIC CLUB DE BILBAO

Lo primero de todo es pedir disculpas a mis queridos lectores por no haber podido realizar un artículo la semana pasada, así que lo que tenía pensado lo guardaré para la siguiente semana, porque no puedo dejar pasar esta sin hablar de este gran acontecimiento.

Antes de nada quiero contaros la importancia que en los últimos años ha tenido para mi este encuentro. Anteriormente era un partido más, pero ahora no, ahora casi casi es un partido a vida o muerte porque están todos los racinguistas, que no racistas (como dice mi amigo Nacho) agazapados, ocultos en las sombras sin decir nada. Así, en caso de que se les ocurra ganar a los leones, pasan lo más desapercibidos posibles. Pero por el contrario, como gane el Racing, pobre de mí. Sírvase un ejemplo de lo que me encontré al llegar a mi puesto de trabajo cuando el Athletic cayó eliminado a manos del Racing en la copa del año pasado:

Pero bueno, esto es lo bueno del fútbol, siempre y cuando todo sea en clave de humor claro está, porque la violencia y esas cosas las dejamos para la gente que no tiene mucha cabeza y claro, las neuronas no les dan para más.

Por otro lado, a mí me encanta esto del pique. Yo empecé a calentar este partido con todo el mundo desde el lunes, porque si no, la cosa no tiene gracia. Luego igual me como las palabras, porque estos del Racing no olvidan nada. Por eso creo que tienen tanta tirria al Athletic, bueno eso…… y un poquito de envidia ehhh (que no se me enfade ninguno).

Bueno y ahora poniéndonos un poquito serios, yo creo que el partido va a terminar 1-2 a favor del Athletic claro está, y encima los goleadores serán:

.- Por parte del Racing: Tchité porque este está acostumbrado a correr delante de los leones.
.- Por parte del Athletic, como nuestro nuevo ídolo de la afición Fernando Llorente , más que nada porque no creo que ninguno del Racing sea capaz de pararlo. Además, este año le han metido al Racing bastantes goles a balón parado y por alto. El otro, cómo no, Joseba Etxeberria, yo creo que pocas veces se ha marchado Joseba sin mojar en el Sardinero.

También quiero aprovechar estas líneas que me presta mi amigo JeSúS para lanzar una pregunta al aire…, ¿por qué en los mayores logros del Racing la afición se ha acordado de los vascos?????, sírvase un ejemplo:

En la celebración del mayor logro de toda la historia del Racing, conseguir una clasificación para la UEFA, en la plaza del ayuntamiento se cantó: ¿Puto vasco el que no bote es?. Perdonad mi ignorancia pero no lo entiendo (por eso es por lo que digo arriba, que un poco de envidia nos tenéis)….

Yo creo que por ahora es suficiente, el lunes intentaré hacer una publicación especial para contaros como viví el partido y sobre todo relataros la victoria del Athletic, pero ante todo:

AUPA ATHLETIC y AUPA RACING, lo único que el domingo el Racing va a perder!!!

© txefas

[BPR] Astros - Entrega IX

2008-12-02T06:29:00.002+01:00

Estantes vacíos
A Álvaro Puertas

Como los vuelos nocturnos
que dejan brillos y estelas.

Hay libros que pende de hilos
y ojos templados
que duran para siempre.

Como los vuelos nocturnos
hubo una vez el todo y nada
en estos estantes vacíos.

© Fernando Llorente

[Cine] Quantum of Solace (Una Dosis de Consuelo)

2008-12-01T06:20:00.002+01:00

Dos años después de su última película, el agente menos secreto de la historia del cine regresa a las pantallas con una nueva aventura. Nos estamos refiriendo, por supuesto, a Bond, James Bond, el agente 007 al Servicio Secreto de Su Majestad.

En 2006, “Casino Royale” nos presentaba a un Bond, James Bond recién ingresado en la élite del MI6, los agentes 00, espías con licencia para matar. Su primera misión le ponía tras la pista de Le Chiffre, el artífice de una red financiera para terroristas, guerrilleros y demás “luchadores por la libertad”. En otras palabras, una especie de banquero que gestionaba los fondos de varios criminales. Lo que sus clientes no sabían era que Le Chiffre especulaba en bolsa con su dinero, planeando y ejecutando sus propios atentados terroristas para “estimular” el mercado financiero de acuerdo con sus intereses.

Los progresos de Bond, James Bond le llevaban a frustrar el último atentado de Le Chiffre, al que hacía perder cien millones de dólares en una arriesgada operación accionarial, poniéndolo en una situación harto delicada. Para recuperarse, Le Chiffre organizaba una partida de póker de altos vuelos (con un bote de entre 100 y 150 millones de dólares) en el Casino Royale de Montenegro. El plan del MI6 era sencillo: meter a 007 en la partida, derrotar a Le Chiffre para evitar que pudiera sanear sus cuentas, y ofrecerle protección a cambio de todo lo que sabía. Aunque Bond, James Bond ganaba la partida, la traición y el chantaje permitían a los socios de Le Chiffre hacerse con el dinero, no sin antes ajustar cuentas con el “banquero”. Sin embargo, al final de la película 007 lograba capturar al señor White, uno de los interlocutores de una misteriosa organización con Le Chiffre. En conjunto, la película iba de más a menos, siendo destacables dos espectaculares escenas de acción y la conclusión de la partida de póker. El resto, sobre todo la parte final, era bastante tedioso.

Casi dos años más tarde, y por primera vez en la saga de Bond, James Bond, una película comienza en el mismo punto en el que concluía la anterior. “Quantum of Solace” (sí, es una birria de título, que por alguna razón ni se han molestado en traducir) arranca con la huida de 007 tras secuestrar al señor White. Comienza entonces una persecución de hora y media, con pequeños parones para que Bond, James Bond cambie de ropa y de escenario, mientras intenta averiguar quién está detrás de todo esto para poder vengarse de los sucesos de “Casino Royale”.

El reparto vuelve a estar encabezado por Daniel Craig en el papel de Bond, James Bond, nuevamente secundado por Judi Dench, Giancarlo Giannini y Jeffrey Wright en los papeles de M, René Mathis y Felix Leiter. El malo de turno es Mathieu Amalric, Jesper Christensen repite como señor White, y las chicas Bond, James Bond son Olga Kurylenko (que nos recuerda ligeramente a la Sophie Marceau de “El Mundo Nunca Es Suficiente”) y Gemma Arterton. Hay una pequeña representación española, ya que Fernando Guillén Cuervo tiene un breve papel como policía boliviano corrupto. Dirige Marc Forster.

Dos años después, “Quantum of Solace” consigue terminar de aburrir al espectador: la trama es plana, el villano es de chiste y los secundarios son más bien terciarios. Bond, James Bond asume el protagonismo absoluto, en lo que podría resumirse como una pelea contra todos, tanto amigos como enemigos. Lo único que no falla es alguna buena escena de acción, pero eso no es suficiente para sostener una película cuya única ventaja sobre su predecesora es una duración sensiblemente menor. Incluso la canción de los créditos iniciales (“Another way to die”, de Alicia Keys y Jack White) es mala, y el cartel es mejor ni verlo.

La crítica ha sido bastante dura con la película, y parte del público ha comenzado a unirse. Esperemos que la productora tome buena nota para la siguiente entrega, aunque 007 cuenta con una legión de fans incondicionales que tienen ese dichoso inconveniente: son incondicionales. Y mientras no baje la taquilla, poca presión podemos hacer los demás espectadores.

© Zineman

[FotoBlog] Puzzle v2.0

2008-11-26T05:29:00.002+01:00

Descripción/Comentario:

Descripción/Comentario: Cuatro mil piezas que componen un paisaje del valle italiano de Villnos en pleno otoño, con los Dolomitas de fondo. Dan ganas de perderse por allí una temporada, ¿verdad?

Ficha Técnica:

Autor: Zineman
Cámara: Hewlett-Packard Photosmart 735
Velocidad de Obturacion: 1/8 seg.
Apertura de la lente: F/2,7
Longitud Focal: 6 mm
Fecha: 27.08.08
Lugar: Soto de la Marina (Cantabria)

© Zineman

[BPR] Astros - Entrega VIII

2008-11-25T07:18:00.002+01:00

Hombre del tiempo
A Jesús Ángel Adamez

Los malos vientos de este noviembre
entre isobaras y alertas.

El hombre del tiempo
que se atreve con todo.

La luz del verano que hoy vives
en estos penosos días de invierno.

© Fernando Llorente

[Cine] Red de Mentiras

2008-11-24T06:42:00.003+01:00

¿Deberíamos estar ahí o no? Da igual cuál sea la respuesta a esa pregunta porque estamos ahí, estamos cansados y no vemos el final. Ni siquiera podemos consolarnos pensando que nuestro enemigo está tan cansado como nosotros, porque no lo está. Es una falacia que una guerra prolongada debilita al enemigo ocupado. Lo más probable es que el enemigo se fortalezca, se acostumbre a la privación, se adapte y responda en consecuencia, mientras que aquí en casa cada muerte hace que la opinión pública pase rápidamente de estar a favor a estar en contra, y de ahí a mostrarse completamente hostil. La gente está harta de guardar un minuto de silencio en los partidos de béisbol. Quiere oír que se ha acabado.

A raíz de los atentados del 11 de septiembre de 2001, el cine yanqui ha encontrado en el terrorismo islámico una nueva fuente de inspiración. Tenemos películas para todos los gustos: las que se centran en los sucesos de aquel día en Nueva York, como “World Trade Center” y “United 93”; las adelantadas a su tiempo, como “Estado de Sitio”; las que intentan plantar cara al enemigo, como “La Sombra del Reino”; y las autocríticas, como “La Guerra de Charlie Wilson”, “Syriana” o la que hoy nos ocupa, “Red de Mentiras”. Dejamos a un lado las que se centran en las guerras de Irak, como “Tres Reyes”, “Jarhead” o “En el Valle de Elah”, pues van camino de formar un subgénero propio.

Al-Qaeda está machacando Europa. Los últimos atentados en Manchester y Amsterdam han sido tan brutales que el pánico se ha extendido por todo el continente. Al otro lado del charco, la CIA centra sus esfuerzos en la búsqueda del terrorista Al-Saleem, líder de una de las facciones más radicales de los chicos de Bin Laden. Bajo la dirección de Ed Hoffman, el agente Roger Ferris se desplaza hasta Jordania, donde colaborará con el jefe de la inteligencia local, Hani Salaam.

A pesar de compartir objetivos, las diferencias de criterio entre estadounidenses y jordanos no tardan en hacer aflorar las primeras tensiones y desconfianzas mutuas, aunque ambos saben que están condenados a entenderse si quieren tener éxito en su misión. Por si esto fuera poco, Ferris se complica un poco más la vida al encapricharse de una joven enfermera de origen iraní.

El reparto está encabezado por Leonardo DiCaprio y Russell Crowe en los papeles de Ferris y Hoffman. Mark Strong, al que vimos interpretando a Septimus en “Stardust”, da vida al inquietante Hani Salaam. Dirige Ridley Scott, con guión de William Monaham (guionista de “Infiltrados” y “El Reino de los Cielos”) basado en la novela de David Ignatius, publicada el año pasado. Como podéis ver, se han dado prisa en llevarla al cine.

“Red de Mentiras” reúne varios elementos bastante frecuentes en este tipo de películas: el protagonista que se sitúa en primera línea, y que en el fondo parece un hombre de conciencia; su jefe dirigiendo la operación vía satélite, sin apenas salir de Langley (salvo un par de viajes a Jordania que, la verdad sea dicha, no parecen necesarios), hablando por teléfono mientras cumple con sus obligaciones familiares, y despreciando sin disimulo al colega jordano; el aliado en territorio enemigo, en el que nunca se confía plenamente, independientemente de que lo merezca o no (extremo que tampoco está precisamente claro); la joven que se cruza en el camino del protagonista (y que representa la gran diferencia con respecto a la novela, donde la esposa de Ferris desempeñaba el protagonismo femenino); etc, etc, etc.

Con todo ello, Ridley Scott construye una película correcta aunque bastante justita, basada en las mentiras que cada personaje intercambia con los demás, y que constituyen la red que da título a la historia. Las interpretaciones de DiCaprio y Crowe son bastante mecánicas, recordándonos mucho algunos de sus trabajos recientes, como “American Gangster” o “Diamante de Sangre”, en plan más bien alimenticio. Esto hace que destaque la interpretación de Mark Strong, ya que tiene un personaje mejor definido y dosificado a lo largo de la película, que se erige en antagonista de la CIA ante la escasa presencia en pantalla de Al-Qaeda. Desconozco si es un acierto del guionista, intentando criticar las peleas internas del grupo de los supuestos “buenos”, o algo simplemente involuntario.

Sea como fuere, las películas que nos llegan semana tras semana evidencian una falta de frescura bastante preocupante. Supongo que en época de crisis los productores no quieren correr riesgos y optan por historias bastante simples que intentan vender colocando grandes nombres en el cartel. “Red de Mentiras” es un buen ejemplo de ello.

© Zineman

[BPR] Vísceras - Entrega XVIII

2008-11-21T07:54:00.002+01:00

Denver (VIII)

Todo sucedió esa mañana demasiado rápido. El viaje en avión, el madrugón, las presentaciones y el primer café del día. Iba impecablemente vestido, con una corbata roja y pantalón de pinzas. Se sentía cómodo, a pesar de que era la primera vez que se ponía un traje para ir a trabajar. Solía preferir viajar solo, como esa mañana, sin conversaciones ligeras ni réplicas a destiempo. Cuando llegó a la capital, encaró el primer taxi que encontró y con ligereza indicó su lugar de destino. Llegó con el tiempo justo, todos los asistentes habían ocupado sus correspondientes sillas nominales. Saludó como él sabía hacerlo, dejando en cada uno de los ejecutivos la nostalgia de algo lejano. Se desparramó sobre la silla y ojeó distraídamente sus cuatro apuntes mal caligrafiados. Se sentía seguro de sí mismo, entendía que no dejaban de ser meros negocios. Pasada la primera hora, la reunión comenzó a volverse tensa desagradable y los nervios empezaban a hacer estragos. Era una situación bien conocida y frecuente y era cuando Denver pensaba en castillos de arena y en esa luz que su madre le enseñó a buscar en los días de verano. Era entonces cuando definitivamente tiraba los papeles de su mente y se preguntaba que cojones estaba haciendo en una mesa repleta de desconocidos.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[VASCO] Primera Toma de Contacto con Cantabria

2008-11-21T06:26:00.006+01:00

Era finales de septiembre, después de estar todo el verano recorriendo los pueblos de la geografía Bilbaína de fiesta en fiesta (solamente los viernes y sábados a la noche ehhhh), y habiendo sido un verano bastante aciago en cuanto a arrimar la cebolleta, bueno algunos tuvieron más suerte que otros, pero realmente un servidor se gastó el dinero de los condones en aspirinas para el domingo (las resacas pueden ser descomunales). Es que en Euskadi eso de arrimar la cebolleta no se lleva, así que tenemos que hacer turismo sexual con las provincias limítrofes.
Sí, ya sé que tú has ido a Euskadi y has arrimado la cebolleta pero lo que pasa es que las aldeanitas prefieren lo extranjero a lo autóctono. ¡Tan radicales para algunas cosas y luego en lo importante………!!

Así que se podría decir que la principal opción de ir a Cantabria era para ver si había suerte y uno arrimaba la cebolleta (alguno pensara que hay otras opciones, pero realmente no son de mi agrado). Ahora había que elegir el destino dentro de Cantabria y se barajaban varias opciones:

1.- Castro: Ya habíamos estado y pareció que no salimos de Bilbao (es que
Castro en esta época del año es más bilbaíno que el casco viejo en sus mejores años), por lo que lo descartamos.
2.- Noja: Tenia buena pinta porque hay un dicho que dice "en Noja la que no es puta es coja", y yo todavía no he visto cojear a ninguna, pero pensamos que en esta época del año sería como Castro, descartado.
3.- Laredo: Uno de los que venía a hacer turismo sexual tiene casa allí, y dice que pasa lo mismo que en Castro.

Al final después de mucho pensar (lo que nos dejaba la cabeza para un domingo), decidimos que no hay nada mejor que la capital, por lo que preparamos el viaje para ir a Santander, buscamos un hostal por Internet, compramos los condones (todo el mundo sabe que hay que estar preparados) y quedamos para el sábado siguiente a las 17:00.

Llego el sábado a las 17:00 y allí estábamos 10 personajes por que no se nos podía llamar de otra forma, con sus mejores galas preparados para realizar la conquista de las tierras cantabras (que pena no tener una fotografía)

La verdad es que pasamos una noche bastante divertida, debido a que aquí se puede entablar conversación con las tías sin que te corten a las primeras de cambio. Bueno de arrimar la cebolleta nada de nada, pero a mí me paso la cosa más maravillosa del mundo: conocí a una muchacha superespecial, fíjate si ha sido especial que ahora mismo es mi mujer y la madre de mi futuro hijo...

Pero bueno el quid de la cuestión es que lo único reseñable de la noche a parte de las copas que nos tomamos, los bailotes que echamos y las mujeres que conocimos, es que pudimos observar una pelea de mujeres y al final acabamos en una discoteca a las 8:00 de la mañana con un grupo de mujeres que nos llevaron a desayunar churros. Fue lo único que mojamos, aunque nos fuimos a dormir bastante contentos (y no solo por el alcohol que llevábamos en el cuerpo).

A las 12:00 de la mañana tuvimos que abandonar el hostal con la cartera llena de condones pero sin un duro ;-), aunque la verdad es que mereció la pena porque lo pasamos muy bien y seguro que volveríamos dentro de poco (joder que si volví, como que ahora vivo en Santander, ¡quién me lo iba a decir a mí ese día!).
Por lo demás, el domingo bien, nos comimos una paellita en Ajo .

y luego volvimos a Bilbao que había que ir a ver a nuestro querido Athletic.
Así que resumiendo, pasamos un fin de semana divertido distinto, pero la cebolleta la teníamos igual de cargada, lo único que unos pocos teníamos unos números más de teléfono en el móvil.

© Txefas

[VIDA] Positivo

2008-11-19T06:55:00.002+01:00

- ¡¡Qué asco de vida!!
- A mí me ocurren siempre las cosas malas
- Y encima me viene ahora esta multa.
- ….

Todas estas frases y muchas más estamos acostumbrados a decirlas y oírlas en todo momento.

Parece fácil decirlo pero hay que ser positivo, sino todo ira mal. A nuestro alrededor tenemos un halo de energía, el cual se carga de energía positiva o negativa. Sé que puede sonar a coña, pero os invito a hacer una prueba:

Pensad en amig@s antiguos del colegio y que queréis ver, pensadlo por la mañana, por la tarde y por la noche. Incluso anotadlo en una hoja a todas las horas del día en las que os acordéis de ello, y en breve os encontraréis con un amig@ del colegio con el que tomaréis un café. A partir de este momento te darás cuenta de que existe esa energía a nuestro alrededor y podrás hacer y conseguir en la vida todo aquello que quieras.

Nunca pienses en lo que no quieres, piensa siempre en lo que quieres.

Ya me contaréis cómo os va y pensad siempre en positivo. Hay que ver el vaso medio lleno. Hay más cosas en la vida para estar alegre que triste.

© idexxa (Texto y Fotografía)

[WWE] Noticias Express

2008-11-18T07:44:00.000+01:00

Y la WWE sigue haciendo límpia... Si la semana pasada habábamos de que SuperCrazy dejaba la empresa de McMahon junto al polémico Adamle (que no cuajó ni de comentarista ni de GM), a lo largo de esta semana les han dado boleto a: Paul London (el de barbita "ex-vitamínico"), Chuck Palumbo (este tenía que haberse ido tras las constantes humillaciones de Noble), Kenny Dykstra (la eterna promesa más vago que Ronaldo), Elijah Burke (que últimamente ni contaba) y Lena Yada (esta ni me suena...)

El Lunes en RAW le volvieron a regalar el Título Intercontinental a William Reagal, que madre mía cuánto le quiere Vince...

Ya se va confeccionando la lista de combates para Survivor Series, uno de esos PPVs que suelen merecer la pena:

- Team Michaels (Rey Mysterio, The Great Khali & Cryme Tyme) vs. Team JBL (Kane, MVP, The Miz & John Morrison) Traditional Survivor Series Elimination Match
- Team Batista (CM Punk, Kofi Kingston, Matt Hardy & R-Truth) vs. Team Randy Orton (Cody Rhodes, Shelton Benjamin, William Regal & Mark Henry)
- World Heavyweight Champion Chris Jericho vs. John Cena
- The Undertaker vs. Big Show in a Casket Match
- WWE Title Champion HHH vs. Jeff Hardy vs. Kozlov

No tiene mala pinta eh!!!!

© JeSúS

[BPR] Astros - Entrega VII

2008-11-18T06:33:00.003+01:00

Escalada

Un pellizco para asegurarse
que está despierto.

Un asunto menor que recorre
los pasillos en penumbra.

Un barranco sin caída
ante las últimas horas
del atardecer.

© Fernando Llorente

[Cine] La Conspiración del Pánico

2008-11-17T06:41:00.002+01:00

La teoría de la conspiración ha sido un filón para el cine estadounidense, habiendo experimentado un especial auge en la parte final del siglo XX y sobre todo a principios del XXI, después de los atentados del 11-S. Temas como la amenaza terrorista, la paranoia y el control gubernamental han dado mecha para muchos guiones. Como suele pasar en estos casos, tenemos películas para todos los gustos, cubriendo todo el espectro existente de calidades. La última muestra llegó a los cines hace cosa de un mes, con el título de “La Conspiración del Pánico” (traducción, más que libre libertina, de “Eagle Eye”).

Jerry Shaw es un joven carente de toda motivación, pues ha vivido siempre a la sombra de los continuos éxitos de su hermano gemelo Ethan. Tras la muerte de éste en un accidente de tráfico, Jerry apenas tiene tiempo para asimilar su pérdida, ya que al regresar a su domicilio descubre gran cantidad de material básico para cometer atentados terroristas. Inmediatamente después recibe una llamada telefónica de una misteriosa voz femenina que le empieza a dar órdenes, demostrando además que parece observarlo, saberlo y controlarlo absolutamente todo.

A Rachel Holloman le sucede algo muy parecido, ya que la misma voz amenaza con matar a su hijo si no obedece al pie de la letra sus instrucciones. Tras reunir a Jerry con Rachel, la voz sigue impartiendo una orden tras otra, cruzando el camino de la pareja con personas que parecen estar en su misma situación. Sin embargo, a medida que se suceden los acontecimientos va cobrando fuerza la idea de que Jerry es la clave de un enigmático plan.

La película está protagonizada por Shia LaBeouf, ese chico del que Ardorín dice (y no sin razón) que se trata en realidad de Jorge Lorenzo sin chupa-chups, gorra ni “amoto”, y al que pudimos ver en “Transformers” y en (sigh…) “Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal”. Le acompañan Michelle Monaghan, la novia de Tom Cruise en la absolutamente prescindible “Misión Imposible III”, como Rachel, y Billy Bob Thornton y Rosario Dawson (la Roxana de “Alejandro Magno”) como agentes del FBI y del ejército, respectivamente. Michael Chiklis, la Cosa de “Los 4 Fantásticos”, interpreta al Secretario de Defensa estadounidense, y por razones obvias omito la identidad de la actriz (aquí va una pista) cuatro veces nominada al Oscar que se encuentra al otro lado del teléfono, y que pidió no ser incluida en los créditos de la película. Dirige D.J. Caruso, que no es ningún disc-jockey sino algo mucho peor: el director de “Vidas Ajenas”, una de las más absurdas películas de intriga de la historia. Sustituye en el cargo a Steven Spielberg, productor ejecutivo y también autor de la idea preliminar en la que se basa el guión.

“La Conspiración del Pánico” nos recuerda en cierto modo a algunos productos bastante decentes del mismo estilo, como “Enemigo Público”, “Última Llamada” y “Yo, Robot”, e incluso un poco a “The Game” y “Juegos de Guerra” (sí, parece que la cosa va de jugar). De hecho, es un producto bastante correcto (en la media para los tiempos que corren), aunque no carece de tópicos facilones que la hacen bastante previsible en varias escenas. Con todo, es una película entretenidilla, con algunas buenas dosis de acción y sin fantasmadas excesivamente insultantes. Lo suficiente para pasar el rato, que no es poco con la cartelera de hoy en día.

© Zineman

[VASCO] Un Vasco Vino a Cantabria

2008-11-14T07:22:00.009+01:00

Carta de Presentación

006.- Aupa Athletic [06.03.09]
005.- Juegos Infantiles
004.- Mi Primer Dia de Trabajo
003.- La Lotería de Navidad
002.- RACING DE SANTANDER vs. ATHLETIC CLUB DE BILBAO
001.- Primera Toma de Contacto con Cantabria

[VASCO] Carta de Presentación

2008-11-14T06:11:00.004+01:00

Lo primero de todo es presentarme, soy un bilbaino de pro, bueno mejor que Bilbaino se podría decir un Getxotarra, en definitiva un vasco, pero un vasco de Pro ehhhh, no un lila de esos que últimamente abundan por el mundo. Porque ya sabéis que en Euskadi a los maricones se les llama lilas, ya que en Euskadi somos todos muy machos y no puede haber maricones de esos (aunque realmente abundan como en todo los sitios, últimamente parece un virus, menos mal que mi mujer tiene un buen antídoto para que no me infecte).

Además como buen Vasco que soy, me encanta el fútbol y en especial el Athletic Club de Bilbao, aunque en lo que me difiero un poco con el resto de mis compatriotas es que en el resto de los deportes soy seguidor acérrimo de los deportistas españoles (incluyendo en españoles a los deportistas vascos claro está ehhhhhhhh).

Una vez dados los datos importantes de mí, en resumen que soy vasco y del Athletic, los otros datos ya los iréis descubriendo a lo largo de mis relatos. Me dispongo a decir de qué va a tratar esta sección:

1.- Como habréis podido notar por el título, me dispongo a relatar mis vivencias en tono de humor, claro está, en el territorio vecino y a veces pienso que enemigo llamado Cantabria, esa provincia infinita. Por esta razón pido que nadie se sienta ofendido.

2.- Hablaremos del mejor equipo del mundo, el Athletic Club de Bilbao, sí, ya sé que actualmente son muy malos, pero en mi corazón son los mejores. (Aunque como esto siga así por mucho tiempo van a acabar con mi corazón).

3.- También hablaremos del Racing como no???, y del resto de equipos de la liga, así como todo lo que tenga que ver con el deporte.

Bueno eso es todo, que para una presentación me parece un poco largo, y no voy a dejar nada al final para los primeros capítulos y me tengo que ir a comer un pintxo.

Ante todo agradecer a JeSúS el haberme dado este espacio para poder explayarme contando mis vivencias riéndome de mí mismo y de la gente que es lo que interesa, sobre todo pasar unos ratos superagradables con todos.

© Txefas

[BPR] Prólogos - Denver y June (II)

2008-11-13T06:26:00.002+01:00

(Prologo II)

Al sol siéntate. Y abdica
Para ser rey de ti mismo.

(Ricardo Reis)

¿Has visto la luz?

La niña estaba sentada en la arena. La madre, a unos metros. En el horizonte se perdían los trazos de unas nubes color naranja. La madre, de vez en cuando, alzaba la vista del libro y observaba a la niña jugar. Más por costumbre que por preocupación. La marea estaba baja. Tendría que andar unos metros por la orilla y adentrarse en ella si quería que sus pies se cubriesen con la espuma del mar. Pero aún era pronto para eso, pensó la madre. Luego, miró el reloj. Marcaba las diez de la mañana.
Al salir del coche en el aparcamiento, la madre se había vuelto hacia la niña, mientras intentaba encender un cigarrillo, y le había preguntado:
-¿Has visto la luz?
Al principio la niña no le entendió. Era demasiado pequeña. Miró al cielo, un cielo azul y despejado. Su madre se hacía un hueco con los dedos de la mano, para poder encender el cigarrillo, y con la barbilla gesticulaba para que la niña mirase hacia lo alto. Era temprano. El sol quedaba por debajo de ellas, tras los pinos y los chalets baratos. Había en todo una luz especial, pero eso, la niña, no lo sabía. Sólo más tarde, pasados los años, lo volvería a encontrar. Esta vez, no en la playa, sino en palabras de Cernuda (Aunque sólo dure unos días, la luz parece eterna). Una luz especial, dijo la madre de nuevo dándole la mano. Como la que deja en ti una buena comida o tu bebida favorita. Mientras caminaban con dificultad por las primeras dunas, la niña recordó las palabras de la madre y pensó al instante en bombones de chocolate y zumo de frambuesa.
Elegían siempre la misma playa e iban al amanecer. Cuando tan sólo paseaban los jubilados a sus perros. A esa hora insólita, amanecían también las parejas de enamorados, entumecidas y ocultas tras los escombros del viejo casino. En los días claros, como hoy, la niña y la madre podían ver el Palacio al fondo, al otro lado del mar, junto a las pequeñas velas blancas como gaviotas reflejadas en las aguas. Veían, incluso, la ciudad. La ciudad gris en donde vivían.
Día tras día, buscaban el mismo sitio y la niña realizaba idénticos rituales: cogía la arena con el cubo y la pala de plástico; la amontonaba en un lugar concreto; y luego, con el pequeño rastrillo, ahondaba en la arena para construir un buen foso. A continuación, empezaba con la edificación del castillo y el traslado de agua para cubrir el foso. Tenía la convicción de que si se esforzaba, y la marea y el viento la dejaban, el castillo crecería tanto como ella. Y si tenía paciencia, cabría dentro. Quizá no de pie, ni de rodillas, pero sí sentada. Mientras, la madre permanecía tumbada en su toalla, a unos metros de la niña, leyendo una revista.
-¿De qué trata? –preguntó la niña.
-Es una revista de poesía.
La niña sabía lo que eran los poemas. En la escuela, le hicieron memorizar algunos. A ella le gustaba, sobre todo, aquel que empezaba así: Los días de fiesta/ van sobre ruedas./ El tiovivo los trae, y los lleva… Pero no recordaba más, por lo que le pidió a la madre que le leyera cualquiera de la revista, por si se parecía.
La madre accedió, y le eligió uno. Lo leyó con voz clara y melódica, como si entonara una canción, con la barbilla ligeramente levantada y el temblor en los labios:
-Que la vida tenga/ siete dimensiones./ Que haga sol de su sombra/ y de su nieve lumbre…

La madre siguió leyendo, pero la niña ya no le prestó atención. Un niño se había acercado al castillo y ella le observaba atenta desde donde estaba. El niño tenía el flequillo demasiado largo. Apenas se le veían los ojos, como si quisiera esconder un defecto. Estaba muy moreno, los pies los tenía negros. Fue lo primero que vio la niña, sus pies morenos. Lo segundo, un bañador demasiado grande color granate.
-Si quieres te puedo ayudar. Entiendo de castillos –le dijo el niño.
Tendría la misma edad que ella, pero cuando fruncía el ceño, parecía mayor.
-Vale –dijo la niña.
-Es de lo que más entiendo –continuó el niño-, de castillos. Me paso el día levantando castillos en la arena.
-¿Y en invierno también?
-En invierno, los hago de papel, en el garaje de mi casa -contestó el niño.
La niña sonrió.
-Está bien. Me puedes ayudar, pero por mucho que tú sepas de castillos, nunca sabrás más que yo. Eso no lo olvides.

Estuvieron toda la mañana acarreando arena, añadiendo más dependencias, ensanchando las murallas y evitando que el agua les estropease lo ya construido. Antes de marcharse, la fortaleza parecía una verdadera ciudadela. Con sus torreones, sus almenas e, incluso, sus diminutas ventanas.
-Si lo hiciéramos mayor, podríamos entrar, subir por las escaleras de caracol de la torre del homenaje y pasearnos por las murallas. ¿No crees?
-Puede –dijo el niño, aunque no muy convencido.
-¿Y sabes lo que veríamos por esas pequeñas ventanas?–le preguntó la niña.
-No –contestó él.
-Otra ciudad, otra playa –dijo ella.

La madre se levantó y sacudió con cuidado la toalla. Se marchaban ya. Metió la revista en el bolso de mimbre y recogió las colillas de los cigarrillos que había fumado. Las guardó en un trozo de papel de plata.
-¿Vendrás mañana? –preguntó el.
-Quizá. Mi madre dice que depende de la luz –contestó ella levantándose y sacudiéndose la arena del bañador.
Se despidieron. La niña le dio un beso en la mejilla. El niño se quedó rígido. Un beso era lo que menos esperaba.
Ya desaparecían la madre y la niña de su vista, cuando el niño reaccionó y gritó:
-Aún no sé tu nombre, ¿cómo te llamas?
Ella se giró. Avanzaban por la orilla, madre e hija, cogidas de la mano. Pronto subiría la marea y se lo llevaría todo. El castillo, con sus torres y murallas, desaparecería. Nadie negaría que aquello fuera un sueño. Las olas o la espuma, qué más da.
-Me llamo June –le gritó ella.
June, pensó, es raro, pero me gusta.
-Yo soy Denver.

© Aarón Pérez-Bolívar(texto), Ricard Clupés (fotografía)

[BPR] Astros - Entrega VI

2008-11-11T06:16:00.004+01:00

Bohemia

Son escalones de madera que cruge
de paredes torcidas y mustias.

Claros y oscuros ningún brillo
vírgenes de plata en los rellanos.
Deberes sin hacer al final de una tarde
compuestos y sin novios las
altas azoteas de pisos vacíos.

© Fernando Llorente

[Cine] Asesinato Justo

2008-11-10T06:32:00.001+01:00

Esta semana nos visitan dos de las leyendas vivas de Hollywood, que coinciden por segunda vez en la pantalla. Estamos hablando, cómo no, de Robert de Niro y Al Pacino.

Turco y Rooster son dos de los policías más veteranos del departamento. Después de treinta años de carrera, se enfrentan al que podría ser su último gran caso: un asesino en serie que se dedica a eliminar criminales que han eludido a la justicia gracias a tecnicismos legales, o a simple y pura suerte. Durante la investigación, empieza a cobrar fuerza la hipótesis de que el asesino es un policía, y las sospechas no tardan en recaer en uno de los dos protagonistas.

El reparto, como hemos comentado, está encabezado por Robert de Niro y Al Pacino en los papeles de Turco y Rooster. Entre los secundarios podemos ver a Carla Gugino (la agente de la condicional que controlaba a Mickey Rourke en “Sin City”), en el papel de forense maciza, y a John Leguizamo y Donnie Wahlberg (el hermano feo de Mark Wahlberg), que interpretan a otra pareja de policías. Brian Dennehy tiene un papelito como jefe de policía. Dirige Jon Avnet, el perpetrador de “88 Minutos”.

Que De Niro y Pacino son dos grandísimos actores es algo que nunca hemos puesto en duda, y que su carrera está en claro declive desde hace años es algo que tampoco admite mucha discusión. Hace cosa de doce o trece años, cuando todavía rodaban películas buenas, coincidieron en “Heat”, una película a la que le sobra metraje por todos lados, y en la que apenas compartían pantalla unos pocos minutos. Tampoco ayudaba el doblaje, ya que Ricard Solans, doblador habitual de ambos, se quedaba con De Niro en detrimento de Pacino, al que doblaba un Salvador Vives que no estaba a la altura del personaje.

Ahora, en plena sequía creativa, a algún genio de Hollywood le ha dado por coger la premisa de la serie “Dexter” y mezclarla con las películas de “Arma Letal”, o más bien las de Jack Lemmon y Walter Matthau. Lo cierto es que más les hubiera valido darle una vuelta a la idea, ya que “Asesinato Justo” es una historia tremendamente simplona y previsible que se aprovecha del currículum de sus dos cabezas de cartel, algo que siempre ha sucedido en el mundo del cine y que en los últimos tiempos empieza a ser alarmantemente frecuente.

Definitivamente, esta gente ya no está para muchas fiestas. De Niro había tenido un acierto con “Stardust”, y parecía estar enfocando su carrera hacia la dirección de películas tras el éxito de “El Buen Pastor”, sobre la que hace poco anunció estar planeando una segunda parte, e incluso una tercera. En cuanto a Pacino, ya ni se acuerda de la última película realmente buena que rodó (probablemente “El Dilema”, allá por finales de 1999). La verdad, desconozco qué pecado hemos podido cometer para que nos castigara con engendros como “88 Minutos”. Tal vez la rodó para que, a su lado, “Asesinato Justo” pareciera shakespeariana.

Llevamos ya muchos meses lamentando y denunciando la gravísima sequía creativa que sufre el mundo del cine, sobre todo en el género de intriga, donde el guión cobra aún más importancia si cabe. Espero poder ver algún día la luz al final del túnel, aunque con la suerte que tenemos es posible que en ese momento nos caiga el techo encima.

© Zineman

[WWE] ¿Estamos Locos?

2008-11-07T06:47:00.009+01:00

¿Estamos locos? ¿Pero a qué estamos jugando? Osea que hace dos domingos en el Cyber va Batista y le quita el Título de los Pesos Pesados a Jericho, y llega este lunes en el especial de RAW (800 programas, madre mía, ni "FallConcrest" - o como se escriba) y en un combate en Jaula de Acero el Jericho va y recupera el Cinturón!!!! Pero eso no es todo, es que encima se ha montado ya el próximo combate por el Título y no va a ser una revancha... nono. Para Survivor Series tendremos un Jericho vs.... John Cena el próximo 23 de Noviembre. ¿Pero qué es estoooooooooooooo?

Ah, también se han añadido un par de combates más a la cartelera de Survivor Series:
- HHH vs. Kozlov por el Título de la WWE
- Undertaker vs. Big Show en un Combate de Ataúd

En otro orden de cosas, la WWE ha fichado al viejuno "morcilla dorada" Goldust (42), no sabemos muy bien si para acompañar a Pipper y cia en cutre combates para reirse de Santino Marella y cia o para luchar en plan serio...

Se sigue especulando con la lesión de Bourne, y parece que podrían confirmarse los peores augúrios con 4 meses de baja ya que podría tener rotos los ligamentos del tobillo!! Aunque bueno, con la WWE nunca se sabe... no sería la primera vez que los plazos de recuperación de las wrestlers (perdón, superstars...ah, no espera, que ahora son... Entertainers) se acortan "milagrosamente"...jeje.

El otro día me preguntaba un colega por Edge. Estad tranquilos que volverá en las fechas de Survivor Series, que el chaval necesitaba un descanso para desconectar de la WWE tras llevar todo el peso de SmackDown sobre sus espaldas en los últimos meses y recuperarse de algunas pequeñas molestias... en resumen, que es una p.nenaza q no aguanta la presión... JAJAJJAA

En el capítulo de despidos, esta semana le ha tocado a SuperCrazy abandonar la disciplina de la WWE.

© JeSús

[BPR] Vísceras - Entrega XVII

2008-11-06T07:22:00.002+01:00

Aart y Ellen (I)

Se encontraban en el hospital como dos vagabundos perdidos. Los pasillos kilométricos plagados de enfermeras y médicos inexpresivos se intuían como un final del camino. Se miraban de reojo, sintiendo en sus cogotes la ira del punto de llegada. Porque efectivamente se encontraban a punto de rebasar la meta. Ellen marcaba con su mirada los relojes de las paredes como si fueran teléfonos. Aart intentaba buscar la recepción asumiendo el fracaso de su intento cuando por fin un médico les agarró de los hombros, con la certeza del que sabe que manda en su territorio, Ellen no pudo reprimir el llanto. Aart nunca tuvo una palabra amable para los desconocidos, pero en ese momento, le dio las gracias al doctor sin apenas mirarle a los ojos. Todo estaba correcto, su hijo viviría mirando a la vida con unos ojos que apenas dejarían destellos del pasado. Ellen y Aart entrelazaron sus gestos y
supieron que Denver haría todo lo posible por alcanzar la dicha entre las oscuras sombras que alguien dibujó en los muros de todos nosotros. Era una incubadora y la soledad de unos padres perdidos en los pasillos de un maldito ambulatorio de provincias.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía), Laia (modelo)

[VIDA] Todo el mundo tiene algo que decir

2008-11-05T05:40:00.003+01:00

Sentado en un banco en una ciudad cualquiera observaba el pasar de la gente. A mi lado se sentó un viejete con unas gafas enormes, con boina de cuadros y en sus orejas colgaban unos audífonos. Sin darle mayor importancia seguí pasando las hojas del periódico con gran rapidez. En ese momento me sentí observado. El viejo me estaba mirando mientras se llevaba el dedo a la boca indicándome que no hiciera ruido. Bastante molesto le dije:

- ¿Qué pasa?
- y él me contestó: ¿No lo oyes?
- Oir ¿Qué? - le repliqué.
- A la gente. Todo el mundo tiene algo que decir. ¿Ves a esa pareja de allí? Desde que me he sentado, ella está intentado explicarle los beneficios de hacer ejercicio y llevar una vida sana. Sigue observando y verás.

Así lo hice toda la tarde, observé y escuché a la gente, y esa misma noche cuando llegué a casa, mi mujer me preguntó por lo que había estado haciendo esa tarde, a lo cual la respondí:

- He aprendido a cultivar lechugas, a predecir el tiempo observando las aves e incluso he aprendido alguna palabra en lenguaje de signos para comunicarme con los sordos.
- Vaya, ¿Has aprendido algo más?
- Sí, a escuchar a la gente, porque todo el mundo tiene algo que decir.

Desde aquel día, cada vez que paso por un banco y veo a un anciano observando a la gente, lo miro con cariño y digo para mí “¿Cuanto has aprendido hoy?".

© idexxa (Texto y Fotografía)

[BPR] Astros - Entrega V

2008-11-04T06:26:00.001+01:00

Mentira

Donde dejó los pelos un huesudo
quedo absurdo y violento ruido.

Claros y nubes desde la bicicleta
se vislumbran. Tembleque de manos.

El pelirrojo de la esquina
algún ladrillo destartalado.

Como la crecida de un río manso
discurre tu recuerdo entre
toda esta mentira.

© Fernando Llorente

[Cine] Blade Runner

2008-11-03T06:29:00.004+01:00

Yo he visto cosas que vosotros no creeríais... Atacar naves en llamas más allá de Orión...
He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser...

Todos esos momentos se perderán en el tiempo, como lágrimas en la lluvia.

Es hora de morir.

Hoy cumplimos la nada despreciable cifra de doscientas críticas semanales, y lo celebramos con una de las películas emblemáticas del género de la ciencia-ficción, aprovechando el lanzamiento, allá por marzo de este año, de la edición conmemorativa del 25º aniversario de su estreno (que paradójicamente nos ha llegado en 2008, y no en 2007 como correspondía). Nos estamos refiriendo, cómo no, a “Blade Runner”.

La historia de “Blade Runner” comienza en noviembre de 2019, en una futurista y lluviosa ciudad de Los Angeles, aparentemente dominada por las corporaciones y continuamente vigilada por la policía. En este sentido, el escenario responde al típico mundo distópico-apocalíptico-en-un-futuro-no-muy-lejano, que tantas veces se ha utilizado en el cine. Una vez situados, seguimos estableciendo la línea argumental, recordando el prólogo de la película:

A principios del siglo XXI, la Tyrell Corporation desarrolló un nuevo tipo de robot llamado Nexus, un ser virtualmente idéntico al hombre y conocido como replicante. Los replicantes Nexus 6 eran superiores en fuerza y agilidad y al menos iguales en inteligencia a los ingenieros de genética que los crearon.

En el espacio exterior, los replicantes fueron usados como trabajadores esclavos en la arriesgada exploración y colonización de otros planetas. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de combate de Nexus 6 en una colonia sideral, los replicantes fueron declarados proscritos en la Tierra, bajo pena de muerte. Brigadas de policía especiales, con el nombre de Unidades de Blade Runners, tenían órdenes de tirar a matar al ver a cualquier replicante invasor.

A esto no se le llamó ejecución. Se le llamó retiro.

Como se puede ver, al igual que el mundo en el que tiene lugar la historia, la premisa de “Blade Runner” tampoco es nueva. La devastación del planeta ha obligado al ser humano a emprender la aventura de la colonización espacial. Para facilitar el desarrollo de tan peligrosa labor, el hombre ha llegado muy lejos en el campo de la inteligencia artificial, y ha creado una generación de androides que eran superiores a él mismo en muchos aspectos. Su rebelión era sólo cuestión de tiempo, y el hombre se ha visto obligado a crear una élite de policías cazadores de replicantes: los blade runners.

Ya tenemos escenario y premisa, así que vamos al meollo de la película. Un grupo de Nexus 6 ha conseguido llegar a la Tierra, en un movimiento tan sorprendente como audaz que supone la mayor fuga hasta la fecha. Antes de que la amenaza llegue a conocimiento de la opinión pública y se produzca un escándalo, la policía concentra sus esfuerzos en localizar y “retirar” a los cuatro replicantes. Para ello obligan a Rick Deckard, uno de los mejores blade runners que han existido, a abandonar su “jubilación” y dar caza a los Nexus: Roy Batty (combate), Leon (combate), Pris (unidad “de placer”) y Zhora (vigilancia).

Durante su investigación, Deckard conoce a Tyrell, el diseñador de los replicantes, y a su asistente, Rachael, que resulta ser un nuevo prototipo de Nexus 6, modificada mediante implantes de falsos recuerdos para hacerla más semejante a los seres humanos. El éxito de Tyrell es tal que la propia Rachael desconoce su condición de replicante, pero la experiencia de Deckard le permite, no sin mucho esfuerzo, averiguar la verdad mediante el test de Voight-Kampff, que mide la respuesta emocional del individuo a una serie de preguntas predefinidas. La base del VK es la idea de que los humanos tienen sentimientos que se traducen en reacciones detectables mediante una maquinita, mientras los replicantes carecen (o deberían carecer) de cualquier tipo de emoción, aunque paradójicamente el retrato que se hace de la masa en la calle es totalmente frío e impersonal.

De este modo, aparece una nueva trama en la película, la relación entre Deckard y Rachael (que tras el descubrimiento de su condición de replicante se ha vuelto, paradójicamente, mucho más humana), que se intercala con la persecución del grupo de Batty. A medida que avanza la historia, su romance se va consolidando mientras los Nexus van cayendo uno tras otro, hasta llegar al duelo final entre Deckard y Roy Batty, la mejor escena de la película, cuyo desenlace es del todo inesperado, con Batty salvando in extremis la vida de Deckard, para inmediatamente después pronunciar el ya mítico diálogo de “lágrimas en la lluvia” (creado por el propio actor, Rutger Hauer), y morir “de muerte natural” tras haber agotado su batería. Llama la atención el hecho de que Deckard no pronuncia una sola palabra durante esta escena.

La película constituye un gran debate sobre la diferencia entre el hombre y la máquina, personificado en este caso en Deckard, por un lado, y en Rachael y Roy, por el otro (si os fijáis, en el caso de los humanos se utilizan los apellidos, y en de los replicantes los nombres). El lema de la Tyrell Corporation es “Más humano que lo humano”, lo que nos lleva a la necesidad de especificar el concepto de ser humano antes de crear a los replicantes, y a preguntarnos por qué los tememos inmediatamente después. Existe una teoría al respecto, llamada “Teoría del Valle Inexplicable” y desarrollada en 1970 por un ingeniero de robótica japonés, Masahiro Mori, que afirma que la empatía de un ser humano hacia un robot será proporcional a su semejanza con el hombre, hasta llegar a un punto en el que disminuye bruscamente, para volver al máximo si esta semejanza se lleva hasta la perfección. El rango de semejanza correspondiente a la repulsión constituye el “valle inexplicable” que da nombre a la teoría.

Los replicantes parecen capaces de desarrollar su propia conciencia, de experimentar sentimientos como el miedo, el amor o el odio, y de ansiar una libertad que les es negada desde incluso antes de su “nacimiento”. De hecho, Batty asesina a su creador por haber limitado su vida a tan sólo cuatro años, aunque consigue ganarse la simpatía del espectador, que ve en el replicante la creación de un inventor cruel, buena por naturaleza y malvada sólo cuando la sociedad lo teme y lo rechaza, como si se tratara de un “Frankenstein”.

- La luz que brilla con el doble de intensidad dura la mitad de tiempo. Y tú has brillado con muchísima intensidad, Roy.

Uno de los interrogantes que más fuerza ha ido cobrando con el paso del tiempo, y que a día de hoy es probablemente el más popular, es si el propio Deckard es también un replicante. Yo estoy convencido de que es humano por varias razones, siendo la más importante de ellas que un Deckard replicante daría al traste con la comparación que origina el debate. Sin embargo, la hipótesis ha arraigado con tanta fuerza que Ridley Scott se ha encargado de alimentar la incógnita, hasta el punto de añadir a las pupilas de Deckard el característico brillo rojo de los ojos de los replicantes, parecido al que tenemos todos en algunas fotos. No contento con esto, en el año 2000 afirmó explícitamente que el protagonista era un replicante, aunque Harrison Ford contraatacó defendiendo la humanidad de su personaje, y asegurando haber escuchado a Scott retractándose, extremo que éste ha negado, añadiendo que es Ford quien ha dado su brazo a torcer. En fin, parece que se trata de dos escuelas de pensamiento condenadas a un enfrentamiento eterno. En cualquier caso, la película queda abierta y admite ambas interpretaciones, siendo probablemente ese su objetivo: que el espectador elija.

El universo de “Blade Runner” está plagado de detalles. Mención especial merece la afición del agente Gaff a la papiroflexia, con tres figuritas: una gallina, que puede entenderse como una referencia a la actitud cobarde de Deckard, ya que en ese momento está intentando rechazar la misión; un hombre con una erección importante, insinuando el interés de Deckard por Rachael; y un unicornio, intentando transmitir a Deckard que Rachael es una criatura excepcional pero no es real. Destaca también la sutil presencia de los animales, hasta el punto de que cada personaje parece más o menos relacionado con un animal: Deckard, el unicornio; Rachel, la araña; Batty, el lobo; Leon, la tortuga; Pris, el mapache; Zhora, la serpiente; Tyrell, el búho; Sebastian, el ratón. Otro temas tratados son la tecnología, la genética, la paranoia (en forma de omnipresencia policial), los recuerdos (destacando el papel de los ojos y de las fotografías), la globalización (representada por las megacorporaciones, en este caso la Tyrell), el cristianismo (el clavo con el que Batty atraviesa su mano cuando percibe que su batería se está agotando, o la paloma que deja escapar en el momento en el que se apaga), el comunismo (la rebelión del “proletariado” replicante) y, por supuesto, la muerte y la inmortalidad, entendidas como paralelas a la libertad y la esclavitud:

– Es toda una experiencia vivir con miedo, ¿verdad? Eso es lo que significa ser esclavo.

El reparto está encabezado por Harrison Ford (en la cresta de la ola tras “El Imperio Contraataca” y “En Busca del Arca Perdida”) en el papel de Rick Deckard, acompañado por Rutger Hauer como Roy Batty y Sean Young como Rachael. El cartel de replicantes se completa con Brion James (Leon), Daryl Hannah (Pris) y Joanna Cassidy (Zhora), y entre los policías podemos ver a M. Emmet Walsh (Bryant) y Edward James Olmos (Gaff). El elenco se completa con los científicos Joe Turkel (Tyrell), William Sanderson (J.F. Sebastian) y James Hong (Chew). Dirige Ridley Scott, con un batido de guiones ligeramente basados en la novela “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?” de Philip K. Dick.

Precisamente la escritura del guión es una parte importante de la complejidad del rodaje de “Blade Runner”, uno de los más rocambolescos de la historia del cine. Una vez decidida la separación prácticamente total de la trama de la novela, de la que se respeta poco más que la premisa argumental, se entró en una dinámica de continuas escrituras y reescrituras del guión, acompañadas por los pertinentes despidos y contrataciones de los guionistas de turno, y ocasionalmente del director. Concretamente, existen hasta tres versiones más o menos completas del guión de “Blade Runner”.

La primera data de julio de 1980, denomina “androides” a los Nexus y establece claramente la condición humana de Deckard. El test Voight-Kampff, la prueba que determina si un ser es humano o no, es más sencillo que en la versión final, bastando normalmente cinco o seis preguntas para determinar la naturaleza del individuo. Aparece un quinto replicante, Mary, y la muerte de Tyrell es más violenta, ya que Batty asesina también a su familia y al servicio. Deckard mata a Batty y después a Rachael, ya que sabe que si no lo hace él lo acabará haciendo otro blade runner.

La segunda versión data de diciembre de ese mismo año, e introduce por primera vez el término “replicante”. En esta ocasión aparecen seis replicantes, ya que al grupo de Batty se une, además de Mary, un tal Hodge. Deckard sigue siendo humano, aunque empieza a sentir cierta empatía hacia los replicantes. El gran giro argumental viene de la mano de Tyrell, que resulta ser un replicante. Al parecer, el verdadero Tyrell habría contraído una enfermedad desconocida, decidiendo congelarse en plan Walt Disney a la espera de que se desarrollase una cura, y falleciendo mientras se encontraba en hibernación. La escena final entre Batty y Deckard ya incluye el salvamento de éste y la extinción de la batería de aquél, y conserva la muerte de Rachael a manos de Deckard, con el añadido de que es ella quien le pide que lo haga.

La tercera versión está fechada en febrero de 1981, y se aproxima mucho al resultado final. Desaparecen los replicantes de más, se introduce la escena de la partida de ajedrez (que probablemente simboliza la lucha entre humanos y replicantes), y Deckard intenta renunciar al encargo para evitar tener que matar a Pris y Batty, huyendo después con Rachael y siendo ambos perseguidos por Gaff.

Si a esto le añadimos roces en el plató entre Harrison Ford y Sean Young, diferencias entre los métodos de trabajo de un director británico y los de un equipo de producción totalmente estadounidense, problemas de presupuesto que a última hora obligan a suprimir personajes (entre ellos el de Mary, cuya aparición estaba prevista), el cabreo progresivo de Harrison Ford a medida que avanza el rodaje y comprueba cómo Rutger Hauer le está robando el protagonismo, y la respuesta negativa del público en un par de pases de prueba, el resultado son siete versiones diferentes de “Blade Runner” entre 1982 y 2007: dos pases de prueba en 1982, antes del estreno; la versión estrenada en Estados Unidos; la versión estrenada fuera de Estados Unidos; la versión para la televisión por cable; el llamado “Montaje del Director”, estrenado en 1992; y el supuestamente definitivo “Montaje Final”, en 2007.

Producto de este cacao, las seis primeras versiones presentan incoherencias como la mención de cinco replicantes por parte de Bryant (producto de la todavía inclusión del personaje de Mary en ese momento) y dobles que cantan un montón, o apaños de última hora para intentar conseguir una respuesta favorable del público, como la narración con voz en off del propio Deckard (para mí uno de los mayores aciertos, ya que le da a la película un atractivo aire de cine negro), o el bastante más chirriante final feliz, con material rodado a toda prisa y planos prestados de tomas no usadas en el montaje de “El Resplandor”. Por supuesto, otro aspecto importante son los ya comentados detalles que Ridley Scott ha ido introduciendo sucesivamente para reforzar la hipótesis del Deckard replicante, como la escena del sueño del unicornio. Una de las pocas cosas que nunca han cambiado es la banda sonora de Vangelis, una de las más famosas de la historia del cine, que perdió el Oscar de 1982 frente a “E.T. el Extraterrestre”, de John Williams. En su contra pesó mucho la victoria de “Carros de Fuego” el año anterior, ante “En Busca del Arca Perdida”, también de Williams.

La película fue acogida con frialdad por parte de público y crítica estadounidenses, que creían ver en “Blade Runner” una historia de acción, y por lo tanto debía tener más ritmo. La dirección artística se salvó de la quema, cosechando grandes elogios por la espectacular recreación de los escenarios, pero los personajes fueron calificados como “pobres”. El fracaso en taquilla se vio agravado por la competencia de “E.T. el Extraterrestre”. En Europa ocurrió todo lo contrario, ya que público y crítica aclamaban la complejidad y profundidad de la historia. Este entusiasmo fue contagiándose con el paso de los años, hasta hacer de “Blade Runner” una película de culto, una especie de “2001” de los 80. De hecho, el periódico británico “The Guardian” organizó en 2004 una encuesta entre científicos, que designaron a “Blade Runner” como la mejor película de ciencia-ficción de la historia del cine, precisamente por delante de “2001”.

No se puede negar que el camino recorrido por “Blade Runner” desde 1982 ha culminado en un éxito que ha sobrepasado con creces las expectativas originales, pero ha sido un camino muy tortuoso, en el que seguramente haya tenido bastante que ver la suerte. De lo contrario, sería muy difícil explicar cómo, tras tantos cambios, desbarajustes, contratiempos y vicisitudes (que tuvieron su extensión en el doblaje español, con varios errores de traducción de bulto), una película consigue convertirse en un auténtico fenómeno cultural, que renace gracias al mercado videográfico. Hoy en día, tanto la película como la quimera que supuso su rodaje constituyen uno de los filones de discusión más jugosos de la historia del cine. Todos tenemos dónde elegir, y todos podemos quedar contentos. Lo que sí está claro es que la película mejora con cada visionado, ya que el espectador descubre siempre cosas nuevas. Por mi parte, debo reconocer que la primera vez que vi “Blade Runner” no me gustó demasiado, aunque se trataba del montaje de 1992.

Para fomentar nuestra felicidad (además del flujo de dinero hacia sus bolsillos), la Warner ha sacado a la venta el “frikipack” con cinco-versiones-cinco de la película, entre las que por fin se encuentra el montaje de 1982, que para muchos espectadores (servidor incluido) es la mejor versión, y que se nos había negado en DVD hasta ahora. Para que nos demos prisa en adquirir el producto, se ha hecho énfasis en el concepto de “edición limitada” (cartel que lleva colgado ya varios meses, cosa que tiene su guasa), pero dudo que, en caso de que se agote, la empresa renuncie a sacar más copias e ingresar más dinero. Vamos, digo yo.

En fin, olvidándonos de los problemas de producción, del fracaso inicial, de las dudas sobre la intencionalidad o casualidad de algunas ideas plasmadas en la película, y de las técnicas de marketing empleadas en la comercialización del nuevo “frikipack”, es con el resultado final con lo que debemos quedarnos, ya que es lo que verdaderamente importa, así como con la oportunidad que se nos brinda ahora de disfrutarlo en todo su esplendor.

Abríamos esta crítica con el orgullo de haber alcanzado un hito significativo, y la cerramos presumiendo de otro no menos importante. En el transcurso de esta semana cumplimos nuestra primera “legislatura” en la red. Han sido cuatro años hablando de cine, “mandato” que renovamos gustosos desde este mismo momento. Seguiremos dando la lata mientras haya, al otro lado de la pantalla, alguien interesado en leer los desvaríos cinematográficos de este vuestro humilde servidor.

Muchas gracias por estar ahí, y hasta el lunes que viene.

© Zineman

[WWE] De Domingo en el Cyber

2008-10-31T06:53:00.004+01:00

Pues sí, este domingo pasado fue un gran día para meterse en el Cyber y disfrutar del espectáculo de la WWE!!!!

PPV este de Cyber Sunday en el que tuvimos un gran cámbio de Cinturón.

Como comentábamos el viernes pasado, la confección de los combates corre a cargo del gran público...americano. La cartelera quedó así:

- WWE Champion Triple H def. Jeff Hardy: Para variar retuvo HHH.
- Undertaker def. Big Show: La venganza es un plato que se sirve frío!
- Batista def. World Heavyweight Champion Chris Jericho (new champion; special referee "Stone Cold" Steve Austin): Vuelve el Animal a lo más alto!!

- Rey Mysterio def. Kane in a No Holds Barred Match: El pequeñín se comió al Monstruo.
- Cyber Sunday Preview Match (United States Champion Shelton Benjamin def. R-Truth): Y contra pronóstico retuvo el negro del pelo amarillo antes el negro de las trencitas...jojo
- ECW Championship Match (Matt Hardy def. Evan Bourne): Evan Bourne promete mucho, pero parece pronto para conquistar el Título de la ECW.
- Honky Tonk Man def. Intercontinental Champion Santino Marella (disqualification): Fundamentalmente entre Honky, Pipper y el otro se dedicaron a mear a Santino.
- The Miz & John Morrison def. Cryme Tyme: Y es que cuando la cosa se pone seria, Cryme Tyme se disuelve cual azucarillo en café ardiendo.
- Mickie James wins the WWE Diva Halloween Costume Contest: En esto realmente da igual la que gane...jiji

A destacar que entre las celebridades que acudieron el domingo al espectáculo estuvo el gran Shaquille O'neal!!!! Y ojo a la foto junto al Gran Khali... Conociendo un poco a Shaq yo no descartaría que cuando deje el baloncesto entre en alguna historia para algún WrestleMania o similar...

Al dia siguiente de RAW, otro cambio de Cinturón, el que muchos apuntábamos que se produciría el domingo, y fue el de Campeones por Parejas. Punk y Kingston conquistaron el Título ante "loshijode...", quiero decir, el hijo de Ted Dibbiase y el hijo de Dustin Rhodes.

Y la mala noticia de la semana ha sido la lesión de Evan Bourne en el tobillo que le puede dejar unos meses en el dique seco!!

© JeSúS

[BPR] Vísceras - Entrega XVI

2008-10-30T07:18:00.003+01:00

Apollon (III)

Se cortaba las uñas viendo el televisor encendido. Viajaba siempre que podía hacia la pérdida que dejan los dedos recién arreglados. Le costaba concentrarse en las imágenes, en las noticias internacionales y apenas podía tolerar la publicidad marginal de los canales de pago. Se cortaba las uñas en silencio, oyendo el zumbido de la nevera mientras su rostro juvenil en los cincuenta reflejaba los ecos de las calles vacías. Se cortaba las uñas viendo el televisor encendido.

Horizonte ceniza (V)

Si deslizas uno de tus dedos por la espalda de un desconocido, entonces verás que no hay columna vertebral capaz de ofrecerte un tacto que no te pertenece.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

La Vida según idexxa

2008-10-29T07:14:00.003+01:00

Carta de Presentación

Positivo [12.11.08]
Todo el mundo tiene algo que decir

[VIDA] Carta de Presentación

2008-10-29T06:34:00.006+01:00

Soy idexxa y quería presentar mi nueva sección: “La Vida según idexxa”

Nunca pensé escribir un blog ya que me parecía algo solo de frikis. A medida que han pasado los meses me he dado cuenta de que tal y como voy a poner en mi primer artículo: “Todo el mundo tiene algo que decir”,

En esta sección trataremos las relaciones humanas y el buscar un sentido a la vida,

- ¿De dónde venimos y adónde vamos?
- ¿Quién eres?
- Nuestra existencia, ¿Por qué estamos aquí?
- ¿A dónde queremos llegar?
……..

Analizaremos cada acontecimiento de la vida, ¡Cuántas cosas nos quedan por aprender!...

© idexxa

[BPR] Astros - Entrega IV

2008-10-28T06:43:00.002+01:00

Broche de un desnudo

Concretas un cuerpo desnudo
con sus parches, lunares, medias lunas de humedad.

Concretas aguijones de lujuria
ante ti las putas del puerto o de la estación.

Los broches antecesores de lo oído
crucifican los instantes de la marcha.

Escalofríos de desnudos son lo mismo
que rememoranzas sangrantes de algún odio.

© Fernando Llorente

[CINE] Quemar Después de Leer

2008-10-27T06:19:00.003+01:00

Pocos meses después de ganar el Oscar con “No Es País Para Viejos”, los hermanos Coen vuelven a la carga con una nueva película. En esta ocasión regresan al género de la comedia, de cuyo dominio ya dejaron buena muestra en películas como “El Gran Salto” y “El Gran Lebowski”. Sí, parece que tienen cierta obsesión con el tamaño. ¿Algún complejo, quizá?

Osbourne Cox es un analista de la CIA que acaba de quedarse sin trabajo, y decide dedicar su nueva dosis diaria de tiempo libre a escribir sus memorias. El caso es que sus archivos terminan en manos de los empleados de un gimnasio, que deciden hacerle chantaje amenazando con pasar la información a los rusos. Para terminar de complicar el asunto, hay un intrincado laberinto de infidelidades que enreda a la señora Cox, a un amigo de la familia, a la esposa de este último y a una empleada del gimnasio, entre otros.

El reparto reúne a actores de la talla de George Clooney, Frances McDormand (señora de Joel Coen), Tilda Swinton (hasta aquí todos oscarizados), John Malkovich y Brad Pitt. También podemos ver a J.K. Simmons, el Jonah J. Jameson de “Spider-Man” y padre de “Juno”, que ya trabajó con los Coen en “Ladykillers”. Dirigen y producen, como siempre, Ethan y Joel Coen, sobre un guión que escribieron al mismo tiempo que el de “No Es País Para Viejos”.

“Quemar Después de Leer” es una película con varios rasgos característicos de los Coen, como el surrealismo de varias de las situaciones que se ven en pantalla, siendo lo más divertido (y posiblemente lo único) las escenas de J.K. Simmons, que interpreta a un alto cargo de la CIA afanado en intentar averiguar y comprender qué demonios está sucediendo:

- ¡Joder, la madre que nos parió! ¿Qué hemos aprendido, Palmer?
- No lo sé, señor.
- Joder, yo tampoco. Supongo que a no volver a hacerlo.
- Sí, señor.
- Aunque no sé qué coño hemos hecho…
- Sí, señor. Es… difícil saberlo.
- Joder, la madre que nos parió…

Sin embargo, la película desaprovecha el potencial de varios de los actores que intervienen en ella, como Malkovich y Pitt. El primero desperdicia gran parte de su tiempo gastando mala leche y echando juramentos, algo para lo que nos basta y sobra con Tilda Swinton, y el segundo se limita a poner cara de tonto. El peso de la historia recae sobre todo en George Clooney y Frances McDormand, pero el guión es demasiado ligero y discontinuo para que puedan lucirse. Demasiada entrada y salida de personajes, me temo.

En resumen, los Coen se suman a la larga lista de cineastas que estiran el chicle del Oscar con una película francamente menor, parecida a “Crueldad Intolerable”, apoyándose nuevamente en un reparto repleto de actores de primera fila. Más vale caer en gracia que ser gracioso, supongo.

© Zineman

[WWE] Pre Cyber Sunday

2008-10-24T06:40:00.016+02:00

Regresamos al mundo de la WWE tras un tiempo en el dique seco. Confirmar tan sólo que no hemos estado apartados de las publicaciones para cumplir sanción por violar la poítica Wellness de la empresa de Vince...jeje

- Pues volvemos con una noticia sorprendente: El despido de Lance Cade (el guapo de Cade&Murdoch, bueno, el que lleva el cinturón en la foto de abajo) cuando volvía a tomar protagonismo en RAW. Los rumores apuntan a sus problemas con alcohol/drogas, incluso peores que los que pueda haber tenido o tenga Jeff "RickyMartin" Hardy. Por lo visto, la gota que colmó el vaso de la paciencia de Vince ha sido un suspuesto ataque con convulsiones y esas cosas que sufrío Cade en un viaje de avión.

En otro orden de cosas, este domingo nos espera Cyber Sunday, la oportunidad de que el público (americano) elija algo de cada combate. Bien el oponente, las reglas, el árbitro... La cartelera es la siguiente:

- WWE Championship (WWE Universe chooses challenger): Osea Triple H contra Jeff Hardy, Kozlov o contra ambos en una Triple Amenaza
- Undertaker vs. Big Show (WWE Universe chooses type of match): Que será o Último Hombre en Pie, KO o I Quit (Me rindo)
- World Heavyweight Champion Chris Jericho vs. Batista (WWE Universe chooses referee): Y los candidatos son Steve Austin, HBK o Randy Orton.
- Kane vs. Rey Mysterio (WWE Universe chooses type of match): Cuenta válida en cualquier lugar, Combate sin Barreras o el Mejor de Tres Cuentas.
- ECW Championship Match (WWE Universe chooses Matt Hardy's opponent): Entre Mark Henry, Evan Bourne y Finlay
- Intercontinental Championship Match (WWE Universe chooses Santino Marella's opponent): La elección está entre "Rowdy" Roddy Piper, Goldust y Honky Tonk Man
- Cyber Sunday Preview Match (WWE Universe chooses United State Champion Shelton Benjamin's opponent): Los candidatos son: R-Truth, MVP y Festus.
- Pick the Tag Team Match: Pues a elegir las parejas a disputar el título: World Tag Team Champions Cody Rhodes & Ted DiBiase vs. CM Punk & Kofi Kingston, John Morrison & The Miz vs. Cryme Tyme o Jamie Noble & Mickie James vs. William Regal & Layla,
- WWE Diva Halloween Costume Contest: Osea que las Divas se ponen trajes de Haloween picantones para que disfrute la audiencia masculina y lésbica. Las participantes serán: Women's Champion Beth Phoenix, Divas Champion Michelle McCool, Brie Bella, Candice Michelle, Eve, Jillian, Katie Lea Burchill, Kelly Kelly, Layla, Lena Yada, Maria, Maryse, Natalya, Tiffany, Victoria y Mickie James.

Destacar de los shows semanales algunos detalles que nos pueden dar pistas para lo que pueda pasar este domingo:

- En RAW Batista vapuleó a Jericho ganando a los mismos tres oponentes con los que perdió Chris. Así que en Cyber Sunday Jericho retendrá...jeje
- En ECW Bourne se salió (el de la foto que vuela!!!), venciendo a Finlay y Mark Henry... con lo que es un serio candidato a todo...
- La incorporación de Festus al combate por el Título USA podría ser el comienzo de un push en el que Jessie pasaría de ser su pareja a ser su "guía espiritual". De todas maneras, parece más probable la victoria de R-Truth!

Pues nada gente, la semana que viene más, o no, nunca se sabe...jeje

© JeSúS

[BPR] Vísceras - Entrega XV

2008-10-23T10:47:00.002+02:00

June (VI)

Dicen que murió sola. Pero se sabe que en los últimos momentos la habitación del hospital estaba repleta de gente. Las flores abundaban comprometiendo el pasillo de la cuarta planta a mostrar todos sus encantos. El murmullo, se cuenta, era constante y se recitaron algunos pasajes de una vida plagada de idas y venidas. Se cuenta que los ochenta y tres años se visten de gala cuando un resfriado mal curado domina las estaciones. Dicen que murió sola, quizá porque el silencio no fue el suficiente como para dejar zanjadas las breves viscerales cuentas pendientes.

Apollon (II)

Apollon era un nómada moderno. Solía habitar apartamentos con paredes vírgenes y moquetas en desuso. Los buscaba cerca de los parques, céntricos y habituados a los olores de los recuerdos que adornan los nombres del presente. Enseguida, con su equilibrio vital acorde a su culo inquieto, buscaba muebles en los mercados de segunda mano. Muebles que traían consigo conversaciones de otros tiempos, reflejos de caras que el paso de las estaciones se lleva con ese silencio tan característico, agujeritos de chinchetas que anclaban las vidas de los otros en sus paseos diarios por los pasillos.

Apollon era un nómada moderno, porque sabía distinguir los pasos que quedan marcados en las alfombras para siempre de aquellos que se esfuman en las mudanzas de los grandes extrarradios.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[BPR] Astros - Entrega III

2008-10-21T06:41:00.001+02:00

Diploma homologado

Crítico coscorrón que remontó la corriente.

Desplome de unos pisos sin orden ni mando.

Las estrellas de las viñetas coloreadas
como si hubiera ciencia en la asimetría.

Lo comentado en el rellano de un porche
de contrato indefinido.

Como los diplomas homologados de la noche.

© Fernando Llorente

[Cine] El Niño con el Pijama de Rayas

2008-10-20T07:33:00.002+02:00

De vez en cuando, el lector tropieza con un libro cuya historia no es fácil de describir o calificar. En el año 2006, el escritor irlandés John Boyne publicó un libro de ese tipo, con el simpático título de “El Niño con el Pijama de Rayas”. Lo más llamativo era su contraportada:

Aunque el uso habitual de un texto como este es describir las características de la obra, por una vez nos tomaremos la libertad de hacer una excepción a la norma establecida. No sólo porque el libro que tienes en tus manos es muy difícil de definir, sino porque estamos convencidos de que explicar su contenido estropearía la experiencia de la lectura.

No obstante, si decides embarcarte en la aventura, debes saber que acompañarás a Bruno, un niño de nueve años, cuando se muda con su familia a una casa situada junto a una cerca. Cercas como esa existen en muchos lugares del mundo. Sólo deseamos que no te encuentres nunca con una.

Por último, cabe aclarar que este libro no es sólo para adultos. También lo pueden leer, y sería recomendable que lo hicieran, niños a partir de los trece años de edad.

En fin, que el autor recomendaba encarecidamente comenzar a leer el libro sin saber absolutamente nada del argumento, y que los nuevos adolescentes participaran en dicha lectura. Sin embargo, es difícil no enterarse de algo hoy en día, por no mencionar que nos gusta saber en dónde nos metemos.

Estamos en el Berlín de 1943, y Bruno es hijo de un oficial del ejército nazi. Un día, al regresar a casa, el niño recibe la noticia de que su padre ha sido ascendido, y la familia debe trasladarse para acompañarlo en su nuevo destino, donde debe cumplir una importante misión. Su nuevo hogar se encuentra cerca de una alambrada, tras la que se puede ver un grupo de gente vestido con lo que parece un pijama de rayas. Se trata del campo de concentración de Auschwitz, del que el padre de Bruno ha sido nombrado nuevo comandante por el mismísimo Hitler, que le ha encomendado llevar a la práctica la “solución final al problema judío”.

El libro está escrito desde el punto de vista de Bruno, pero sin que el niño haga las veces de narrador. De este modo, los lectores infantiles comparten su extrañeza ante las situaciones que se describen, pero los lectores adultos comprenden al instante las atrocidades que se están cometiendo a poca distancia de su nueva casa. Incapaz de pronunciar correctamente palabras como “Auschwitz” o “Führer” (Bruno las convierte en “Auchviz” y “Furias”), su curiosidad por descubrir lo que hay más allá de la alambrada le lleva a conocer a Shmuel, un niño de su misma edad (de hecho, comparten cumpleaños), que viste continuamente el dichoso pijama de rayas. Conversando con él día tras día, Bruno descubre que Shmuel tampoco entiende lo que está pasando. Ninguno de los dos comprende el objetivo de la alambrada y de los pijamas, y sobre todo, por qué no pueden ser amigos.

La dureza de la historia se hace patente en varias situaciones que despiertan la curiosidad de Bruno, como la columna de humo negro que divisa desde su casa, o su incredulidad ante el hecho de que Pavel, el camarero de la familia (que también lleva pijama de rayas), sea médico de carrera y se dedique a pelar patatas y a servir la mesa. Otro de los momentos más violentos es su confesión de la envidia que siente por Shmuel, ya que él no tiene ningún pijama de rayas, ni amigos con los que jugar en su lado de la alambrada. Sin embargo, nada puede prepararnos para la escena más tremenda, el sobrecogedor final de la historia.

El éxito de la novela fue tal que en apenas dos años nos ha llegado la adaptación cinematográfica, absolutamente fiel al libro. Por hoy omito la mención del reparto y director, ya que lo que de verdad importa es la historia en sí. Baste decir que las interpretaciones son excelentes, y que el guión, como digo, recoge y hace suya toda la dureza del relato original, sin edulcorantes de ningún tipo. Después de Bruno, el personaje más interesante es sin duda alguna su madre, atrapada entre su decencia y la “misión” de su marido, y enriquecida con emociones que en la novela pertenecían a su suegra, cuyo papel en la película se ve bastante reducido. Me alegra que su nuera cinematográfica rescate los matices más valiosos de su versión literaria.

“El Niño con el Pijama de Rayas” es una película tan difícil de definir como el libro en el que se basa. Desde luego no es una película bélica, ni un drama del estilo de “La Lista de Schindler” o “El Pianista”. De hecho, me atrevería a decir que es aún más descorazonadora, ya que consigue reflejar toda la tragedia que rodea al Holocausto sin hacer la más mínima mención expresa del suceso. Tal vez sea esa la razón por la que resulta tan impactante, y por la que no me atrevo a rebatir el consejo de John Boyne, a pesar de los evidentes sucesos que Bruno no alcanza a comprender, ni siquiera al final de la historia. Es posible que los niños que lean el libro compartan los sentimientos del protagonista, y esto afiance su voluntad de evitar que se repitan unos hechos cuya existencia llegarán a conocer con el tiempo. De todos modos, esto es sólo una reflexión. La decisión corresponde a sus padres.

Que nadie se equivoque. “El Niño con el Pijama de Rayas” es una novela excelente y una película extraodinaria, pero su lectura/visionado puede provocar en el lector/espectador adulto un bajón de ánimo considerable, hasta el punto de dejarlo bastante jodido durante un par de días. Resulta paradójico que estemos ante una de las mejores películas del año, y que ésta produzca un efecto semejante, pero supongo que tratar temas tan desgarradores no sale precisamente gratis. Y sinceramente, creo que es mejor así.

© Zineman

[MOTO] GP Circuito de la Torrecica (Albacete)

2008-10-10T06:07:00.004+02:00

Llegué al circuito el viernes por la tarde, por cierto en mi coche nuevo (HONDA CRV, como mola), jajajaja. Pasé rápidamente las verificaciones administrativas y técnicas, evidentemente yo era el único imbécil que iba de serie.

Sábado pronto por la mañana llegamos al circuito y montamos la carpa con todo el chiringuito relacionado, moto, calentadores, el mono, todo bien puesto. Primera sesión de entrenos, me encuentro bastante mal en la pista, no tenía ritmo y de hecho se notó en los tiempos, estaba rodando en 1:50 cuando en marzo en la anterior carrera rodé constante en 1:44. Bueno la verdad es que muy mal. Para la segunda tanda, cambié la cubierta trasera que estaba ya bastante tocada y puse nueva. Fui a por todo y lo único que conseguí fue bajar a 1:48, otra mierda, clasifiqué el 18 de 21, estaba en la anteúltima fila.

El Domingo para mi sorpresa cuando me levante de la cama a las 6 estaba lloviendo, tócate los cojones, pensé….., tenía muy pocas ganas de ir al circuito y mucho menos de correr, le decía a Elena.... joder y si vamos al circuito, pillamos la moto y nos volvemos a Santander......

Así que nada fuimos al circuito, pillamos la moto del box, y ahí estaba mi colega Fredo que con dos cojones iba a salir a hacer el warm-up. yo paso de salir, no estaba convencido. Realmente caían cuatro gotas, lo suficiente como para que estuviese el asfalto húmedo, aunque sin charcos ni levantar agua. Fredo rueda en 2:06 y para mi sorpresa solo han salido 12 al warm-up y ahí es cuando empiezo a pensar, coño, esta es la carrera en la que no hay que cebarse y aguantar encima de la moto, si con un poco de suerte no sale alguien y como la gente es muy caliente seguro que algunos acaban en el patatal.

Hasta las 10:30 no estaba realmente convencido de salir a la carrera, y eso que era las 10:50. Abren el pit-line y semáforo para hacer la vuelta de reconocimiento previa a ponerse en parrilla y pruebo el asfalto, acelero un poco aquí otro poco allá, y en todas las curvas de derechas me culea bastante, y pienso.... joder y eso que voy casi parao.... la que vamos a liar aquí......

Llego a mi posición de parrilla y estoy solo, digo coño, donde esta la peña. Empiezan a llegar al poco rato y veo a mi colega Borja que se acerca con Elena. Me dan ánimos y me dicen que cuidadín que lo importante es acabar.

Semáforo rojo y se apaga muy rápido. me pilla un poco desprevenido pero hago buena salida y paso a dos, bien, estoy el 16, llego a la primera curva y la gente la toma con mucho cuidado, me intento pegar a un grupillo que se va formando de 5 y parece que vamos bien, me doy cuenta en una de las rectas que tengo la moto con la luz de reserva (le había echado 4 litros de gasolina), pensaba, bueno 12 vueltas a ritmo lento, no creo que consuma mucho.... pero me mosquea que se encendiera tan pronto.

Pasan las vueltas, que por cierto se hacen eternas, empezó a llover más fuerte y el ritmo cada vez era más lento, algunos del grupo se me van y a un par de ellos los paso.... veo como poco a poco empiezan a poner banderas amarillas, la gente se va piñando y voy restando posiciones, bien bien, que pillamos puntos.

Vuelta 6, pensaba yo, joder en la rápida de izquierdas antes del curvon creó que se puede ir un pelín más rápido saliendo por el arcén.... ohhh craso error, derrapada brutal en el puto piano que no agarra una mierda... pero bueno después de limpiarme la “caquita” por el susto seguimos rodando... en la siguiente vuelta en ese mismo sitio, salgo más lento por lo negro pero abro gas a tope en tercera y me vuelve a derrapar, esta vez hasta se me salieron los pies de las estriberas, y pensé en aflojar un poquillo más.

En la vuelta 10 creo que me doblaron, me pasaron dos tíos bastante rápido, parecía que tenían prisa por terminar, jajaja, eso me vino muy bien porque me quitaban una vuelta. En la última que daba, la 11 de 12, en la contrarrecta la moto empieza a petardear, coño la gasolina, muevo la moto para los lados y parece que sigue poco a poco, me queda la chicane y la última curva de derechas, y las hago en quinta, al punto de gas, para llegar. Joder con mis mediciones de gasolina, pasé meta con más pena que gloria, y a final de recta la moto se me para, así que toca volver tirando de la moto hasta el parque cerrado.

Llego hasta el box de Fredi y compañía casi sin aliento y allí veo a Borja que me echa una mano llevando la moto al parque cerrado, menos mal, yo por mi la hubiera tirado allí mismo, jajaja.

Me dice Elena que he acabado el 11 y me alegro la ostia... y con las mismas nos dicen que llevemos unas cuantas motos a verificar otra vez. Había posibilidad de subir algún puesto por descalificaciones. El primero el listo con el número 75, este llevaba los peludos, cambio automático y radiador más grande, y el tío lo único que sabía decir es que no sabía nada.... anda y que le den por el culo... que se vaya a correr con los bueno y que le pongan el culo como un bebedero de patos......

Luego me entero de que a Fredo le quieren descalificar por el tema de la bomba, la verdad es que me jodió bastante porque hubiera pillado buenos puntos y estaría entre los 10 primeros en el campeonato, es una pena.

Al final, quedé Octavo en la carrera, el último de los héroes que llegamos, que no el último de la carrera porque otros siete están buscando todavía setas por la grava. En el campeonato gracias a esos ocho puntos he acabado en el puesto 19, no está mal para puntuar en una sola carrera.

Vssssssssssssssssssssss

© Álvaro

[BPR] Vísceras - Entrega XIV

2008-10-09T07:28:00.003+02:00

June (V)

Ese día cogió las maletas, las rellenó de fotografías y ropa íntima y con cuidado cerró la puerta tras de sí. No miró lo que dejaba atrás, quiso evitar el reproche de las cucharas, de los cuadros, de las butacas conquistadas por el salitre de las afueras. Encaró las primeras manzanas del barrio y se juró que sería fiel a la huida. En la tienda marcó las cartas de la partida que estaba a punto de jugar. Vio pasar el tren fuera de las botellas de cerveza de esas tardes de verano. Se arrimó cuanto pudo a las vías y se quedó dormida un momento. Siguió su marcha en silencio, con paso firme, decidido, persiguiendo la estela que deja el ir quemando etapas. Una armónica anunciaba algo nuevo. Las montañas a lo lejos son la dignidad de cada huella. La rendición de su sonrisa presagia tan sólo un billete de ida.

Ese día cogió las maletas y todas las naves del polígono gritaron a los cuatro vientos su nombre.

Horizonte ceniza (IV)

La realidad solamente tiene cabida cuando es lo último que queda.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[BPR] Astros - Entrega II

2008-10-07T06:39:00.002+02:00

Autoayuda

Cae de un árbol pensando
en lo maduro de un nombre.

¿Hasta dónde una pregunta cualquiera
ramifica el sexo salvaje
que alguna vez obtendremos de la pereza?.

Caen no pocas literaturas de autoayuda
de los árboles perennes.

De niño las corbatas en los cuellos
sembraban estos combativos ceros a la izquierda.

© Fernando Llorente

[Cine] El Tren de las 3:10

2008-10-06T06:29:00.003+02:00

En esta sección hemos hablado varias veces de la triste situación de abandono que atraviesa el género del western. Salvo algunas honrosas excepciones, entre las que destaca Clint Eastwood con películas como “Infierno de Cobardes”, “El Jinete Pálido” y “Sin Perdón”, las últimas décadas se han caracterizado por una notoria sequía de títulos, señal inequívoca de un declive que comenzó a finales de los 70.

Por este motivo (y porque después de la movida que os comentaba la semana pasada me ha dado por empezar a cumplir escrupulosamente mi horario laboral, lo que me ha dejado cierto tiempo libre), esta semana nos centramos en uno de los estrenos de este mes, ambientado en el Oeste de finales del siglo XIX, y prueba manifiesta de que la fiebre del remake también alcanza al western.

Dan Evans es un veterano de la Guerra de Secesión, que después del fin de la contienda se ha establecido con su familia en Arizona, donde posee un rancho. La vida no le ha tratado precisamente bien: la guerra lo dejó lisiado, la sequía ha mermado su ganado y un ranchero vecino está intentando hacerse con sus tierras por todos los medios (legales e ilegales). Por si esto fuera poco, se complica aún más la existencia cuando se presenta voluntario para formar parte de la escolta de Ben Wade, un peligroso pistolero que acaba de ser arrestado y debe ser trasladado a Yuma, donde será juzgado por un tribunal. La buena noticia es que el trabajo supone un suculento ingreso de doscientos dólares, que aliviarían la precaria situación económica de los Evans. La mala, que la banda de Wade intentará liberar a su jefe, matando a todo aquel que se interponga en su camino.

El reparto está encabezado por Christian Bale, que nos visitó hace poco con “El Caballero Oscuro”, en el papel de Evans, y Russell Crowe como Ben Wade. La idea inicial de los productores era contar con Eric Bana y Tom Cruise, pero no hubo suerte con ninguno. Lo cierto es que Bale es igual de inexpresivo que Bana, pero en el caso de Crowe creo que la mejora ha sido sustancial. Ben Foster, el Ángel de “X-Men: La Decisión Final”, interpreta a Charlie Prince, el lugarteniente de Wade. Entre los secundarios podemos ver a Peter Fonda en el papel de cazarrecompensas, y Luke Wilson tiene un pequeño cameo en las obras del ferrocarril. Dirige James Mangold, el mismo de “En la Cuerda Floja”, con guión basado en la versión rodada en 1957 a partir de un relato corto de Elmore Leonard.

“El Tren de las 3:10” utiliza uno de los recursos favoritos del género del western: la figura del hombre íntegro, que a pesar de tener bastante con sus propios problemas no vacila en asumir nuevas responsabilidades, movido por lo que él considera el cumplimiento del deber, más que por la recompensa. La situación se vuelve más dramática si le añadimos ingredientes como la preocupación por su hijo, que parece admirar cada vez más a Wade, y el abandono de sus compañeros cuando la cosa se empieza a poner fea, al igual que sucedía en “Solo Ante el Peligro”.

Tras una pequeña introducción en la que conocemos a Evans, la película sigue la clásica estructura en tres actos, con la captura de Ben Wade, su traslado hasta el pueblo de Contention y el enfrentamiento final entre Evans y la banda de Wade. Por supuesto, la mayor parte de la acción tiene lugar en el primero y el tercero, mientras el segundo es más sosegado y se concentra en la relación entre los personajes, permitiéndonos conocer a los dos protagonistas, con el hijo del ranchero como espectador en primera fila. Evans sólo quiere hacer algo que merezca la pena en la vida, y Wade resulta ser un malo bastante simpático.

En cuanto al trabajo de los actores, y al hilo de lo que comentaba antes, Bale es de lo más hierático que se puede ver hoy en día en una pantalla de cine, aunque probablemente da verosimilitud a su personaje. Lo mismo sucede con Ben Foster, pero es Russell Crowe quien destaca por encima de sus compañeros, ya que tiene el mejor papel. Su Ben Wade es un villano muy tranquilo, con bastante sentido del humor y una tremenda curiosidad por los motivos que empujan a Evans a seguir hasta el final.

Con todo, “El Tren de las 3:10” es una película sencilla y sin pretensiones, que se deja ver muy bien de principio a fin. Lo triste es que nos haya llegado un año después de su estreno al otro lado del charco (364 días, para ser exactos), a pesar de contar con dos cabezas de cartel como Crowe y Bale. Si las distribuidoras respetaran un poco al espectador, es posible que sus odiadas redes P2P no tuvieran tanto auge, pero es lo que hay.

© Zineman

[BPR] Prólogos - Denver y June (1)

2008-10-02T07:17:00.006+02:00

(Prólogo)

Habrán pasado ya quizá los años
del entusiasmo juvenil y de las ilusiones
que la inocencia crea y marchita la edad.
La vida, desde luego, estará menos llena
de prodigios posibles. Y nosotros seremos tan distintos
que no sabremos nunca ni siquiera encontrarnos.

(Eloy Sánchez Rosillo)

Tú sabes quién soy

Soy de los que creen que las casualidades no son tales, sino que se dan por algo concreto. Que creamos en ello o no, es indiferente. Viajábamos hacia Ginebra por carreteras secundarias, y tras pasar Aix-Les-Bains, paramos en un pequeño pueblo y buscamos un lugar tranquilo para comer. No sabíamos que ese día era festivo. Las pocas tiendas y restaurantes que vimos estaban cerrados. Y la gente, parecía estar celebrando la fiesta en otro sitio o a escondidas, pues allí no había nadie. Era como estar en una estación de esquí fuera de temporada. Nos lo tomamos con calma. Dimos una vuelta y en una gasolinera, a las afueras, pudimos comprar unos sándwiches de salami y un par de cervezas. Al lado había un parque, próximo a unas vías férreas y a una caseta que hacía las veces de estación. Nos sentamos en un banco a la sombra de un castaño y mientras comíamos el sándwich y bebíamos la cerveza tibia pensé, qué raro sería ver pasar ahora un tren. Parecía todo tan tranquilo y calmado que no me imaginaba ningún sonido extraño que pudiera alterarlo. No se oía nada. Ni siquiera un mirlo, una radio o a un crío llorando. Terminé mi cerveza y me levanté del banco. Quizá tuviera suerte y hubiera toilletes abiertos en la caseta.

Las casualidades no existen, y es por ello que tenía que encontrarme de nuevo con Denver. Después de tantos años y en aquél lugar. Ahora sí. Como tantas veces lo habíamos imaginado Fer y yo en el Tritón. Casi siempre abatido pero nunca derrotado. Acompañado ya por la ausencia de June. A la espera pertinaz de un tren que no pasaría, pues hacía tiempo que las estaciones estaban abandonadas. Entonces teníamos el pelo más largo y algunos incluso barba. Supe que era él por los ojos. Dicen que nació con algo en las pupilas. Los médicos nada aclararon. Denver levantó la vista del cuaderno que leía y le reconocí. Él también a mí.
-Has envejecido -me dijo.
-Lo sé.
-Más que June –concluyó sonriendo tristemente.

No quiso hablar sobre el pasado y aun cuando sabía que en aquella estación no pararía ningún tren, prefirió permanecer allí. Le dije que podía acompañarnos, que le acercaríamos a algún otro lugar. Me miró como si no me entendiera. -¿Qué otro lugar?- Bajó la vista hacia el cuaderno y sin levantarla me preguntó:
-¿Te acuerdas de estos versos?

Es tarde.
Una puerta que se cierra,
tres deseos.
A distancia la colina.
Un nuevo devuelto
de tus ojos.

Claro que me acordaba, eran de June. Denver leía el diario de June.

Hablamos de mi viaje, de Dylan y de ese proyecto infinito e inacabado en el que planeábamos trabajar todo el verano. Las vísceras de los polígonos industriales, se llamaba. Luego vino el otoño, el trabajo, su falta, los fines de semana tumbados en el sillón y un montón de bolsas de patatas fritas, con sabor a jamón, acumulándose en el armario de la cocina ya sin consumir. Denver no quiso hablar del pasado, por eso me lo contó: “Era jueves y llovía. La novedad es que fuese jueves, no que lloviese en la ciudad. Al volver de la biblioteca, dejé los zapatos mojados a la entrada de la casa y caminé descalzo por el pasillo. Al fondo estaba la cocina. Se oía música. June tarareaba una canción antigua, de Leonard Cohen creo. -I cannot follow you my love / You cannot follow me / I´m not life, I´m not death / I´m not slave or free…- El caso es que sonaba bien. Avancé con lentitud, sin meter ruido. Llegué a la cocina y a través del marco de la puerta vi a June de espaldas, cocinando. Y entonces lo supe. Comprendí que era algo especial. Todo tenía sentido. Y deseé retener ese momento para siempre. Querría haber tenido una máquina de fotos a mano, pero no fue posible.”
-Mejor así -se dijo.
Los dos sabíamos que la vida concluye en el momento en el que se la fotografía.

Denver no quiso hablar más del pasado. Como si fuera Borges, me dijo:
-Intento no pensar en cosas del pasado porque si lo hago, sé que lo estoy haciendo sobre recuerdos, no sobre las primeras imágenes. Y eso me pone triste. Me entristece pensar que tal vez no tengamos recuerdos verdaderos de nuestra juventud.

Fue entonces cuando oímos a la multitud. Venían por el camino que hay junto a la vía del tren. Eran una docena. Agrupados, compactos y vociferantes. Como un grupo de hinchas de fútbol, después de perder un partido cualquiera. Una gran nube de polvo se formaba tras sus pasos. El viento comenzó a soplar con fuerza. Traía grandes nubes negras. Estaban previstas tormentas para la tarde. Denver y yo sabíamos que teníamos poco tiempo. -¿Pero tiempo para qué?- Aun así, no podíamos apartar la vista de los destellos.
-¿Sabes cómo llaman los franceses a las vías del tren? -me pregunto Denver.
-No –le contesté.
-Chemin de fer –me dijo.
Por un instante que pareció infinito le chemin de fer nos hipnotizó.
-Parecen reales, ¿no crees? -prosiguió.
Las manos comenzaron a temblarle. Las apoyó con fuerza sobre las rodillas. Los dedos de las manos se le quedaron blancos. Parecían sarmientos recubiertos de ceniza.
-¿Será verdad que conducen hacia algún lado? Hace tiempo que tengo dudas sobre esto. Acerca de si la realidad tiene algo que ver con la verdadera realidad -concluyó Denver ya sin mirarme.

© Aarón Pérez-Bolívar

[BPR] Con los Ceros a la Izquierda se Construye un Astro

2008-09-30T07:57:00.015+02:00

Génesis

Es un paseo absurdo lo que recorre
un astro de camino a casa.

Como lo siente igual la vieja
que se sintió vieja siempre.

A lo mejor es que lo que tu desistes
hace lo imposible por una victoria.

Que este "no poema" huele a vivo
desde que dejaste tu órbita
en la corriente de unos ojos dormidos.

Autoayuda

Cae de un árbol pensando
en lo maduro de un nombre.

¿Hasta dónde una pregunta cualquiera
ramifica el sexo salvaje
que alguna vez obtendremos de la pereza?.

Caen no pocas literaturas de autoayuda
de los árboles perennes.

De niño las corbatas en los cuellos
sembraban estos combativos ceros a la izquierda.

Diploma homologado

Crítico coscorrón que remontó la corriente.

Desplome de unos pisos sin orden ni mando.

Las estrellas de las viñetas coloreadas
como si hubiera ciencia en la asimetría.

Lo comentado en el rellano de un porche
de contrato indefinido.

Como los diplomas homologados de la noche.

Broche de un desnudo

Concretas un cuerpo desnudo
con sus parches, lunares, medias lunas de humedad.

Concretas aguijones de lujuria
ante ti las putas del puerto o de la estación.

Los broches antecesores de lo oído
crucifican los instantes de la marcha.

Escalofríos de desnudos son lo mismo
que rememoranzas sangrantes de algún odio.

Mentira

Donde dejó los pelos un huesudo
quedo absurdo y violento ruido.

Claros y nubes desde la bicicleta
se vislumbran. Tembleque de manos.

El pelirrojo de la esquina
algún ladrillo destartalado.

Como la crecida de un río manso
discurre tu recuerdo entre
toda esta mentira.

Bohemia

Son escalones de madera que cruge
de paredes torcidas y mustias.

Claros y oscuros ningún brillo
vírgenes de plata en los rellanos.
Deberes sin hacer al final de una tarde
compuestos y sin novios las
altas azoteas de pisos vacíos.

Escalada

Un pellizco para asegurarse
que está despierto.

Un asunto menor que recorre
los pasillos en penumbra.

Un barranco sin caída
ante las últimas horas
del atardecer.

Hombre del tiempo
A Jesús Ángel Adamez

Los malos vientos de este noviembre
entre isobaras y alertas.

El hombre del tiempo
que se atreve con todo.

La luz del verano que hoy vives
en estos penosos días de invierno.

Estantes vacíos
A Álvaro Puertas

Como los vuelos nocturnos
que dejan brillos y estelas.

Hay libros que pende de hilos
y ojos templados
que duran para siempre.

Como los vuelos nocturnos
hubo una vez el todo y nada
en estos estantes vacíos.

Lo que queda
A los raros de corazón

Palomitas y refrescos
una sala vacía con subtítulos
junto a las butacas
antes del "the end"
una pareja que se quiere.

Lo que queda del asunto.

A destiempo

Un lago en las montañas,
los bolos de la bolera,
las páginas de algún libro,
palabras en mostradores
transmitiendo lo que queda,
la guitarra del amigo,
decenas de cervezas en la oscuridad
de la noche,
las páginas del periódico,
una cena que siempre es la última,
los padres y las madres,
sentadas en Mendoza
protestando por los otros,
los finales que se confunden
con principios,
los reproches de los jefes,
camas desechas,
todo lo que a destiempo
dejamos en el camino.

Cenizas
A la foto de la playa

No hay seña
o unas huellas
ni tan siquiera un faro
que oriente
lo que en ti
la pérdida ha posado.

Hay ceniza sin embargo
sobre tu rabia
y los brillos de otro tiempo.

Hay ceniza que no vuelve
a ser como fuiste
ante otros ojos.

Hay cenizas, es verdad,
que gritan tu nombre
y no te encuentran.

Deudas

Un cero a la izquierda debe algo
lo mismo que el astro que contemplas
en un balcón imaginario.

Un cero a la izquierda debe algo
de la misma manera que tus palabras
dormidas.

Un cero a la izquierda debe algo
más grande que las últimas huellas
que dejaron de marcar nuestro camino.

© Fernando Llorente

[BPR] Astros - Entrega I

2008-09-30T07:54:00.001+02:00

[Cine] El Sargento de Hierro

2008-09-29T06:44:00.002+02:00

- ¿Hemos servido juntos?
- No lo sé, señor. El sargento Choozoo y yo estábamos en el 2º batallón del 7º en el 68.
- Yo mandaba una compañía de fusileros en el 7º.
- Seguro que entonces hemos masticado el mismo polvo, señor.
- Ya lo creo. ¿Cuál es su opinión de esta alerta?
- Es una hijoputada.

Pues sí, como la que me han hecho a mí hace poco, sargento. Al igual que todo hijo de vecino, yo también tengo días en los que me apetece mandarlo todo a hacer puñetas. Hoy es uno de esos días.

Después de una larga campaña de desgaste contra mi jefe, junto al que he trabajado durante casi tres años y del que he aprendido gran parte de lo que hoy sé, la gente que dirige (bueno, intenta dirigir, o al menos eso se rumorea) esta mal llamada organización ha conseguido acabar con su paciencia, y el hombre ha pedido la cuenta. Desde este rincón quiero rendirle un modesto homenaje, y agradecerle todo lo que me ha aportado durante estos años.

Supongo que algunos habrían optado por el recurso, bastante facilón él, de “El Club de los Poetas Muertos”, convirtiendo a este señor en su profesor Keating particular y dedicándole el “¡Oh, capitán, mi capitán!”. Otra posibilidad a valorar podría ser “Matar a un Ruiseñor”, opción menos ñoña pero demasiado melodramática, y para “Solo Ante el Peligro” ya es un poco tarde (aparte de que ya hemos hablado de ambas en esta sección). No, el jefe se merece algo más cañero, algo más acorde con su carácter y con el mío, y con lo que le ha tocado vivir. Él se merece a nuestro querido y admirado Clint Eastwood en uno de sus papeles más carismáticos: “El Sargento de Hierro”.

Tom Highway es un veterano sargento del Cuerpo de Marines de los Estados Unidos. Es un tío con dos cojones, y lo demuestra desde la primera escena:

- Quiero decir que tengas cuidado. Que tengo mucha mala leche, ¿sabes? Como alambre de espinas y meo napalm, y puedo traspasar el culo de una pulga de un tiro a doscientos metros. Así que vete a machacártela por ahí, cara de perro, antes de que te rompa los morros.

Lo malo es que su problema de actitud le ha supuesto algún que otro contratiempo legal:

- ¡Te voy a meter una multa de cojones! ¡Yo no hago descuentos a los soldados!
- Qué lástima. Tu mujer sí los hace.
- ¡Me cago en…!

Y lo peor, que afecta a su trabajo:

-¿Cuánto lleva de servicio? Unos veinticuatro años, ¿no?
- Unos cuantos más, señor.
- La mayoría de los hombres en su situación querrían el retiro. Estarían pensando en llevar a sus mujeres a un crucero alrededor del mundo. Pero usted no funciona así, ¿no es cierto? Ahora ha decidido molestar al personal de mi oficina exigiendo un traslado a la unidad de combate de la flota de Marines. ¡O sea, la misma unidad de la que le echaron hace unos cuantos años por insubordinación y conducta desordenada!
- Es cierto, señor. Tuve mis divergencias con algunos cuantos maricones…
- ¡Highway!

Sin embargo, Highway se sale con la suya y consigue el traslado. En su nuevo destino se reencuentra con un antiguo compañero de armas, que le advierte sobre el oficial al mando:

- El culo de nuestro oficial de operaciones está tan cerrado que caga por la boca.
- ¿Es de academia?
- Un gran héroe en los campos de rugby.
- Joder… ¿Cuándo cambiará mi suerte?
- Nunca.

En efecto, el tío es un capullo integral:

- Yo todavía no he tenido el gran privilegio de combatir. Hasta hace poco he estado en Intendencia y Logística.
- Una labor que tristemente pocos saben apreciar.
- Desde luego.

El caso es que Highway debe sustituir a un colega jubilado, que se relajó excesivamente durante los meses previos a su retiro y permitió ciertas licencias a los marines que tenía a su cargo. Pero el sargento no tarda en dejar las cosas claras:

- Soy el sargento de artillería Highway. He bebido más cerveza, he meado más sangre, he echado más polvos y he chafado más HUEVOS que todos vosotros juntos, capullos.

Desde el primer día, los chicos de Highway empiezan a sufrir de lo lindo. Al principio intentan deshacerse de él, llegando a recurrir a la amenaza física. Sin embargo, con el tiempo descubren, aparte de que las amenazas no sirven con él, que su nuevo sargento es duro pero justo, y defiende a sus muchachos con la misma intensidad con la que los pincha. Eso sí, a pesar del trabajo diario de instrucción y de las enganchadas con su superior, a Highway aún le queda tiempo para asistir a fiestas de la “empresa”:

- Odio este tipo de reuniones.
- Te va a encantar. Se te ha pedido que vengas a casa del comandante de la unidad anfibia con uniforme de gala.
- Joder, qué rollo…
- Tienes que ir, sargento de artillería Thomas Highway. Vístete con esmero y con todas tus medallas para que puedan ver a un héroe gilipollas vivo, y no en un ataúd como es costumbre.
- Busquemos el bar.
- Buena idea.

Y desplegar su encanto:

- ¿Cómo hay que beber en una fiesta como esta? ¿Hay que sacar el dedo meñique?
- Todo menos abrirse la bragueta y sacar la chorra.
- ¡Eh! ¿No hizo eso J.J. Johnson en una fiesta del cuerpo femenino del ejército en San Diego?
- Nooo, fui yo. J.J. enseñó el culo a la jefa de enfermeras en China Beach.
- Bueno, pues te propongo un brindis por J.J. y los trozos que no pudimos encontrar de él.
- Jejeje. Era un tío graciosísimo.
- Lo jodido de estas fiestas es que tienes que procurar hablar muy fino.

Al final Highway consigue convertir a sus chicos en una unidad de marines como Dios manda y retirarse por la puerta grande, después de culminar con éxito una operación de rescate de rehenes estadounidenses y sacar una última vez de quicio a su superior:

- ¡Levántese usted, Highway!
- Con el debido respeto, señor, se me están empezando a inflar los cojones.

Todo esto hace de “El Sargento de Hierro” una de las películas más simpáticas de la carrera de Clint Eastwood, director, productor y protagonista absoluto de la cinta, convertida en una feroz crítica al ejército estadounidense, retratado como una empresa vulgar y corriente, dominado por la burocracia y descuidado con sus soldados. Una película que tiene ya más de veinte años, pero que nunca nos cansaremos de ver.

Por supuesto, mi jefe es una persona culturalmente más avanzada que el Sargento de Hierro, y jamás ha recurrido al combate físico, aunque no es precisamente de esos que se andan por las ramas. Huelga decir que tampoco lo recibimos con recelo ni chulería, ni azuzamos a un gigantón de dos por dos metros modelo “eclipse” para que intentara darle una paliza. Pero sí que ha sido un jefe exigente, comenzando por él mismo, y constantemente preocupado por el cumplimiento del deber y por el continuo aprendizaje de sus subordinados (palabra que por cierto jamás ha utilizado, presentándonos siempre como sus colaboradores). Nos ha llamado la atención ante los errores que hemos cometido, y nos ha defendido a capa y espada cuando hemos necesitado su ayuda. Sí, definitivamente creo que puede decirse que él ha sido nuestro sargento Highway.

Cuando se trabaja con personas llenas de ilusión, pero que al mismo tiempo, al igual que un grupo de soldados, son disciplinados y están acostumbrados a obedecer las órdenes que reciben (y por esa regla de tres, esperan que se ejecuten las instrucciones que ellos mismos imparten), se crean en este grupo relaciones que difícilmente aparecen en otras organizaciones. Estas relaciones humanas son una combinación de disciplina, respeto, compañerismo y voluntad de trabajo, todo ello sazonado con cierta reverencia, estimación personal y, la verdad sea dicha, sacrificio. Todo esto ha constituido, durante los últimos casi tres años, el núcleo de nuestro equipo bajo la dirección del jefe.

En cuanto a los causantes de la actual situación, podría aprovechar este foro para despacharme a gusto, pero sinceramente creo que no vale la pena. Con el tiempo, la tristeza y la rabia iniciales dan paso a una más sana aceptación, y como bien ha resumido el jefe, “ellos se lo pierden”. Sin embargo, sí que entonaré el “Arrieritos somos…”, recordando las sabias y elegantes palabras de Jimmy Durante: Pórtate bien con la gente que encuentres en tu camino hacia arriba, porque te la volverás a encontrar en tu camino hacia abajo. Y todo lo que sube baja, chavales.

Pero quedémonos con lo bueno, que a la larga es lo único que por suerte permanece. Trabajar con este caballero ha sido una experiencia enriquecedora y un auténtico privilegio. Por mi parte, sólo espero haber sabido corresponder su confianza con la lealtad que se merece.

Muchas gracias por todo, jefe. Buena suerte, y ojalá nuestros caminos se vuelvan a cruzar en el futuro.

- Semper fidelis.

© Zineman

[BPR] Vísceras - Entrega XIII

2008-09-25T07:11:00.001+02:00

Horizonte ceniza (III)

Un carrito de la compra en un mercado plagado de desconocidos.¿Acaso no consiste crecer en eso?.

Denver y June (V)

De la mano se les veía pasar por La Alameda en pleno mes de Octubre. Su recorrido comenzaba pasado el Arco de los Aventurados, a pocas manzanas del polígono. Se mostraban dichosos según se acercaban a los primeros plátanos del paseo. A veces se paraban unos minutos a entablar conversaciones triviales con amigos y conocidos. Todos ellos jugaban las cartas del desencuentro. Cordialmente se deseaban buen día y ellos seguían su paseo tendiendo al mundo sus vísceras machacadas. Entonces, por arte de magia, la Biblioteca aparecía a su derecha. Denver tentaba a la suerte y miraba al cielo en busca de alguna excusa válida para poder echar un vistazo a los autores rusos del XIX. A veces se las ingeniaba para seducir a June con promesas gastronómicas a cambio de unos minutos entre los estantes donde las novelas se agolpaban. Otras veces era ella la encargada de darle el empujón simulando un frío extremo y la amenaza de lluvia. Eran una pareja tendida en los raíles de la vida, en las postrimerías de la veintena. Ella disfrutaba de vuelta a casa escuchando historias de mujiks y príncipes rusos que perdían sus calesas como ellos perdieron sus sueños. El adoraba contar historias de esos tiempos, alababa a Tolstoi en pleno Octubre de cenizas. El y ella sabían de la distancia que separa la realidad de esas novelas. Sabían de sobra la pereza con la que los días pasan cuando apenas queda nada que perder.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[Cine] Hellboy II – El Ejército Dorado

2008-09-22T06:57:00.003+02:00

En el año 2004, un nuevo personaje procedente del mundo del cómic aterrizaba en las pantallas cinematográficas. Se trataba de Hellboy, una creación de Mike Mignola.

Durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial, los nazis buscaban desesperadamente la forma de dar un vuelco a la contienda. Su radio de acción incluía prácticas ocultistas, en particular una sesión espiritista con el objetivo de abrir un portal interdimensional y traer a los siete dioses del Caos a nuestro mundo. Las tropas aliadas, ayudadas por el profesor Bruttenholm, llegaban a tiempo de interrumpir el ritual, pero no de impedir que algo lo atravesara. Ese “algo” era un demonio niño, al que el profesor adoptaba y daba un nombre: Hellboy.

Con el paso de los años, Hellboy crecía bajo la tutela del profesor, y entraba a formar parte del equipo de la Agencia de Investigación y Defensa Paranormales (Bureau for Paranormal Research and Defense, BPRD). Junto a él podíamos ver a su mejor amigo, una rara especie de anfibio llamado Abe Sapien, y a Liz Sherman, una joven con dificultades para controlar sus poderes piroquinéticos. El equipo se completaba con el agente Myers, recién trasladado, y Tom Manning, director de la agencia.

Lo más llamativo de Hellboy es su aspecto. Su piel es completamente roja, y en su frente nacen dos cuernos que lima continuamente para parecer más “normal”. Su enorme mano derecha está hecha de pura roca, y en realidad se trata de la llave que un día abrirá las puertas del infierno y traerá la perdición del mundo, según la profecía. Sin embargo, la educación recibida de manos del viejo profesor ha puesto en duda que este apocalipsis pueda llegar a producirse.

El primer “Hellboy” se revelaba como una fidelísima adaptación del cómic, pero desde el punto de vista puramente cinematográfico contaba con un argumento muy simplón y previsible. Los esfuerzos de su director, Guillermo del Toro, se habían centrado en mantener la esencia del personaje, y eso se notaba en el resultado final. Los productores intentaron convencerlo para dotar a Hellboy de una apariencia normal, o al menos en una especie de Hulk rojo, de modo que sólo se convirtiese en demonio cuando se enojase. Del Toro se mantuvo inflexible, exigiendo además que se contratara a Ron Perlman, con el que había trabajado un par de años antes en “Blade II”. Al final se salió con la suya, pero ojalá hubiera mostrado el mismo empeño en el guión.

Cuatro años más tarde, Hellboy vuelve a nuestras pantallas. En esta ocasión, “Rojo” comprobará cómo se convierte en realidad una de las leyendas que su padre adoptivo le contaba de niño. Hace muchos siglos, el rey Balor declaró la guerra a los seres humanos, y para ello se valió de un arma indestructible: el Ejército Dorado. Cuando observó la enorme destrucción que éste había causado, el rey fue presa de un gran remordimiento, y acordó una tregua con los hombres, lo que le valió el rechazo de su hijo, el príncipe Nuada, partidario de acabar para siempre con la raza humana. Dominado por el rencor, Nuada escogió el exilio, no sin antes jurar que algún día regresaría para continuar la lucha donde su padre la abandonó.

La acción de “Hellboy II” comienza en el momento en que llega ese día. El príncipe Nuada está intentando reunir los fragmentos de la corona que permite controlar el Ejército Dorado, sin dudar en enfrentarse con su padre y con su hermana, la princesa Nuala. Hellboy y sus compañeros no tardan en incorporarse a la pelea, en compañía de Johann Krauss (Kraus en el cómic, como el tenor), un ente ectoplásmico de lo más curioso. Para complicar aún más la situación, “Rojo” debe enfrentarse a su salida a la luz pública, y al embarazo de Liz.

El reparto vuelve a estar encabezado por Ron Perlman en el papel de Hellboy, nuevamente acompañado por el mimo Doug Jones (otro de los actores fetiche del director) y Selma Blair como Abe Sapien y Liz Sherman. John Hurt regresa como profresor Bruttenholm con una pequeña intervención al principio de la película, en el flashback durante el que se narra la historia del Ejército Dorado. Guillermo del Toro vuelve a ocupar la silla de director y a escribir el guión junto a Mike Mignola.

Este segundo Hellboy sigue centrándose en la ambientación de la historia, conservando la estética de los personajes y cambiando la del escenario en que transcurren los hechos. Si la primera parte se nutría en gran medida del universo creado por H.P. Lovecraft, aquí se aprecia cierta influencia de “El Laberinto del Fauno”, sobre todo en la escena del Ángel de la Muerte. Por supuesto, el guión vuelve a ser el gran olvidado, con un argumento plano torpemente aliñado con situaciones tópicas de dudosa comicidad, basadas en la nueva situación pública de Hellboy, en su futura paternidad y en los problemas sentimentales de Abe Sapien.

Al igual que hace cuatro años, el único interés que puede (y digo puede) despertar “Hellboy II” reside en la forma y no en el contenido, lo que no ha impedido su éxito en taquilla y los primeros movimientos para rodar una tercera parte. Del Toro y Mignola han manifestado su interés por completar una trilogía, siempre que Ron Perlman acepte el papel de Hellboy. Por su parte, el actor se muestra encantado, con la condición de poder disfrutar de unos años de descanso entre película y película, ya que portar el maquillaje de Hellboy es un trabajo agotador. Así las cosas, no debería sorprendernos la llegada de un tercer “Hellboy”, seguramente muy parecido a los dos primeros, allá por 2012. Hasta entonces, lo que tenemos es otra película de usar y tirar.

© Zineman

[BPR] Vísceras - Entrega XII

2008-09-18T06:11:00.001+02:00

June (IV)

Se divertía en un banco sentada, tranquila mientras las gaviotas conquistaban por unos instantes los adoquines de la plaza. Si el sol brillaba con fuerza, fruncía los ojos y se remangaba con la timidez suficiente como para no llamar la atención. Siempre se preguntaba las mismas preguntas, los mismos enigmas, las mismas esperas sin respuestas. Daba vueltas a las razones de la marcha que emprendió muchos años atrás, cuando los polígonos industriales eran postales del futuro y los extrarradios meras metáforas polvorientas. Pero no buscaba respuestas, no se consideraba una expedicionaria de altos vuelos. Únicamente veía pasar las prisas del ejecutivo, el ritmo arrebatador de los jóvenes que no contemplan las fachadas ni la belleza de las calles y se divertía con la lejanía de todos esos acontecimientos. Sabía que esperar en un banco es como pinchar el globo de un niño cuando aquél ha perdido el aire mínimo para mantener su vuelo. Porque para June los globos volaban, y las nubes marcaban el estado anímico de ejecutivos y jóvenes. Mantenía el banco caliente, siempre dispuesta a dar por sentado que la última palabra de la tarde marchita los recuerdos y los hace libres.

Apollon y June (I)

Se conocieron, se quisieron, dieron por zanjada la cuestión clandestina de lo imposible. Se hicieron con los restos de un naufragio que no les pertenecía. Dejaron de crecer mirándose a los ojos.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[BPR] Vísceras - Entrega XI

2008-09-04T06:17:00.004+02:00

Apollon (I)

Se conocieron en la escuela de enseñanza secundaria. Apollon era un chico de pocas palabras, de fuertes convicciones y raros gustos por las comidas orientales. A Denver le gustaban los trenes a su paso por el extrarradio y gemía en las noches estrelladas intentando llamar la atención de los años dormidos. Apollon jugaba ensimismado con unas canicas de cristal contra un muro descascarillado de tanto cambio de viento del norte. Denver observaba desde sus quince años recien cumplidos la destreza de sus trampas y la limpieza de su puntería certera. Algo espetó que fabricó un escalofrío en las entrañas de Apollon. Denver dependía de un milagro en ese encuentro, Apollon tendió un guiño del ojo izquierdo a su nuevo compañero, contando con sus dedos los años venideros sin demasiado entusiasmo.

Horizonte ceniza (II)

Las películas de amor tienen eso, dos amantes que se quieren y demasiados vagones de un tren de cercanías sin las ventanas iluminadas.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[Cine] El Caballero Oscuro

2008-09-01T06:42:00.003+02:00

Regresamos de las vacaciones, que espero hayáis podido disfrutar a pesar del Gobierno, y nos ponemos al día con uno de los pocos estrenos veraniegos de los que merece la pena hablar.

Hace cosa de tres años, nos hicimos eco en esta web de “Batman Begins”, una película que pretendía reiniciar la saga cinematográfica de Batman, enterrando en el olvido las cuatro entregas anteriores, dirigidas por Tim Burton y Joel Schumacher. Esta nueva primera parte significaba un cambio bastante radical de estilo, con una estética más oscura pero más realista, acudiendo por primera vez al origen del personaje, que era el tema central de la película.

“Batman Begins” nos contaba cómo Bruce Wayne presenciaba el asesinato de sus padres, y crecía lleno de resentimiento y culpa. Después de vagar por medio mundo, su camino se cruzaba con el de la Liga de las Sombras, una organización justiciera clandestina, caracterizada por el empleo de unos métodos más bien drásticos. Bajo la tutela de sus nuevos amigos, Bruce Wayne aprendía a controlar su ira y a emplearla contra cualquier enemigo, incluyendo a la propia Liga de las Sombras.

De regreso a su ciudad de origen, Gotham, Bruce Wayne comenzaba su lucha contra el crimen, caracterizado como Batman. Gracias a la ayuda de una amiga de la infancia y actual ayudante del fiscal, Rachel Dawes, y al sargento de policía Jim Gordon, Batman conseguía salvar a Gotham del ataque de la Liga de las Sombras. La película finalizaba adelantándonos el próximo rival del hombre-murciélago: el Joker.

Han pasado tres años, y por fin llega la tan ansiada continuación, con el cutre título de “El Caballero Oscuro” (en el mundo del cómic, “The Dark Knight” siempre se ha traducido en España como “El Señor de la Noche”, que suena muchísimo mejor, pero qué le vamos a hacer). Batman se ha consolidado como el protector de Gotham, ayudado por el ahora teniente Jim Gordon y por el nuevo fiscal del distrito, Harvey Dent. El crimen organizado se encuentra entre la espada y la pared, así que los jefes mafiosos han tomado medidas desesperadas. Han contratado los servicios del Joker.

Durante los seis meses que transcurren entre el final de “Batman Begins” y el principio de “El Caballero Oscuro”, el Joker se ha ido labrando una reputación como delincuente altamente peligroso. Se trata de un psicópata cuyo único objetivo es sembrar el caos en Gotham, incendiar la ciudad y disfrutar mientras contempla cómo arde. Batman comprueba una y otra vez el sadismo de su adversario, ya que éste no se conforma sólo con matar a inocentes, sino que además le gusta torturarlos antes, implicándolos en diversos juegos macabros. Para derrotarlo, el murciélago tendrá que afrontar decisiones que le obligarán a replantearse sus propios principios.

El reparto vuelve a estar encabezado por Christian Bale como Bruce Wayne/Batman, acompañado por Michael Caine y Morgan Freeman en los papeles de Alfred y Lucius Fox. Gary Oldman repite como Jim Gordon, y el personaje de Rachel Dawes reaparece con los rasgos de Maggie Gyllenhaal, que sustituye a Katie Holmes. Los dos grandes fichajes de la película son Heath Ledger y Aaron Eckhart, que interpretan al Joker y a Harvey Dent/Dos Caras. Cillian Murphy tiene un pequeño papel al principio de la película, de nuevo como el Espantapájaros. Dirige, al igual que hace tres años, Christopher Nolan.

Mucho se ha hablado de “El Caballero Oscuro”, sobre todo desde el fallecimiento de Heath Ledger a principios de este año. Ya se sabe, la música que mejor se vende es siempre la de los muertos, o mejor dicho la de los recién muertos, sobre todo si son jóvenes. Para colmo, a Morgan Freeman le ha debido dar envidia, ya que poco después del estreno en Estados Unidos y poco antes del estreno en España ha sufrido un grave accidente de tráfico, del que parece que se va recuperando en la medida de lo posible (con 71 años dudo yo que vuelva a ser el mismo de antes). De todos modos, aquí intentaremos ceñirnos exclusivamente al aspecto cinematográfico del asunto.

¿Qué tenemos aquí? Para empezar, el enfoque de la película es distinto al de su predecesora. Si bien se conserva la estética de “Batman Begins”, “El Caballero Oscuro” se centra bastante menos en su protagonista, que ya disfrutó de muchos minutos de metraje en la primera parte, debido a la necesidad de presentar a Batman. De hecho, la película no se centra en ningún personaje en concreto (ni siquiera en el Joker, como cabría suponer), sino que reparte su atención de forma bastante compensada entre los diferentes actores, incidiendo en las relaciones entre ellos, sobre todo en las que son a tres bandas: el triángulo amoroso Bruce Wayne-Rachel-Harvey Dent, el tridente Batman-Gordon-Dent, y el trío Joker-Dos Caras-mafia (sí, amigos, Dos Caras tiene su parte de protagonismo).

“El Caballero Oscuro” es también una película de transformaciones. Por un lado, Bruce Wayne ve que Batman tiene que convertirse en algo más para poder derrotar al Joker, y no le gusta. Si a eso le añadimos el ascenso de Harvey Dent como luchador contra el crimen, y la promesa de Rachel de volver a su lado cuando colgase el traje de murciélago, Bruce ve una oportunidad de traspasar su responsabilidad al nuevo fiscal y recuperar a su amada, que paradójicamente está saliendo con Dent. Por otro lado, está la aparición de Dos Caras, en la que Rachel también juega un importante papel.

Todas estas emociones se reflejan en la película, bastante bien manejadas por el director, capturando gran parte de la “oscuridad” que se concentraba en la pantalla de “Batman Begins”. “El Caballero Oscuro” es una película más “diurna”, pero mucho más psicológica, siendo el Joker el centro de todo, aun cuando no aparece en escena. Y aquí llega el momento de hablar de la interpretación de Heath Ledger.

Desde su fallecimiento a principios de este año, la espiral de entusiasmo que rodea a Heath Ledger ha culminado con las primeras peticiones de premio Oscar póstumo, e incluso ha contagiado a la película, que en los primeros días tras su estreno ha conseguido ocupar el primer puesto de la lista de las 250 mejores películas de la historia del cine según la IMDb. Afortunadamente, este empacho de viagra se ha ido “desacelerando” con el paso de las semanas, y seguirá haciéndolo durante los próximos meses. Por cierto, en el momento de escribir estas líneas “Cadena Perpetua” ha recuperado el primer puesto en detrimento de “El Padrino”. Pero vamos a lo que íbamos.

El Joker de Heath Ledger no recuerda para nada al de Jack Nicholson. Aquel era un Joker colorista, propenso a la risa y demasiado exagerado. De hecho, parecía estar permanentemente borracho. Este nuevo Joker es mucho menos excesivo, y mucho más terrorífico y letal. Una especie de cruce entre Hannibal Lecter y El Cuervo. No se conoce su origen, ya que cada vez que lo explica cambia la historia, pero está claro que vive únicamente por y para el caos, como él mismo reconoce. Incluso llega a confesar a Batman que no pretende matarlo, ya que no podría encontrar un adversario tan digno y divertido como él. Si por el Joker fuera, se pasarían toda la vida jugando al ratón y al gato. Ledger refleja toda esta complejidad a la perfección, así que su trabajo es excelente (destacando especialmente la escena del interrogatorio al que Batman lo somete en comisaría). ¿Digno de un Oscar? Pues depende. Primero deberíamos esperar a ver qué competencia tiene, así que es un poco pronto para hacer esa pregunta. La rescataremos a final de año, pero de momento, repito, su interpretación es estupenda, y lo cierto es que el doblaje no le hace justicia. Os recomiendo la versión original.

“El Caballero Oscuro” es una película que está bastante bien, con un guión más trabajado que el de su predecesora, y muy valiente a la hora de llevar a sus personajes a situaciones límite, explorando con mucho cuidado su psicología. En su contra juegan un metraje muy largo (dos horas y media es exigirle mucho al espectador) y un duelo final algo descafeinado, además de la burbuja de expectativas que se ha creado durante los últimos meses. Interesante situación para todos aquellos que os acerquéis al cine, pues será la única forma de que salgáis de dudas.

¿Cuál es el horizonte de Batman ahora? Christopher Nolan siempre ha tenido el objetivo de completar una trilogía, y de hecho los contratos de Christian Bale, Michael Caine y Gary Oldman incluyen un compromiso por tres películas. Nolan ha llegado al extremo de encadenar tres trabajos consecutivos con Bale y Caine, intercalando “El Truco Final (El Prestigio)” entre las dos primeras entregas de este nuevo Batman. Además, “El Caballero Oscuro” está batiendo records en taquilla, así que todo indica que se rodará la tercera parte, aún sin título.

Y sin villano. Dos Caras era el favorito en todas las quinielas, pero su participación en esta entrega le resta muchos puntos. El Joker lo tenía bastante fácil (y de hecho, no nos engañemos, es el villano más jugoso del universo Batman), pero el fallecimiento de Heath Ledger obligaría a contratar a un nuevo actor, y el fantasma de la comparación da mucho miedo. Una solución intermedia sería aprovechar tomas eliminadas de “El Caballero Oscuro”, pero eso no da para mucho. El tercero en discordia es el Espantapájaros, una posibilidad muy interesante, pero él solo no basta para llenar una película.

Las miradas se dirigen entonces hacia algunos de los villanos que ya tuvieron su momento en la época Burton-Schumacher. El Pingüino queda prácticamente descartado porque es muy difícil que encaje en la estética diseñada por Nolan, pero Catwoman y Enigma han empezado a sonar con fuerza. Incluso el personaje de Lucius Fox se permite una broma acerca de los gatos en “El Caballero Oscuro”, lo que sugiere una futura aparición de Catwoman. Otro punto a su favor es la poca fortuna de Bruce Wayne con Rachel Dawes, por lo que podemos apostar por la aparición de un nuevo personaje femenino.

Tiempo tendremos de entretenernos jugando a las quinielas. De momento, “El Caballero Oscuro” es uno de los estrenos más interesantes del verano (lo que no es decir mucho), y el resto no son más que castillos en el aire.

© Zineman

[BPR] Vísceras - Entrega X

2008-08-28T06:15:00.001+02:00

Denver (VII)

Dicen que nació con algo en las pupilas. Son esas leyendas familiares que se van transmitiendo de lustro en lustro. Ese algo hizo que sus padres se asustaran y empezaran a asumir en los albores de su juventud que su hijo no vería pasar los trenes tras las ventanas. ¿Cómo asumir una ceguera que estaba predestinada a retar a los astros?. ¿Cómo una ausencia de luz merece la atención de unos padres deshechos?. Los médicos, cuentan, dijeron que fue un milagro de esos que se ven una vez por cada un millón. Eso al menos relatan las leyendas familiares que se van transmitiendo como los desamores de la adolescencia se transmiten con el paso de los años. Denver no sólo conservó la vista, sino que aprendió a mirar con la entereza de la perplejidad de un niño que empieza a vivir de lejos. Se esperaba de esos ojos algo del cielo, un poquito de los parques desiertos y leves notas de una balada de los sesenta. Eran unos padres anclados en la primera fila de un concierto y era un niño llamado Denver envuelto en los sueños de los hombres.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[BPR] Carreteras Secundarias - Entrega XXIV

2008-08-05T06:54:00.001+02:00

Tren de cercanías

Cuando nos miran
a los ojos
y se encuentran
huellas en la arena.

Cuando nos hablan
a los ojos
y algo de la vista
se alía con el camino.

Cuando nos dicen
otros ojos
lo que sabemos
de este mundo que agoniza.

© Fernando Llorente

[Cine] WALL•E

2008-08-04T06:18:00.003+02:00

Hoy publicamos la última crítica antes de las vacaciones del jefe, así que aprovecho para despedirme de vosotros hasta septiembre y desearos que paséis un buen mes de agosto. El azar ha querido que este día coincida con la centésima crítica semanal consecutiva, así que vamos a celebrar estos cien lunes seguidos con una de las películas más esperadas del año.

¿Qué pasará cuando el hombre haya contaminado la Tierra hasta convertirla en un mundo inhabitable? Pues es probable que se vea obligado a abandonar el planeta, no sin antes desplegar un ejército de robots específicamente diseñados para la limpieza del mismo, a fin de poder regresar a él cuando terminen su tarea. Este modelo de robot responde al nombre de WALL•E, siglas de “Waste Allocation Load Lifter • Earth-Class”, algo así como “Levantador de Cuota de Residuos • Clase Terrestre” (un recogedor de basura, para entendernos).

Con esta premisa argumental, los chicos de Pixar no faltan a su tradicional cita anual con esta web, después de “Ratatouille”, “Cars”, y “Los Increíbles”. El protagonista de esta nueva aventura es un robot del modelo WALL•E, último que queda “con vida” en la Tierra del año 2815, ya que sus compañeros han ido cayendo uno tras otro, consumidos por la magnitud de la tarea que se les ha encomendado. Siete siglos después de comenzar con la limpieza del planeta, WALL•E sigue desempeñando su labor en la más absoluta soledad.

Durante los últimos setecientos años, WALL•E ha desarrollado una personalidad propia, coleccionando objetos que encuentra entre la basura, y visionando continuamente la película “Hello, Dolly!”, de la que le encantan sobre todo las canciones “Put on your Sunday clothes” e “It only takes a moment”. También tiene una cucaracha como mascota, y cada noche mira a las estrellas, como esperando descubrir algo.

Ese algo llega una mañana como cualquier otra en forma de nave espacial, de la nada más aterrizar se desprende la sonda EVE, una robot de la que WALL•E se enamora perdidamente a primera vista. Cuando EVE encuentra lo que estaba buscando, se activa el protocolo para su regreso al espacio, pero WALL•E no está dispuesto a quedarse atrás. Comienza entonces su aventura, sin saber que jugará un papel crucial para el destino de la Humanidad.

Desde el primer momento, “WALL•E” está repleta de guiños. Durante la primera media hora, contemplamos el retrato de un planeta desolado e inundado de desperdicios que WALL•E se ha encargado de apilar formando auténticos rascacielos. Entre los objetos que rescata del olvido, podemos ver varios encendedores del modelo zippo, un cubo de Rubik y un Atari 2600 con el juego Pong. También hay referencias continuas a Apple (recordemos que el mayor accionista individual de Disney y hasta hace poco jefazo de Pixar, Steve Jobs, es un histórico de la empresa), como el sonido que WALL•E emite tras completar su carga de energía, que es el sonido de arranque de todos los Macintosh, el aspecto de Eve (un iPod volador en toda regla), o la voz de Auto, el piloto automático de la nave Axiom, generada mediante el conversor texto-voz de Apple, MacIn Talk. Por cierto, Auto es un claro homenaje al HAL 9000 de “2001, una Odisea del Espacio”.

Pero la estrella absoluta de la función es ese cruce entre Johnny 5 y E.T. que tiene por nombre WALL•E, y que se basta y se sobra para llenar la pantalla él solito durante los primeros minutos de película, que son sin duda lo mejor de la historia. Su aventura espacial posterior es muy entretenida, pero bastante más convencional, lo que no impide a los chicos de Pixar lanzar una feroz crítica a la tecnificación desmedida, representada por un futuro en el que, paradójicamente, los robots albergan sentimientos y los humanos son unos autómatas obesos que carecen de inquietudes, de motivación e incluso de vida propia.

Otro de los aciertos de la película es la reducción del metraje respecto a las anteriores producciones de Pixar. Tal vez hora y media pueda parecer poco de entrada, pero hemos de tener presente que “WALL•E” tiene muy poco diálogo (los humanos no aparecen hasta la mitad de la película, y el único que tiene un papel significativo es el capitán de la nave Axiom), por lo que creo que una mayor duración la haría parecer algo pesada. Su potencia, aparte de en su simpático protagonista, se basa en el apartado visual.

¿Estamos ante la mejor película de Pixar? Eso dicen algunos, aunque me parece que su entusiasmo se debe a la sequía que asola la cartelera últimamente. Con todo, “WALL•E” no deja de ser una película estupenda, prologada por el correspondiente cortometraje de rigor, titulado en esta ocasión “Presto”, y protagonizado por un mago y su conejo. En lo que respecta a los “magos” de Pixar, su próximo proyecto, “Up”, verá la luz en el verano de 2009. Esperemos que Disney les siga dejando hacer.

© Zineman

[BPR] Carreteras Secundarias - Entrega XXIII

2008-07-29T06:14:00.001+02:00

Epílogo I

Todo es secundario
en esta breve cita
a lomos de la historia.

Quien decide la ruta
delega el destino,

el cuerpo del delito
hierve tatuajes
de esos años tuyos
como cuentas que fueron.

Toda despedida engulle
una carretera
de desgastes y noches,

quisiste ser epílogo
de este breve encuentro
que no termina nunca.

© Fernando Llorente

[Cine] Trainspotting

2008-07-28T06:27:00.002+02:00

Elige la vida. Elige un empleo. Elige una carrera. Elige una familia. Elige un televisor grande que te cagas. Elige lavadoras, coches, equipos de compact disc y abrelatas eléctricos.

Elige la salud, colesterol bajo y seguros dentales. Elige pagar hipotecas a interés fijo. Elige un piso piloto. Elige a tus amigos.

Elige ropa deportiva y maletas a juego. Elige pagar a plazos un traje de marca en una amplia gama de putos tejidos. Elige el bricolaje y preguntarte quién coño eres los domingos por la mañana. Elige sentarte en el sofá a ver teleconcursos que embotan la mente y aplastan el espíritu mientras llenas tu boca de puta comida basura.

Elige pudrirte de viejo cagándote y meándote encima en un asilo miserable siendo una carga para los niñatos egoístas y hechos polvo que has engendrado para reemplazarte. Elige tu futuro. Elige la vida.

Pero… ¿por qué iba yo a querer hacer algo así? Yo elegí no elegir la vida. Yo elegí otra cosa.

¿Y las razones? No hay razones. ¿Quién necesita razones cuando tienes heroína?

En 1996, una irreverente película sobre el mundo de la droga irrumpía con fuerza, polémica y éxito en las pantallas de todo el mundo. Estamos hablando, cómo no, de “Trainspotting”.

La historia de “Trainspotting” comienza con Mark Renton y su amigo Spud huyendo a la carrera tras robar en un supermercado, momento que Renton aprovecha para hacer un flashback y contarnos la sucesión de acontecimientos que le han llevado hasta ahí. Los protagonistas son un grupo de amigos, la mayoría drogadictos, que sobreviven como pueden en la Escocia de los 90: el propio Renton, al que ya conocemos; Spud, compañero de “carrera” de Renton en la escena inicial; Sick Boy, un admirador incondicional de Sean Connery, que se sabe de memoria todas sus películas; Begbie, un matón con problemas de autocontrol; y Tommy, la oveja blanca del grupo.

Durante el flashback de Renton y la media película que le da continuidad después, vamos conociendo un poco más a estos chavales. Renton, Spud y Sick Boy son drogadictos empedernidos, y dado que Begbie y Tommy no comparten su afición, Renton intenta justificarse ante el espectador y convencerlo de las bondades de la droga mientras yace en el suelo del salón de su camello habitual, la Madre Superiora (al que llaman así porque lleva mucho tiempo con el hábito).

En este sentido, “Trainspotting” es la primera película que se atreve a contar la historia desde el punto de vista del drogadicto, lo que le da un punto de originalidad… y, por supuesto, de polémica. No son pocos los que acusan a “Trainspotting” de hacer apología de la drogadicción, aunque, como sucede a veces con este tipo de películas, hay que verlas más de una vez y reflexionar un poco antes de poner el grito en el cielo.

Comencemos por el principio. En los primeros minutos de la película, Renton nos explica sus motivos para engancharse a la heroína: una persona normal tiene que preocuparse de la familia, el trabajo, la casa, las facturas, el coche, etc, pero un drogadicto sólo se tiene que preocupar de conseguir su próxima dosis. Enseguida vemos que Spud y Sick Boy están de su parte, pero Begbie y Tommy no quieren saber nada de las drogas, lo que no deja de tener su gracia, porque Begbie es alcohólico, y un psicópata en ciernes:

Begbie tampoco le pegaba a las drogas. Sólo le pegaba a la gente. Eso era lo que le daba marcha. Su propia adicción sensorial.

A partir de ese momento empezamos a complicarlo todo. Renton toma la decisión de dejar la droga, y al principio le pasa un poco como al del chiste, que dice que dejar de fumar es fácil porque él lo hace todos los días. Por otra parte, Tommy, ese chico tan sano que no se drogaba ni decía mentiras, se sumerge de un día para otro en el mundillo, tras romper con su novia y deprimirse. Aquí hay quien le echa la culpa a Renton, por una broma pesada que le gasta a su amigo, pero lo cierto es que la relación no marchaba muy bien, como se puede ver en la escena de la discoteca, cuando las chicas están retocándose el maquillaje en el baño y Tommy y Spud están esperando fuera.

Pero no nos despistemos. El caso es que Renton consigue desengancharse, se muda a Londres, busca un trabajo honrado y hace todas esas cosas que hace la gente normal. Lo malo es que su pasado le persigue, sobre todo cuando Begbie elige su casa para ocultarse mientras huye de la policía. Por su parte, Spud y Sick Boy tampoco tardan en volver a entrar en su vida para proponerle un negocio, por supuesto ilegal y relacionado con la droga. Al final, parece que Renton consigue romper con todo, aunque ello le obligue a abandonar a sus hasta entonces amigos.

La película está protagonizada por Ewan McGregor, Ewen Bremner, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller y Kevin McKidd como Renton, Spud, Begbie, Sick Boy y Tommy. El rockero Iggy Pop no participa directamente en la película, pero su presencia es notoria, con algún diálogo sobre él, varios posters y un par de canciones en la banda sonora, destacando el marchoso “Lust For Life”, que abre la película por debajo del monólogo de Renton con el que empieza esta crítica. Dirige Danny Boyle, en lo que sería el techo de su carrera (o al menos así se ha empeñado en demostrarlo desde entonces), con guión de John Hodge basado en la novela de Irvine Welsh. Antes de su salto al cine, el libro fue convertido en una obra de teatro que cosechó un gran éxito en el Reino Unido, con Ewen Bremner (el actor que interpreta a Spud) en el papel de Renton. Welsh tiene un papelito como camello, además del dudoso honor de ser doblado por Santiago Segura.

El trabajo de todos estos actores es sencillamente perfecto, destacando el Renton de Ewan McGregor, que se erige como un antihéroe moderno, riéndose de James Dean y de todos esos jóvenes rebeldes de la historia del cine que esperan morir antes de hacerse viejos. Renton sabe perfectamente lo que hace y por qué lo hace. En otras palabras, es un tío sencillo, no un pelmazo predecible, y la interpretación de McGregor no tiene nada que envidiarle al Travis Bickle que Robert de Niro nos regaló en “Taxi Driver”.

¿Qué más tiene de especial “Trainspotting”? Pues es la primera película contada desde el punto de vista de un drogadicto, que comparte con nosotros las ventajas y desventajas que ve en la heroína. Tan pronto vemos a Renton inmerso en su mundo feliz como planeando dejar la droga de un día para otro. En cierto modo, “Trainspotting” transmite una sensación similar a la de “Quills”, con una historia que trata un tema muy serio de forma bastante ligera, sorprendentemente divertida en algunos momentos y con algunas escenas muy duras en otros.

Esto puede causar cierta incomodidad en el público, sobre todo si se pretende resolver el debate entre apología y moralismo que comentábamos antes. Personalmente, creo que este debate no tiene razón de ser, porque “Trainspotting” no pertenece a ninguno de los dos bandos, sino que se limita simplemente a contar una historia, sin acusaciones ni defensas, riéndose de todos los convencionalismos sociales existentes. Una historia de drogadictos que viven en un barrio obrero de Edimburgo y que se dedican a poco más que salir del paso y tomarse el pelo unos a otros. Una historia que, como todo en esta vida, tiene luces y sombras, y tiene un principio y un final.

O tal vez no. Irvine Welsh escribió en 2002 una continuación, titulada “Porno” y ambientada diez años después de “Trainspotting”. Danny Boyle asegura estar esperando a que los actores envejezcan visiblemente para rodarla, y haciendo gala de su sentido del humor añade que seguramente la espera sea muy larga, debido a la vanidad de los actores. Di que todo eso se resuelve con dinero…

© Zineman

[BPR] Vísceras - Entrega IX

2008-07-24T06:26:00.004+02:00

June (III)

Fue una tarde de esas en donde cualquier pequeña brisa anuncia una carta en el buzón ó una cabina de teléfonos libre ó una calle vacía para pasear en soledad. June había quedado a las cinco en la boca del metro de las afueras. En el cielo no había una nube. Como siempre, llegó antes de tiempo y compró en una librería cercana un libro de moda. Hacía un calor impropio del final de un Otoño. Mientras esperaba, pensaba en los deberes de matemáticas y lengua que tenía que presentar al día siguiente. Una redacción sobre los "trenes de la noche" y raíces cuadradas infumables. Odiaba el instituto, las horas eternas de los recreos y las clases de gimnasia. Detestaba sudar bajo un sol abrasador como el de aquella tarde. Cuando se disponía a ojear el libro, lentamente acudía a la cita un chico desaliñado y desgarbado. Se miraron e intercambiaron pelos erizados y algún sueño. Emprendieron el largo paseo de los comienzos. El cielo empezaba a hacer de las suyas. Una pequeña brisa hizo que June se abrochara la chaqueta. Las cabinas de teléfonos se vaciaron mientras las calles solitarias enviaban sus cartas a buzones desconocidos. Esa misma tarde se besaron.

Denver (VI)

Está sentado, como siempre, a solas con la luna. El camión de la basura aún no ha pasado y el tenue deambular de los gatos augura recogida de bolsas destartaladas. Se oyen voces de vecinos y zumbidos de aires acondicionados. Se divisa a lo lejos un tráfico de coches que apenas sí ha nacido y ya se está muriendo. Denver se pregunta por la distancia, por las fotos de las revistas de coches usados. Le resulta extraña la pereza de un astro que siempre le contempla. La luna en la terraza recita versos en su exilio prolongado.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[FotoBlog] Cervera de Pisuerga

2008-07-23T06:40:00.001+02:00

Descripción/Comentario:

El Parador de Cervera de Pisuerga desde el Pantano.

Ficha Técnica:

Autor: JeSúS
Cámara: Dimage Xg
Fecha: 12.07.08
Lugar: Cervera de Pisuerga (Palencia)

Descripción/Comentario:

El Pantano de Cervera de Pisuerga desde el Parador.

Ficha Técnica:

Autor: JeSúS
Cámara: Dimage Xg
Fecha: 12.07.08
Lugar: Cervera de Pisuerga (Palencia)

© JeSúS

[BPR] Carreteras Secundarias - Entrega XXII

2008-07-22T07:09:00.001+02:00

Fotografía casi secundaria

Ahora que molesta apenas
un diminuto brillo, déjame
la réplica de las farolas
para darme cuenta. El llegar
cansado devuelve olores
y adolece en vuestras apuestas
a lo ganado. Así se dice
en esas estancias vacías
que uno imagina en la distancia.
Huecas de lo dicho y vivido,
a costa de la costra rancia
en un paisaje que terminas
por hacer tuyo, hay corros
que alcanzan carreteras fuera
de sí por si acaso uno decide
desandar lo andado. Son esas
huellas como rastros tardíos
las gotas de un sudor añejo
que dejar de oler no puede.

Ahora que molesta apenas
un diminuto brillo, déjame
sentado en el camino, fiero
como el adiós que a ti te enseña
a lamer lo secundario
en mi distancia.

© Fernando Llorente

[Cine] Superagente 86

2008-07-21T06:44:00.002+02:00

En los años 60, el cine de espías experimentó un gran avance gracias a la aparición en escena del agente menos secreto de la historia, James Bond, franquicia que hoy en día sigue en activo. En el mundo de la televisión, el personaje de Napoleón Solo dominaba los registros de audiencia, con la serie “El Agente de CIPOL”. Allá por 1965, Mel Brooks aportó su grano de arena con una parodia total y absoluta del género, “Get Smart”, que en España conocemos como “Superagente 86”.

86 es la numeración que corresponde a Maxwell Smart, uno de los agentes de la organización gubernamental Control (parodia de la CIA), dedicada en cuerpo y alma a la lucha contra KAOS, cuyo objetivo es dominar el mundo. O destruirlo. Depende del día. Junto a la agente 99 y a las órdenes del Jefe (esos son los únicos apelativos por los que los conoceremos, aunque en un capítulo se decía que el nombre de pila del Jefe era Thaddeus), Max corre un montón de aventuras, a cada cual más disparatada. Para salir airoso de ellas, cuenta con la ayuda de su inseparable zapatófono y de la campana del silencio (cono del silencio en la versión original).

Protagonizada por Don Adams, Barbara Feldon y Edward Platt, la serie supuso un gran éxito y se mantuvo en antena durante cinco temporadas, incluyendo entre sus gags parodias de películas como “007 contra el Dr. No”, “Goldfinger”, “Casablanca”, “El Fugitivo”, “La Gran Evasión”, “Bonnie y Clyde”, “La Ventana Indiscreta”, “El Tesoro de Sierra Madre” y “Asesinato en el Orient Express”, además de otras series como “Ironside” o “Los Vengadores”, esta última competidora directa.

Lógicamente, era sólo cuestión de tiempo que Maxwell Smart llegara a la gran pantalla, y allá por 1998 empezó a gestarse el proyecto, con Jim Carrey como favorito para dar vida al agente 86. Diez años después, la película ve por fin la luz, con un reparto compuesto por Steve Carell (el cuñado gay de “Pequeña Miss Sunshine”), Anne Hathaway y Alan Arkin (el abuelo cañero de “Pequeña Miss Sunshine”) en los tres papeles principales. Les acompaña Dwayne “The Rock” Johnson, como agente 23, y Terence Stamp interpreta al malvado líder de KAOS, Conrad Siegfried, un personaje recurrente de la antigua serie de televisión. James Caan es el presidente de los Estados Unidos, y Bill Murray tiene un cameo como agente 13. Dirige Peter Segal, autor de películas tan olvidables como la tercera parte de “Agárralo Como Puedas” (la única de las tres que nunca debió rodarse) y la segunda de “El Profesor Chiflado” (en este caso no debió haberse rodado ninguna).

La película nos muestra los inicios de Maxwell Smart como agente de campo de Control, tras varios años ocupando un puesto de analista. Debido a una fuga de información, KAOS conoce la identidad de todos los agentes de la organización, motivo por el que Control se ve obligado a intercambiar su personal de operaciones con el de oficina, a excepción de la agente 99, que se ha sometido a una operación de cirugía plástica y cuenta con un nuevo rostro. Juntos, el nuevo agente 86 y la veterana 99 intentarán detener a KAOS.

- ¿Cómo sé que no eres de Control?
- Si fuera de Control, ya estaríais muertos.
- Si fueras de Control, ya estarías muerto.
- Ninguno de nosotros está muerto, así que está claro que no soy de Control.
- Pues también es verdad.

“Superagente 86” es una comedia del montón, con algunos golpes buenos, otros de ración y varios chistes malos. Qué se le va a hacer, el guión es el que es, y no es gran cosa, aunque debo reconocer que se esfuerza por mantener el estilo de la serie de televisión original, sin pasarse con la actualización: la variante tecnológica de la campana del silencio (que recupera aquí la denominación original de “cono”), el momento zapatófono, y la imprescindible escena del pasillo de puertas corredizas con la cabina telefónica que da acceso a Control, y que Max atraviesa, al igual que en la serie, al principio y al final de la película, primero para entrar y después para salir (por supuesto, en la escena final la última puerta se traba). El guiño se completa con el museo del principio de la película, en el que podemos ver varios de los artilugios originales, así como el descapotable rojo que conducía Don Adams.

El otro punto fuerte de la película reside en la pareja protagonista, ya que tanto Steve Carell como Anne Hathaway encajan bastante bien en sus papeles y poseen una buena química entre ellos. Clavan por momentos los gestos de Don Adams y Barbara Feldon, y el Jefe de Alan Arkin es un buen complemento. Junto a los guiños mencionados anteriormente, sus actuaciones demuestran respeto por el original, lo que es bastante de agradecer, teniendo en cuenta los tradicionales destrozos que solemos presenciar en este tipo de adaptaciones. Al menos aquí eso no pasa.

Sin ser nada del otro mundo, “Superagente 86” puede ser una opción para pasar el rato, teniendo en cuenta que es verano y recordando la racha de estrenos que llevamos en los últimos meses.

© Zineman

[BPR] Vísceras - Entrega VIII

2008-07-17T06:40:00.003+02:00

Denver (V)

Cuando su abuelo le preguntó sobre un mundo sin trenes, ni vías, ni distancia, Denver se derrumbó y vomitó toda la merienda. Eran sus catorce años los que imaginaron el futuro sin todo eso. Fueron sus catorce años los que se
despeñaron ese día y no supieron encontrar el camino de vuelta hacia la cima.

Denver y June (IV)

Tenían un coche con los pilotos rotos. Con él se acercaban a los lindes de otros tiempos. La nostalgia del mar les apartaba de arcenes que en otras vidas frecuentaron. Denver solía petrificarse viendo los concesionarios del polígono. Se imaginaba la vida sin el coche con los pilotos rotos. La pena era que los concesionarios cerraron muchos años atrás tras la crisis económica. Entonces se volvieron duros los créditos, las cenas y los sueños. No era buena idea invertir en papeleras ni en visionarias puestas de largo de la vida. Sólo se hicieron ricos en esos días aquellos que arriesgaron lo poco que les quedaba a los mandos de ese coche con los pilotos rotos. Denver se lamía las heridas frente a los concesionarios moribundos de las afueras.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[BPR] Carreteras Secundarias - Entrega XXI

2008-07-15T06:56:00.001+02:00

En un concierto de los sesenta

Hacías cola sin entrada
esperando cierto milagro
que sólo un viaje de ida
es capaz de dar forma.
Por los alrededores había
lirios de colores raros
y un muchacho de ojos azules
hacía de anfitrión
entre las vallas. Lejano
dejaste el coche aparcado
más nada de eso puso
en la balanza tus deseos
por escuchar el primer
acorde de la noche.
Hacías cola sin entrada
y no hubo músico capaz
de musicar nada salvo
esos malditos trenes
de la noche que evocas
entre versos del pasado.

© Fernando Llorente

[Cine] Las Crónicas de Narnia – El Príncipe Caspian

2008-07-14T06:55:00.001+02:00

Dos años y medio después de que llegara a nuestras pantallas la primera aventura de los cuatro hermanos Pevensie en el mundo mágico de Narnia, se estrena la segunda parte, también basada en uno de los libros de C.S. Lewis.

Recordemos brevemente los sucesos de la primera entrega. En un Londres azotado por el Blitz, todos los niños son evacuados hacia zonas rurales, lejos del alcance de los bombardeos de la Luftwaffe. Los cuatro hermanos Pevensie, Peter, Susan, Edmund y Lucy, son acogidos por un viejo profesor, en cuya casa descubren un portal que los traslada al reino de Narnia. Allí conocen al león Aslan y luchan contra la malvada Bruja Blanca, que mantiene a Narnia en un estado de invierno perpetuo. Cumpliendo una vieja profecía, los hermanos derrotan a la bruja y gobiernan en Narnia durante algunos años, antes de emprender el regreso a su mundo de origen.

Ha pasado un año desde entonces, y Narnia necesita de nuevo a sus héroes de antaño. El portal ha vuelto a abrirse, y los Pevensie lo cruzan una vez más. Al llegar a Narnia descubren que han pasado más de mil años, y que en su ausencia el reino ha sido invadido y conquistado por los telmarinos, obligando a los narnianos a ocultarse en los bosques. Allí aguardan el regreso de los antiguos cuatro reyes, y el de Aslan.

Con el paso de los siglos, se presenta la primera oportunidad para recuperar Narnia. El rey telmarino en funciones, Miraz, que ocupa el trono tras el fallecimiento “asistido” de su hermano, acaba de ver nacer a su primer hijo varón. Como ya no necesita a su sobrino Caspian, legítimo heredero, lo dispone todo para que el joven príncipe siga los pasos de su padre. Ayudado por su tutor, Caspian logra huir a tiempo y abrir el portal que permite el regreso de los cuatro hermanos Pevensie. Juntos reunirán un ejército para desafiar a Miraz y acabar con la opresión que sufren los narnianos.

El reparto vuelve a estar encabezado por William Moseley, Anne Popplewell, Skandar Keynes y Georgia Henley en los papeles de Peter, Susan, Edmund y Lucy Pevensie. Ben Barnes es el Príncipe Caspian, y el italiano Sergio Castellitto interpreta al malvado Miraz. Entre los secundarios podemos ver a la española Alicia Borrachero (muy conocida por las series “Periodistas” y “Hospital Central”), que interpreta a Prunaprismia, la esposa de Miraz, y Tilda Swinton regresa con una breve pero intensa aparición como la Bruja Blanca. La voz de Aslan es nuevamente la de Liam Neeson en la versión original, y la de Luis “House” Porcar en la versión en castellano. En la dirección repite Andrew Adamson.

Con una estética muy fiel a la de su antecesora, “El Príncipe Caspian” es una película muy normalita, demasiado larga (unos 144 minutos, créditos incluidos) para un argumento tan simple. La ventaja de “El León, la Bruja y el Armario” residía en que gran parte de la película se invertía en presentar la saga. En esta segunda parte ese trabajo ya está hecho, así que se ha intentado llenar los huecos con acción, insertando una batalla más bien superflua en mitad de la película. De este modo, cuando llegamos a la batalla final, muchos estamos deseando que la historia termine de una vez.

Tampoco ayuda mucho el desfile de tópicos facilones sin venir a cuento: los amagos de tensión entre Peter y Edmund, las dudas sobre Aslan, la etérea atracción entre Susan y Caspian, etc. Por si esto fuera poco, hay dos escenas que intentan plagiar torpemente otras dos de “El Señor de los Anillos”, la destrucción de Isengard a manos de los Ents y el enfrentamiento entre Arwen y los Nazgûl en el vado de Bruinen. “El León, la Bruja y el Armario” también había incurrido en algo similar, pero de forma más disimulada.

Todos estos detalles han hecho que “El Príncipe Caspian” no haya tenido mucho éxito en taquilla, lo que en los primeros días tras su estreno estadounidense ha hecho peligrar el rodaje de la tercera parte, “La Travesía del Viajero del Alba”, prevista para 2010. Al parecer, estos temores se han disipado tras los sucesivos estrenos en Europa y Asia, pero ojalá hayan servido como toque de atención, a fin de que se nos brinde una tercera película que recupere parte de la frescura perdida en estos casi tres años.

© Zineman

[BPR] Vísceras - Entrega VII

2008-07-10T06:23:00.001+02:00

Horizonte ceniza (I)

Vendrán tiempos mejores June. Entonces verás que todo lo que te dije eran verdades de las que te impiden doblar la esquina por miedo a los ladrones. Sé que no es fácil creerme si miramos el "horizonte ceniza". Tenías sueños pesados como plomos que se hundieron entre tanta espera. Nos dijeron que nada era fácil, que los cajones donde descasaba nuestra herencia estaban al otro lado del mar. Ahora resulta que todo lo negro llena nuestro estadio. Te pido paciencia querida June. Paciencia para volver a las salas de cine, para deslumbrar con tu sonrisa lo poco que queda, para dejar las heridas lamidas fuera de juego. Vendrán tiempos mejores que estos, dispuestos a empezar de nuevo lejos de este polígono industrial donde nuestros corazones trabajan en turnos dobles. Miras la maleta y te tienta empezar de nuevo, dejar estas tierras, dar un portazo y dejar millas tras de ti. Sé que nada ha sido fácil, que la literatura de nuestra vida abortó en una clínica privada. Pero te aseguro que vendrán tiempos mejores, donde la lluvia ácida de sus mentiras roce a la perfección las sobras de estos platos. June, cree en mí, en estas calles desiertas, en estas farolas fundidas, en las promesas que nos dejamos olvidadas en los discos de Bob Dylan. Vendrán tiempos mejores y espero poder decirte entonces que todo fue un mal sueño, una plaga atemporal de las vidas de los otros que se interpuso en nuestro camino.

© Fernando Llorente (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[BPR] Carreteras Secundarias - Entrega XX

2008-07-07T07:03:00.001+02:00

Escupitajo a la espera de un largo viaje

No hay sala de embarque
capaz de pronunciar los nombres
del pasado. Ni aeroplano
con las alas que concreten
sin fisuras a cada uno
de los viajeros que en su interior
viajan. Se puede mirar
a los ojos del que espera
para darse de bruces
con un viaje de negocios
mientras las turbinas
del deseo se apalancan en barras
de cafés y restaurantes.
Tienen su hueco en la maleta
lo débil que se muestran
esos pacientes terminales
por culpa de una huída
sin destino ni presente.

Es cierto que no hay sala
capaz de pronunciar los nombres
del pasado, tan cierto
como el avión que cerró sus puertas
sin llegar nunca a despegar.

© Fernando Llorente

[Cine] Solo ante el Peligro

2008-07-07T06:08:00.001+02:00

- Somos amigos de toda la vida. Usted me proporcionó este cargo. Usted hizo que me llamaran. Desde que yo era un chiquillo tuve la ambición de parecerme a usted. Usted ha sido hombre de leyes toda su vida.
- Sí. Sí, toda mi vida, una gran vida. Se arriesga la piel cazando criminales y luego los jurados los sueltan para que vuelvan y disparen contra uno. Si se es honrado, se es pobre toda la vida, y al final se viene a morir asesinado en cualquier callejuela solitaria. ¿Por qué? Por nada. Por una estrella de latón.
- Escuche. El juez se ha marchado, Harvey ha dimitido y yo no consigo encontrar voluntarios.
- Sí, me lo figuro. Todo ha ido demasiado ligero. A muchos les da por hablar de orden y de ley en vez de hacer algo básico en que apoyarlas, tal vez porque en el fondo no les importa en absoluto. Esa es la triste realidad.

Esta semana recuperamos uno de los títulos más famosos de la historia del cine, que a pesar de su renombre se ha prodigado muy poco en las parrillas televisivas.

Hadleyville es un apacible pueblo del Oeste, debido en gran parte al magnífico trabajo del sheriff Will Kane, que durante los últimos cinco años ha velado celosamente por el cumplimiento de la ley. Hoy es un día de celebración, ya que Kane va a casarse con su prometida y a cesar en su cargo como agente de la ley. Aunque su sustituto no llegará hasta el día siguiente, los lugareños insisten en que Kane cuelgue la estrella y comience su luna de miel inmediatamente. Al fin y al cabo, ¿qué puede pasar?

Pues, por ejemplo, que aparezcan en el pueblo tres pistoleros a los que Kane envió hace años en la cárcel. Han sido vistos en la estación de ferrocarril, y se cree que están esperando la llegada del tren de las doce, en el que llegará el jefe de la banda, Frank Miller (no confundir con el guionista de cómics como “Batman”, “Sin City” y “300”). Son las once menos veinte, y los vecinos lo tienen claro: Kane debe abandonar Hadleyville cuanto antes. Aunque al principio se deja convencer, al poco rato el todavía sheriff decide dar media vuelta, quedarse y hacer frente a la banda de Miller, ya que es su deber.

En el tiempo que le queda, Kane intentará reclutar voluntarios para ayudarle en su tarea, pero poco a poco irá descubriendo el amargo sabor de la ingratitud. Tenemos de todo: el juez, que es el primero en hacer el equipaje y salir por pies (cuando Kane regresa al pueblo, se lo encuentra casi de milagro); su ayudante, que condiciona su participación al apoyo de Kane en su nombramiento como nuevo sheriff; su predecesor, que se escuda en que su artritis lo convertiría en un lastre más que en una ayuda; la dueña del saloon, antigua novia de Kane, que sube al tren antes que el maquinista; un amigo que finge no estar en casa; los vecinos, que le echan en cara que no haya abandonado el pueblo, lo que le habría facilitado las cosas a todos; el valiente de turno, que se apunta cuando cree que van a encontrarse en franca superioridad numérica y se borra cuando Kane no consigue reclutar a nadie más. Incluso su recientísima esposa duda entre abandonarlo o permanecer junto a él. Al final, Kane tendrá que enfrentarse a Miller y los suyos sin ayuda ninguna. Y no me acuséis de reventaros la trama, porque de eso ya se ha encargado el título, jeje.

El papel protagonista recae en Gary Cooper, acompañado por una joven Grace Kelly, en el que fue su primer trabajo importante. Entre los secundarios podemos ver a Lloyd Bridges como ayudante trepa, Katy Jurado como dueña del saloon y Lee Van Cleef como uno de los matones de Miller (que no tiene una sola línea de diálogo). Dirige Fred Zinnemann (no, no es pariente) y produce Stanley Kramer, uno de los realizadores más valientes de aquel Hollywood, con títulos como “Adivina Quién Viene Esta Noche”.

“Solo ante el Peligro” es un western muy sencillo, estructurado en forma de cuenta atrás, que nos muestra la progresiva angustia del sheriff, alternando sus carreras a lo largo y ancho del pueblo con planos del reloj de su oficina. Partiendo de una situación inicial de relativa confianza en sus posibilidades, Kane se va desmoronando ante el abandono de su ayudante y de sus amigos, lo que le lleva a buscar ayuda entre los clientes del saloon, algunos de ellos partidarios de Miller, y, en un último intento desesperado, a irrumpir en la iglesia mientras se está oficiando la misa.

A medida que se van sucediendo todos estos hechos, vemos cómo el sheriff se reafirma en su decisión, aunque los vecinos no lo merezcan en absoluto, ya que lo considera su deber. El broche de este crescendo lo pone el propio Kane escribiendo su testamento mientras apura los últimos minutos en su oficina, antes de salir a la calle para que el plano se abra y podamos comprobar que está completamente solo. Poco después comienza su duelo suicida contra la banda de Frank Miller, en el que el director juega hábilmente con las luces y sombras, con excelentes primeros planos de Gary Cooper, en los que explota estupendamente su mirada. Lo mismo sucede con los posos de carga crítica del guión, que en las últimas escenas se pueden apreciar en las calles del pueblo, desiertas durante el tiroteo y abarrotadas a la conclusión del mismo.

Si nos remontamos al año 1951, descubrimos en el estreno de “Solo ante el Peligro” un alarde de valentía, ya que fueron muchos los que la consideraron absolutamente antiamericana, dada la clarísima referencia que se hacía a las listas negras de la caza de brujas. Una de las voces que más alto se alzó fue la de John Wayne (políticamente situado a la derecha de la ultraderecha), que le tenía ganas a Gary Cooper por su reputación de demócrata liberal (en otras palabras, que era de derechas pero no mucho) y por su vago testimonio en su declaración ante el comité HUAC del senador McCarthy. Cooper, arrierito como él solo, se vengó de John Wayne pidiéndole que recogiese su Oscar al mejor actor, que ganó precisamente por esta película, ante su imposibilidad de asistir a la gala. La respuesta de Wayne llegó en 1959 con el rodaje de “Río Bravo”, que se concibió como una versión derechista de “Solo ante el Peligro”. Años más tarde, con Cooper ya fallecido, John Wayne seguía tan cabreado que no vacilaba en inventarse detalles, como en la escena en la que Kane deja caer su estrella, afirmando “el Duque” que el sheriff la pisotea, cosa que no sucede en absoluto.

Cincuenta y tantos años después de su estreno, “Solo ante el Peligro” es por derecho propio uno de los títulos emblemáticos del western, y el trabajo por el que más se recuerda a Gary Cooper hoy en día. No en vano, su Will Kane es uno de los héroes clásicos del cine americano, y ocupa el quinto puesto en la lista elaborada en su día por el American Film Institute, sólo superado por Atticus Finch ( “Matar a un Ruiseñor”), "Indiana Jones", James Bond y Rick Blaine (“Casablanca”). Casi nada.

© Zineman

[BPR] Vísceras - Entrega VI

2008-07-03T06:55:00.001+02:00

Denver (IV)

Salió de aquel internado con la cabeza alta, el corazón arrollado por los trenes y la inmortalidad temblando de dudas. Era un verano cualquiera, y sus padres no pasaban de los treinta y cinco años.

Denver y June (III)

Denver miró a los ojos a June. Prometió transformar percheros por distancia, bolígrafos por olvido y vistas aéreas por cicatrices en corazones ajenos. Prometió todo eso sabiendo el caballo ganador en la línea de salida. Denver era un soñador vestido de príncipe. June era ciega ante las palabras. June creyó firmemente al chico de ojos azules que estaba mirándola a los ojos. Mientras, el cielo proyectaba todos los edificios iluminados de las afueras.

© Gabriel Esmero (texto), Ricard Clupés (fotografía)

[FotoBlog] Venecia 2.0

2008-07-02T06:45:00.003+02:00

Descripción/Comentario:

Vista del Gran Canal desde el Puente de Rialto.

Ficha Técnica:

Autor: Javier
Cámara: Canon Digital IXUS 800 IS
Fecha: 21.04.08
Lugar: Venecia (Italia)

Descripción/Comentario:

Vista frontal de la plaza de San Marcos y Basílica de San Marcos

Ficha Técnica:

Autor: Javier
Cámara: Canon Digital IXUS 800 IS
Fecha: 21.04.08
Lugar: Venecia (Italia)

© Javier

[BPR] Carreteras Secundarias - Entrega XIX

2008-07-01T07:12:00.001+02:00

[Cine] El Incidente

2008-06-30T07:58:00.002+02:00

Hace casi dos años, hablábamos de M. Night Shyamalan en esta web, repasando brevemente su carrera y centrándonos en el estreno de su última película, “La Joven del Agua”. Hoy nos visita de nuevo, con “El Incidente”.

Nueva York, una mañana como otra cualquiera. Los padres acuden al trabajo, mientras sus hijos asisten al colegio. La gente pasea por la calle, y nada hace presagiar lo que está a punto de suceder. De repente, todo el mundo se queda paralizado al mismo tiempo, y tras unos pocos instantes empieza a suicidarse: una mujer se apuñala con una aguja que sujetaba su pelo, unos albañiles se arrojan al vacío, un policía se suicida con su arma reglamentaria, y después varios transeúntes la utilizan para suicidarse también.

Esta conducta se extiende rápidamente por toda la ciudad, cundiendo el pánico entre la población. Al principio se piensa en un atentado terrorista con armas biológicas, pero la rápida expansión del ataque y su alcance global, llegando hasta objetivos muy poco poblados y por lo tanto poco estratégicos, obliga a descartar esta hipótesis, momento en el que se empieza a hablar de algún experimento secreto que se le haya podido escapar de las manos al gobierno.

Sea como fuere, la gente tiene muy claro que lo prioritario es huir de la ciudad y refugiarse en el campo, así que todos abandonan la ciudad sin más dilación. La película se centra en la huida de Elliot Moore, un profesor de Nueva York que intenta alcanzar la supuesta seguridad del ámbito rural en compañía de su esposa Alma.

El reparto está encabezado por Mark Wahlberg en el papel de Elliot Moore, escrito expresamente para él, y Zooey Deschanel (la Trillian de la “Guía del Autoestopista Galáctico”) como Alma. Otro rostro conocido es el de John Leguizamo, que interpreta a un amigo y compañero de trabajo de Elliot. Dirige, escribe y produce, como siempre, M. Night Shyamalan.

Hace dos veranos hablábamos de la cuesta abajo en la que se estaba convirtiendo la carrera de Shyamalan, un cineasta que tanto prometía desde su impresionante debut con “El Sexto Sentido”, allá por finales de 1999. En varias entrevistas, ha afirmado que aquel éxito hizo que los estudios le obligaran a convertirse en “el chico de las películas con giro argumental al final”, motivo por el cual acabaría rompiendo con Touchstone Pictures tras el rodaje de “El Bosque”.

Sin embargo, lo cierto es que a pesar del cambio de estudio Shyamalan ha seguido por el mismo camino, y continúa descendiendo por esa cuesta abajo. “El Incidente” es la película más floja de toda su carrera, y si ya había perdido la capacidad de sorprender al espectador, ahora comienza a perder la capacidad de despertar su interés. Cualquier parecido entre “El Sexto Sentido” o “El Protegido” con “El Incidente”, en materia de guión o suspense, es pura coincidencia. Uno de los aspectos en los que más ha decaído es en su costumbre de alternar situaciones emocionales con la trama de la película en cuestión. Así como en sus primeras películas combinaba con cierta habilidad estos elementos (la madre soltera con su hijo en “El Sexto Sentido”, las crisis matrimoniales de Bruce Willis en esta misma película y en “El Protegido”, o la crisis de fe en “Señales”), en “El Incidente” no va más allá de una chirriante mezcla.

Más de una vez se ha dicho que hay actores de una sola película, y en esta web hemos puesto el ejemplo de Tom Hulce y su Mozart en “Amadeus”, pero esta afirmación se puede extender al resto de profesionales, en este caso a los directores. Shyamalan supo aguantar inicialmente el tirón de su gran éxito, pero al final no ha podido resistirlo más y lleva unos años en continuo declive. En fin, citando al Dr. Tyrell, la luz que brilla con el doble de intensidad dura la mitad de tiempo, y Shyamalan brilló en su día con muchísima intensidad. Probablemente demasiada.

© Zineman

[WWE] Draft y tal y eso

2008-06-27T07:01:00.002+02:00

Como viene sucediendo en los últimos años en la empresa de McMahon, este lunes se celebró una nueva edición del Draft, es decir, la transferencia de talentos entre las diferentes ramas (programas) de la compañía.

Tuvimos dos entregas a lo largo de la semana. La principal fue en un RAW especial de 3 horas. En una noche marcada por las lesiones, unas reales y otras en forma de storyline: Melina durante su combate (real) y el bueno de Vince al caérsele parte del decorado encima (storyline)... El Draft resultó realmente impactante.

Hubo cambios anunciados, como el de Umaga (a SD) y CM Punk (a RAW), otros previsibles como los de Batista y Rey Mysterio a RAW, pero algunos fueron realmente sorprendentes: Triple H a SD junto con su Título de Campeón de la WWE, el de Kane a RAW con su Cinturón de Campeón de ECW en la cintura o el de Matt Hardy a ECW con su Título USA.

Además, Jeff Hardy y Mr Kennedy regresan a SD. Sorprendente también la llegada de Jim Ross (al que no le sentó nada bien el cambio), la voz de siempre de RAW a SD...

La segunda entrega, a través de wwe.com, en la noche del miércoles al jueves tampoco defraudó con movimientos que han roto parejas como los vitamínicos o Deuce & Domino.

Así pues, los movimientos fueron los siguientes:
A RAW llegan Kofi Kingston, Layla, Matt Striker, Chuck Palumbo, Deuce y Jamie Noble. A SD llegan Carlito, Shelton Benjamin, María, Brian Kendrick, DH Smith, Big Daddy V y Trevor Murdoch.
A ECW llegan Finlay y el Enano, Super Crazy y Mark Henry.

No sería la primera vez que estos cambios no llegan ni a concretarse debido a diferentes circunstancias (storylines, lesiones, cabreos de luchadores...etc). Tendremos que esperar unas semanas para ver en qué queda todo esto. Pero este domingo tenemos el PPV Night Of Champions, y este draft no deja más que pistas sobre los movimientos de Cinturones...jeje.

© JeSúS

[BPR] Vísceras - Entrega V

2008-06-26T07:48:00.004+02:00

Denver (III)

Siempre que un "goodbye" asoma por las ventanillas de los autobuses de línea, Denver se refugia en los versos que una vez escuchó en un pequeño pueblo interior. Hasta mucho tiempo después no supo ver que los versos son la realidad alternativa de los soñadores de despedidas y adioses.

Las visceras de la memoria (III)

Dudas ahora que estás en la biblioteca. Te acuerdas que tienes que hacer la compra antes de que ella llegue. Despistado buscas la 'B' de Bob en las estanterías de literatura hispana. Notas el polvo y la nariz te comienza a picar. Quizás las aceitunas negras con hueso en la ensalada pueden alegrar un poco el día a June. Tratas de no olvidar que el chocolate no puede ser con leche y almendras. De repente, te encuentras con Benedetti. Algo sobre la memoria y el olvido parece contar el libro. Estás constantemente junto a tu carrito con las ruedas torcidas. Por un momento te convences de que tienes que comprar un tren de cercanías que no llegue nunca. Deben ser estos libros de poemas que tienes justo delante. Quieres algo que te haga ver la vida de otra manera, que te permita ver a June con los mismos ojos con los que las vías del tren contemplan los astros. Recuerdas que no tienes tarjeta de crédito, que tendrás que pagar con las pocas monedas que arrastran el peso de los días. La bibliotecaria te avisa del cierre próximo. Te entran las prisas y con urgencia descubres en lo más alto de los estantes 'la biografía de River Phoenix' o alguien parecido. Muestras tu tarjeta de socio mientras la sala va quedando desierta. La bolsa de patatas que sea con sabor a jamón y el tambor de jabón para la ropa que reúna el nombre de todos nosotros. Seguro que June descansa sus pies en tus piernas, mientras sigue vigilando las entrañas de la noche un 'fire and rain' moribundo.

© Gabriel Esmero (texto), Ricard Clupés (fotografía) & YouTube (vídeos)

[BPR] Carreteras Secundarias - Entrega XVIII

2008-06-24T07:43:00.003+02:00

Aviones de la juventud.
A Daniel de La Hoz Sánchez.

Qué diferentes los aviones
en la juventud se imaginaban,
se dejaban en los cielos
de unos ojos que miraban
sonrisas de chicas y chicos
en el inicio de las vacaciones,
cumpliendo promesas
que nunca se hacían,
rasgando las hojas de la prensa
como quien se ríe del presente.
Esa es la clase de juventud
que viaja entre el aire
acondicionado y uniformes
de azafatas.
Esa es la clase de juventud
con los vuelos contados
más no se rinde ni reprende.

Qué diferentes los aviones
en la juventud se imaginaban,
y qué distintas estas manos
que hoy escriben malos versos
para no llevar en el recuerdo
los tiempos en que no
tuvieron miedo de volar.

© Gabriel Esmero